Qu'on se le dise : le Blu-Ray de l'épisode VIII, Les derniers Jedi, est une splendeur que cela soit au niveau de l'image ou au niveau du son ! Il ne gomme pas les défauts du film (je continue à trouver le passage sur le casino totalement inutile, d'autant plus que Finn et Rose ne parviennent même pas à désactiver le traceur en hyper espace au final) mais se le projeter à la maison avec une telle qualité les fait vite oublier . 

Bien évidemment, une nouvelle vision (la 3e après les deux au cinéma) permet de mieux appréhender ce que voulait Ryan Johnson, même si on peut penser qu'il a refilé une sacrée patate chaude à JJ Abrams. Parce que pour conclure cette trilogie avec toutes les pistes qui sont dedans, gérer la mort de Carrie Fisher, expliquer quand même ce que l'on ne sait toujours pas depuis l'épisode VII (d'où vient Snoke ? comment a-t-il contacté Ben Solo ? entre autres) et terminer sur une note qui satisfasse tout le monde, anciens et nouveaux fans, le boulot est énorme ! 

Mais c'est sur le terrain des bonus que la surprise est totale ! Alors que Disney nous a hélas habitué à des bonus très formatés langue de bois, où tout le monde il est beau et il est gentil, Ryan Johnson a pris le contre-pied de cette détestable manie et nous gratifie d'un making of de plus de 90 minutes où aucun sujet n'est tabou. Le budget ne permet pas toutes les audaces ? C'est dit. Mark Hamill critique ouvertement l'orientation du personnage de Luke ? C'est dit ! Le film prendra une direction totalement différente de celle voulue par Abrams ? C'est expliqué et Johnson l'assume. L'émotion autour de  la mort de Carrie Fisher ? Elle est là et elle est palpable.

Au delà de ce discours sans langue de bois, qui se distingue d'ailleurs dans le module consacrée à la force, on assiste à un déferlement sur le travail technique autour du film où l'on peut voir tout ce qui a été construit en vrai. Et franchement, là aussi, on est surpris là où l'on pensait qu'il y avait plus de virtuel. En fait, Les derniers Jedi reste un film "artisanal" à très très gros budget.

On y voit surtout un réalisateur parfois pris par le doute (le tweet expliquant qu'il est choisi par le doute) ou, au contraire, absolument sur de ses choix et les assumant pleinement. De ce fait, on comprend alors mieux les motivations des personnages et de la direction qu'il a voulu donner à la saga. Quand aux nombreux techniciens qui ont travaillé sur le film, chacun prouve qu'il a cherché à donner le meilleur de lui même et de ses équipes. Parce que, mine de rien, Ryan Johnson est la cheville ouvrière de centaines de personnes allant tous dans la même direction.

Si on y ajoute des scènes coupées bien introduites (et qui nuisaient effectivement à la cohésion de l'histoire et en ralentissait le rythme, seule celle avec Luke pleurant quand Rey lui demande de l'aide aurait pu figurer dans le film), 3 gros zoom sur 3 séquences "techniques" (la bataille d'ouverture, le duel avec Snoke, la bataille sur Crait) absolument passionnants car on y parle aussi du pourquoi de ces scènes et un module plus court où l'on peut voir le travail de Andy Serkis en Snoke avant sa transformation en pixels, il est clair que ce Blu-ray se hisse à la hauteur de ceux que Lucas proposait en son temps pour les épisodes I à VI. Du niveau de "Puppets to Pixels" présent sur L'attaque des clones et qui, à mon avis , est le meilleur document sur un Star Wars jamais réalisé.

Il me tarde d'écouter le commentaire audio présent sur le premier disque car, s'il est de la qualité du making of, nul doute qu'on va se régaler !

Espérons que Solo ira aussi loin dans la franchise et dans l'analyse de sa contre-performance. Parce que là, il y aura aussi beaucoup de choses à dire et à expliquer.

Avec (beaucoup) de retard, j'ai entamé la lecture des bonus Blu-ray de La bataille des 5 armées ! Le premier disque a été englouti en quelques soirées (plus de 4 heures tout de même) et j'ai attaqué le 2e ce matin.

Vous savez quoi ? Comme toujours depuis fin 2002 et la sortie en version longue de La communauté de l'anneau, Peter Jackson ne nous prend pas pour des cons. Il est évident qu'il a fait filmer TOUT le tournage vu que le moindre truc qui sort de l'ordinaire est présent. Il est évident que son équipe et lui ont abattu un travail titanesque pendant des années pour offrir au public, aux amoureux de Tolkien, aux fans d'héroïc fantasy un spectacle digne de ce nom. Et si la trilogie du Hobbit a été moins bien accueillie par la critique que celle du Seigneur des anneaux, il n'en a surement pas tenu cure.

Qui plus est, il n'hésite pas à montrer un réalisateur (lui même) parfois totalement dépassé, ne sachant même plus ce qu'il doit filmer, reculant d'un an le tournage du morceau de bravoure des trois films. La dernière fois que j'ai vu un réalisateur douter sur un making of, c'est en regardant le documentaire sur le 3e disque du Pacte des Loups. Cela tranche agréablement avec ces featurettes promo où tout le monde il est beau et il est gentil, où tout s'est bien passé alors que l'on sait pertinemment que ce n'est pas forcément vrai.

Il est clair également que Jackson a réalisé Le Hobbit quelque peu contre son grè (ses soucis de santé au début du projet en sont la preuve) et que ce n'est que petit à petit qu'il a pris plaisir à ajouter la trilogie à sa filmographie. Il en a d'ailleurs récolté pas mal de quolibets. Mais on voit aussi que son professionalisme et le dévouement de son équipe ont permis d'aller de l'avant et que, petit à petit, les obstacles sont tombés !

Le premier disque est exemplaire que cela soit dans la captation du tournage des scènes principales , certaines dans des extérieures magnifiques, des scènes additionnelles, de la première, de la 2e, de la 3e équipe. On vit le tournage et, entre chaque "scène", le recul des acteurs de ce tournage laisse pantois. Bien sûr, il est impossible de couvrir 100% d'un tournage, mais le plus gros est là.

Et puis, on sent combien les acteurs se sont investis dans ces films. Les émotions des fins de tournage ne sont pas feintes et chacun a la nette impression d'avoir participé à quelque chose d'énorme ! Idem pour tous les techniciens qui ne sont pas là pour rien, même ceux qui ont les "petits" roles.

Non, Jackson ne se moque pas du monde ! Au contraire, il ridiculise les grands studios qui nous sortent des éditions au rabais avec 3-4 featurettes et 2 bandes annonces qui se battent en duel ! Et surtout, il prévient bien que la première édition n'est pas la définitive. A méditer pour tous ceux qui vont racheter le Réveil de la force en 3D en novembre prochain.

Au royaume du cinéma, Jackson est un roi ! Il respecte son public, il respecte son équipe. Il est une exception alors qu'il devrait être une règle !!

Ce petit article sera suivi par une série où je vais décrire les modules les uns après les autres. Parce qu'un tel travail mérite que l'on en parle plus longuement que 3 lignes dans une chronique magazine.

Dernière partie de l'analyse du Blu-ray version longue, sans aucun doute la plus complète sur le web francophone. On termine avec les derniers modules du deuxième disque. 

Une grosse partie est consacrée à la construction des environnements , divisée en 4 modules. Le premier module décor s’intéresse à  la maison de Beorn. on peut y voir la première idée de décor, dans une zone isolée et rocheuse, puis la construction à Paradise à la lisière d’une forêt. Chose étonnante l’arbre centenaire qui donnait tout le cachet à ce décor s’est cassé lors d’une tempête et il a fallu en refaire un faux d’environ 8 m, soutenu par des câbles. Dans le roman, Beorn est végétarien, on peut donc voir  ses ruches et le jardin avec d’énormes légumes . Pour le reste, on est dans continuité de ce que l’on a déjà vu : des décors sur-dimensionnés pour rétrécir les nains, des outils géants à la mesure de Béorn. Le travail phénoménal de décoration s’articule autour de sculptures présentes tout autour de la maison, mais aussi à l’intérieur de la maison. Ce travail est dû à John Howe qui s’est inspiré du mythe d’Odin (les corbeaux).  Le décor intérieur regorge aussi de détails hallucinants, comme ce jeu d’échec créé par Alan Lee (une pièce est d’ailleurs visible dans le coffre de Bilbo, au début d’Un voyage inattendu.) ou les chaises avec les  sculptés. Enfin, comme à l’extérieur,  la taille du décor est surdimensionnée . On a vraiment l’impression de voir  des hommes qui ressemblent à des enfants.

On s’aventure ensuite dans la forêt noire - L’inspiration de Tolkien est bien analysée . Elle lui vient des vieilles forêts d’Europe. Le module montre d’ailleurs une carte de l’Allemagne datant de l’époque celte qui  ressemblant à s’y méprendre à la Terre du milieu. L’idée de la corruption de la forêt par Dol Guldur explique ensuite la méchanceté inhérente à Mikwood. On suit ensuite l’équipe dans sa tentative de tourner dans une forêt en vrai, puis renonçant, à sa  création en studio. L’ajout de couleurs vives donne un côté psychédélique, quelque peu estompé par la décoloration de l’image en post-production. L’aspect le plus impressionnant est la construction de la  forêt en CGI  avec des modèles mathématiques très complexes,  puis l’insertion des toiles d’araignées, toujours en CGI.

Le troisième module est tourné vers le royaume des elfes. La comparaison avec Fondcombe et l’arbre de Galadriel permettent de voir les différences avec ce royaume souterrain.Ici,  l’inspiration de Tolkien venait des anciens tumulus, censés abriter des petits elfes dans le folklore celte. Comme toujours, le reportage s’articule sur la minutie des détails et la façon dont les elfes des bois ont sculpté la grotte pour lui donner un aspect plus organique. Un travail hallucinant a été effectué sur le trône de Tranduil, mais aussi les bouteilles de vin, quasi invisibles à l’écran, mais pourvues d’étiquettes, remplies de grands crus néo-zélandais. Les bouteilles seront d’ailleurs offertes à l’équipe dans un superbe coffret en bois. On y voit aussi la façon dont le mécanisme  des tonneaux a été construit (un passage assez rigolo), le fait qu’Alan Lee mettait des cascades partout dans ses dessins , ce qui occasionnait quelques soucis pour les graphistes sur ordinateur, lui demandant s’il y a vraiment besoin de toute cette eau (difficile et coûteuse à produire en CGI). Enfin, comme pour la forêt, l’adjonction d’image de synthèse permet d’étendre le royaume au delà des décors déjà imposants. Enfin, le décor de la prison est montré dans ses détails, avec la difficulté de faire une prison qui ne soient pas trop accueillante.

Le dernier module évoque le monde des hommes et Lacville. Le décor a d’ailleurs été construit plusieurs fois au gré du tournage. Pour Lacville le thème décoratif est le poisson , en opposition au Rohan où le thème est le cheval. On assiste donc à la création d’un marché fonctionnel, la construction des bateaux naviguant réellement sur les canaux (peu profond), la fausse glace recouvrant l’eau, les maisons faites de guingois, l’idée étant  que Lacville soit construite sur une structure plus ancienne. La somme des détails est toujours aussi folles et l’on peut voir tout au long de ces modules des tas de métiers, des menuisiers aux souffleurs de verre donner  vie aux décors, avec un Peter Jackson omniprésent et investi dans tous les aspects de création de son univers. Et c’est là qu’on se dit que les critiques qui expédient les films en 10 lignes sont quand même de sacrés abrutis.

La toute dernière partie est consacrée à la musique, répartie sur 3 petits modules (de 15 à 20 minutes).

La reprise de thèmes du premier film (Hobbitbourg, Fondcombe, Gollum) est évoqué ainsi que l’introduction de nouveaux dans la désolation de Smaug (les elfes des bois, le thème de Thauriel, le thème de Lacville…) . Superbe zoom sur le thème qui illustre la romance naissante entre Fili et Thauriel, avec un mélange de voix chantées en nain et en elfique. Bien entendu, le travail d’Howard Shore est largement évoqué, avec des images d’archives du Seigneur des anneaux.  Car il y a une continuité évidente entre la musique des deux trilogies.

On peut aussi voir  la filiation entre la musique des nains, de la Moria à Erébor, de la façon dont le thème de Thorin se mêle à celui de Smaug dans le combat final 

Une partie importante est consacrée à l’enregistrement en Nouvelle Zélande avec la création d’un studio complet dans un auditorium de Auckland (où les Beatles ont chanté en 1964), Jackson n’ayant pas le temps de superviser la musique à Londres (une image « classique » d’ Abey Road où le réalisateur et son équipe traversent la route comme sur l’album culte du même nom). On peut aussi voir la façon dont est utilisé  l’orchestre, parfois de manière très surprenante. Ainsi, pour le thème de Smaug, un léger désacordage des instruments a permis de donner plus de « méchanceté » à la musique ou bien la façon dont le réalisateur a laissé de petites plages d’improvisation aux musiciens. On peut également voir  l’utilisation d’instruments indonésiens , donnant un côté ethnique à la musique. Mais le fait le plus important est que la musique unit les 6 films, afin qu’ils ne constituent que les 6 chapitres d’une même histoire. Cette méthode, déjà utilisée par John Williams et Georges Lucas permettait de lier les deux trilogies.

Les deux disques sont donc bourrés d’information et l’on sent que le making of a été pensé, réfléchi, organisé, que son budget était inclus dans la production. Jackson ne cache rien, met tous les métiers en lumières, des plus petites mains aux plus grands artistes de Weta. Il ne fait pas pour montrer combien il est génial, mais pour rendre hommage à toute une équipe, totalement dévouée aux films. Son investissement est d’ailleurs total et il est clair qu’il exige la même chose de tous ces collaborateurs. Cependant, on sent que l’ambiance est bonne, que le tournage se déroule dans la bonne humeur. Jackson a compris qu’une équipe soudée par l’amitié donnera toujours plus de résultats qu’une équipe soudée par la peur.

Un travail titanesque, au service du film, et dont 99% des éditions actuelles devraient s’inspirer.

J'arrive enfin au bout de cet énorme making of qui, mine de rien, s'est consacré quasi uniquement sur le tournage. Certes, on y a parlé d'extension 3D ou de créatures en image de synthèse, mais le gros de ces 5 heures, c'est ce qui se passe devant la caméra.

Les modules 9 et 10 sont axés sur la fameuse descente en tonneau, bien plus complexe dans le film que dans le livre. D’ailleurs on apprend que La communauté de l’anneau devait comporter une poursuite sur la rivière avec la communauté (moins Gandalf) attaquée depuis la rive par des Orcs. Comme le dit Jackson, il a juste suffit de reprendre les stoyboards. Ce qui est le plus fou est que les décors de cette scène furent montés, mais détruits par des intempéries. Cela rappelle un peu la séquence de wagonnets d’Indy 2 qui aurait du être dans Les aventuriers…

Le premier de ces modules s’intéresse au tournage en extérieur, dans le décor naturel magnifique d’une petite rivière. Tout serait idyllique sauf que à cette époque de l’année, l’eau y est glaciale. Et malgré toutes les précautions prises (tonneaux lestés, combinaisons isothermes…), il est clair que cette partie du tournage ne fut pas une partie de plaisir d’autant plus que les costumes se gonflent vite d’eau. Ainsi, Bombur pèsera jusqu’à 170 kg. Mais la beauté des images valait tous ces sacrifices. Et vu la bonne humeur sur le tournage, il aurait été dommage de tout faire en CGI.

Puis la suite du making of s’intéresse à la même séquence, mais en studio. Après avoir construit une espèce de piscine en circuit fermé, afin de bien contrôler le débit de l’eau, mais aussi la quantité à balancer sur les acteurs, Jackson conclut donc cette séquence qui aurait dû être le final du premier film. Comme toujours, la différence entre ceux qui a été filmé et le résultat à l’écran est incroyable. La production est certes énorme, les moyens colossaux, mais il faut une sacré dose de talent pour agencer tout cela. Et du talent, Peter Jackson en a à revendre.

Pour donner plus d’impact à la scène, on le voit aller filmer une vraie chute dans laquelle ont été balancés des tonneaux vides. Les effets visuels rajouteront plus tard les nains. 

Le module se conclut par le travail de Légolas lors de la fameuse poursuite : cascades sur fond vert, combat avec des ennemis invisibles (enfin, presque, disons plutôt des Orcs tout vert !!) et la fin du travail de la seconde équipe, avec un Andy Serkis tout ému de la chance qu’on lui a donnée.

Le module 11 s’intéresse au retour à Bree,suite à la décision de faire 3 films,de  modifier la structure de l’histoire et de rajouter une séquence d’introduction tirée des appendices du retour du roi, Pour ce faire, il fallu refaire les décors de Bree presqu’à l’identique que dans La communauté, Jackson reprit son fameux rôle de l’homme à la carotte et plaça sa famille dans les caméos, ainsi que celle de son scénariste. Mais alors que le Bree de la communauté était un puzzle de décor, ici, c’est un véritable pub, dans une petit dédale de rue , composé de maisons de Lacville redécorées, qui donne me à la rencontre entre Gandalf et Thorin. Comme toujours, le soucis du détail est permanent et les acteurs prennent un grand plaisir à cette scène très simple, mais qui donne énormément de détail sur l’histoire.

Une autre séquence non prévue au départ est au coeur du 12e mondule , celle avec les forges d’Erébor. On peut donc voir la construction de ces 20 minutes d’actions additionnelles avec un tournage à l’aveugle, des idées qui arrivent au fur et à mesure et la construction de la séquence pas à pas (Ainsi la statue qui fond fut imaginée par Alan Lee en quelques dessins) et  un travail dans des temps très courts. En fait, la décision de rajouter cette grosse scène, qui devait devenir le climax de La désolation fut prise en mai, pour une sortie en décembre ! Soit 6 mois ! Et ce qui devait être juste le tournage de plans additionnels se transforma en une course contre la montre à tous les niveaux. Il est intéressant de voir que Jackson tourna déjà des plans très génériques voire bateaux, puis les monta afin d’avoir plus d’idées. Cela lui permit de créer une véritable course poursuite mortel dans les labyrinthes d’Erebor. L'un des clous de ce module est de voir le réalisateur seul dans l'espace de capture Mocap jouer avec sa caméra en imaginant les mouvements de Smaug. Comme il le dit, cela lui rappelle sa période Super 8 (et nous permet de voir une image du tournage de Bad Taste)

Cela permet aussi d’avoir un gros zoom sur le son, avec un mixage en catastrophe, où 3 monteurs travaillent de concerts des heures durant afin de livrer à temps, soit quelques jours avant la sortie du film, la scène terminée. Le moment où le réalisateur a l’idée de couper la musique sur la phrase de Smaug « Je suis la mort » est immortalisé dans le making of. 

Ce module est absolument ahurissant : voir une production à 500 millions de dollars se permettre une telle improvisation a tout de même quelque chose de terrifiant. Et montre que la décision de faire 3 films ne fut pas que dictée par l’appât du gain et qu’elle compliqua terriblement la production du Hobbit.

Enfin, un tout petit module « …dans le feu » donne un aperçu très court de La bataille des 5 armées. On peut y voir quelques scènes de la destruction de Lacville ainsi que l’affrontement entre les nains, les hommes, les elfes et les orques. 4 minutes qui mettent vraiment l’eau à la bouche !

5 heures de très haute volée donc, qui devraient couvrir de honte tous ces éditeurs sans vergogne qui nous balancent des featurettes de 5 minutes sur des films énormes ! N’est-ce pas Disney ? Comparez donc les making of des films Marvel avant qu’ils ne passent dans le giron de la firme à la souris et ceux sortis dernièrement. Et craignez pour le making of du prochain Star Wars !! Vous n’aurez pas droit aux merveilleux reportages de Lucasfilm.

Jackson lui sait en donner au public et au cinéphile pour son argent. Sa passion est à l’écran dans ces reportages. Et rien que pour cela, on ne peut que le remercier.

La suite avec le deuxième Blu-ray de bonus !!!

Le premier disque de bonus annonce une durée de 5H00 et quelques ! Conséquent ! Passé une petite introduction, où Jackson explique la décision de passer de 2 à 3 films a « légèrement » compliqué la structure de l’histoire (cependant, on aurait aimé en savoir un peu plus sur cette décision. Peut être dans les commentaires ?), on se retrouve donc devant une douzaine de modules que l’on peut lire d’un coup ou un par un. C’est la dernière solution que j’ai adoptée.

La première partie de ces modules s’intéresse à Lacville et au tournage des scènes s’y déroulant. Ainsi le premier module présente la ville, son rôle étendue par rapport au roman puis la fameuse scène où les nains sont recouverts de vrais poissons (au grand dam de certains). On perçoit bien le curieux sens de l’humour de Peter Jackson qui prend un malin plaisir à humilier ses acteurs . Un long passage revient sur le combat de Légolas avec les Orcs dans Lacville. Savant mélange de décors prolongés par des écrans verts et d’image de synthèse de pointe (une motion capture étant faite sur acteur dont la taille correspond à celui du chef des Orcs) , ces scènes permettent de retrouver l’un des personnages les plus appréciés du seigneur des anneaux sous un angle un peu différent. Son style de combat est plus brutal. Vient ensuite la façon dont fut tournée la scène où Thorin s’adresse à la foule et au maire de Lacville, un tournage similaire à la scène à Cul de sac dans le premier film avec deux plateaux, l’un pour les humains et le décor, l’autre vert pour les nains, afin d’obtenir les bonne proportions. Technologiquement, cela reste incroyable. Enfin, le module s’attarde sur quelques caméos : Alan Lee et John Howe en musiciens, l’un des producteurs du premier film en espion du maire, des membres de l’équipe déguisés en femme (apparemment , il n’y avait pas assez de figurants féminins…) et même un deuxième apparition de Jackson, également espion. La scène fut coupée au montage et quand on la voit, on peut le comprendre.

Le deuxième module est exclusivement centré sur le maire de Lacville , interprété par Stephen Fry et son assistant , Ryan Gage un acteur totalement novice au cinéma et dont le bizutage a apparemment beaucoup aimé l’équipe. On retrouve dans le module, mais aussi dans le film, l’esprit potache de Jackson , celui dont il faisait preuve sur Bad Taste et Braindead (on a même droit à quelques images de ces deux films, nous faisant regretter que ces deux délires gores soient invisibles depuis des lustres). Ainsi  Gage se voit bombarder d’oeuf par une équipe hilare tandis que Fry doit ingurgiter pendant des heures de fausses testicules de boucs… 15 minutes qui montrent que même sur un film aussi énorme, la détente n’est pas absente !

On reste à Lacville avec toutes les scènes se déroulant dans la maison de Barde, interprété par Luke Evans. 20 minutes d’un déluge d’information : le double décor pour que la taille des nains s’intègre parfaitement au monde humain, le sauvetage de Kili par Thauriel, merveilleusement jouée par Evangeline Lily, le fait que les deux filles de Barde soient en réalité les deux filles d’un des nains , venues en Nouvelle Zélande voir papa et se retrouvant dans un film, les cascadeuses et la doublure d’Evangeline , la découverte de la flèche noire, les nains sortant des toilettes… Et malgré la débauche de moyens, l’impression toujours aussi étonnante que Jackson tourne un petit film. 

Car si l’on peut dire un premier mot de cette heure de making of, c’est bien le mot « famille ». L’équipe de tournage est comme une (très) grande famille où Papa Peter met tout le monde à l’aise , que cela soit les acteurs de premiers plans que les seconds rôles. On peut critiquer le Hobbit pour certains de ses excès mais par pour sa façon de faire les choses et de vouloir  bien les faire. Là où certains réalisateurs cherchent le chaos, la confrontation, le conflit, Jackson cherche à mettre tout le monde à l’aise. 

A l’arrivée, c’est sans doute la meilleure solution.

Après le monde des hommes , c’est au tour au royaume des elfes sylvestres d’être investi par l’équipe de tournage. On se doutait en voyant le film qu’il y avait de l’écran vert là dessous. Mais quand on voit le plateau de tournage, c’est encore plus net que l’on pensait. A part un trône et les nombreux costumes de Thranduil, il n’y a rien d’autres que du vert ! Ici, c’est bien Weta Digital qui montre son talent. Jackson se permet même d’improviser une scène, qui sera finalement coupée, sur la foi d’un dessin 3 minutes chrono d’Alan Lee. Il est amusant de voir que l’acteur qui joue Thranduil est plus jeune qu’Orlando Bloom , reprenant ici le rôle de Légolas, alors qu’il est censé être son père… Un bon module de 30 minutes donc, qui n’occulte pas l’humour comme ce passage où chaque nain doit hurler pendant quelques secondes avant la chute des tonneaux !

La suite quand je serai venu à bout au moins du premier disque !