Le pitch : en vacances à Cuba avec Letty, Dominic Toretto reçoit la visite d'une mystérieuse jeune femme qui va le pousser à trahir ses amis.

8e épisode d'une franchise entamée il y a 16 ans et dont la popularité ne faiblit pas, bien au contraire ! Si ce nouvel épisode ne possède pas le côté émouvant du 7e et où l'absence forcée de Paul Walker se fait cruellement ressentir (même si plusieurs lignes de dialogues prouvent que dans le monde du film, Bryan est toujours vivant), on peut dire que la réussite est une nouvelle fois au rendez vous.

La difficulté d'une franchise qui dure est de gérer la multiplication des personnages, d'autant plus que, depuis le numéro 5, FF s'est clairement orienté vers une série où une équipe agit, et non un seul héros. Et comme chaque épisode ajoute un voire plusieurs protagonistes, il convient de faire le "ménage" régulièrement. Cet opus ne déroge pas à la règle : Jason Statham et Kurt Russel reprennent donc du service tandis qu'un personnage "historique" va disparaître. Et nul doute que la méchante, interprétée par Charlize Theron reviendra dans le numéro 9.

Quid de l'histoire ? Si on ne s'arrête pas à  certaines invraisemblances (Dwayne Johnson en prison alors qu'il faisait son travail par exemple) qui, de toutes façons ne sont pas le propos, elle tient relativement bien la route, même si le script abat trop rapidement la carte du pourquoi de la trahison de Dom. En s'articulant autour de deux grosses séances d'action (sans oublier le prologue à Cuba où se déroule la traditionnelle course urbaine) , le script se déroule de manière certes linéaires mais efficace. En fait, le fil rouge de la trahison constitue surtout un prétexte pour montrer la redoutable technique de Dom, mais aussi sa façon à manipuler, lui aussi, son entourage.

Deux énormes séances d'action donc ! La première a lieu à New York et met en scène des centaines de véhicules dans une configuration inédite. Une idée brillante et jamais vue au cinéma, techniquement parfaite (difficile de faire la part des choses entre vraies cascades et véhicules 3D) où Charlize Theron prend le contrôle de toute voiture pouvant se connecter à un réseau. 

La deuxième a lieu dans la mer de Barrents, en Russie (même si les images ont été tournées en Islande) et met en scène une configuration totalement différente avec sous-marin, moto-neige, véhicules aussi divers qu'un tank, un Hummer ou une Lamborghini. Là aussi, le travail technique est ahurissant et plonge le spectateur directement au coeur de l'action.

Le réalisateur F.Gary Gray s'en sort avec les honneurs car même s'il a déjà dirigé des films d'actions (braquage à l'italienne notamment), il n'avait jamais travaillé sur une production aussi énorme (250 millions de budget). Malgré quelques plans très "frimes", mais collant tout à fait à l'aspect bigger than life de la saga, sa mise en scène se met au service de l'histoire et de la franchise. Après tout, les bases ayant été posées il y a des années, il serait présomptueux de vouloir tout changer.

Mais ce qui fait le succès de la franchise, ce n'est pas seulement les scènes d'action, mais aussi les personnages. Et la galerie est toujours aussi attachante, les interactions entre eux toujours aussi bonnes. L'humour étant bien présent, cette partie est tout aussi réussie que dans les autres films. Et puis, le charisme de chaque protagoniste, que cela soit Vin Diesel, Michelle Rodriguez ou The rock, reste intact. FF n'est pas qu'une franchise où l'on casse des voitures, c'est vraiment une famille et l'on comprend que les acteurs aient dévasté par la mort de Paul Walker !

Au final, sans révolutionner le genre ou la franchise, FF8 l'enrichit à nouveau et permet donc d'attendre un nouvel épisode prévu en 2019 ! Si vous avez envie de passer deux bonnes heures de détente, n'hésitez pas  : foncez !!

X-Men Apocalypse : 5000 ans avant notre ère, le premier mutant de l’histoire, En’Sabha Nur, se prépare à transférer son corps âgé dans celui d’un jeune homme. Mais ses opposants parviennent à empêcher cela et l’enterre sous sa pyramide.

1983  : Alors que l’existence des mutants est reconnue et que ceux-ci cherchent à s’intégrer dans la société, Apocalypse revient à la vie.

3e volet du reboot initié par X-Men First Class, 4e film « X » réalisé par Bryan Singer, X-Men Apocalypse n’a pas connu le succès escompté en Amérique du Nord, surtout après le triomphe de Days of future past. Pourtant, il ne démérite absolument pas vis à vis de ses aînés, continuant la saga de manière spectaculaire, introduisant de nouveaux personnages (ou en ré-inventant des anciens) et cherchant toujours à rendre le meilleur hommage au plus culte des Comics.

Alors que chez Marvel Comics, les séries tournant autour des Avengers cartonnent, celles tournant autour des X-Men ont connu un net fléchissement depuis une dizaine d’années . Le dernier grand crossover House of M date de 2006. Depuis, tous les autres crossover de Marvel font surtout intervenir les Avengers et Iron Man, même si les X-Men n’en sont pas absents. De plus, les droits des personnages X sont à la Fox, ce qui explique pourquoi Marvel délaisse quelque peu les adaptations cinématographiques. Pourtant, la Fox gère plutôt bien ce patrimoine comme on a pu le voir avec le récent Deadpool ou les 3 films tournant autour de Wolverine. Mais force est de reconnaître que les « trahisons » envers le Comics sont plus importantes avec les X-Men qu’avec les autres personnages restés dans le giron du MCU. Je vais y revenir.

Apocalypse a la qualité de ses défauts. Son côté très spectaculaire (et forcément couteux) entraîne une surenchère de scènes de destructions massives, mais on ne sent pas une implication émotionnelle énorme. Et c’est là que le bât blesse quelque peu. Engagée dans une course avec Marvel Studio et Disney, la Fox répond à chaque film par toujours plus de combats, de destructions, de personnages. Or, si les deux premiers films du reboot prenaient leur temps pour présenter les personnages et les situations, Apocalypse va très vite. Trop vite. Pourtant les scènes d’exposition étaient là, comme le montre tous les passages coupés sur le Blu-ray. Mais, comme le dit Bryan Singer, il fallait aller plus vite pour aborder le 2e et le 3e acte. D’où un sentiment frustrant d’assister à un résumé en accéléré tant que la thématique (Apocalypse voulant diriger un monde purgé des faibles) n’est pas en place.

Dans les moments où Singer a pris le temps, comme par exemple la nouvelle vie de Magnéto et les raisons qui le feront replonger dans la violence, on assiste à un métrage de la qualité de Days of Future past. Mais clairement, la réintroduction d’Angel ou de Tornade est trop rapide. Et si dans le Comics, Angel a effectivement été un des cavaliers, cela n’a jamais été le cas pour Tornade ou Psylocke. Et encore moins pour Magnéto qui, dans le fabuleux crossover L’âge d’Apocalypse prenait justement le relais de Xavier pour combattre En’sabah Nur !! Il est d’ailleurs dommage que le studio n’ait pas voulu exploiter cette direction - Le fils de Xavier remontait le temps pour tuer Magnéto, mais il tuait son père. Celui-ci ne formait donc jamais les X-Men et Apocalypse s’emparait de l’Amérique du Nord. Une partie des mutants (Cyclope, Havok, Le Fauve) se rangeait derrière lui, d’autres dirigés par Magnéto s’opposait frontalement . En fait , le scénario tente plutôt adroitement de relier tous les fils mis en place depuis 2000, tout en rajeunissant le casting (Cyclope, Phénix, Tornade). Ainsi la scène surprenante où apparait Logan est le parfait prologue du film de 2000. Mention très bien au retour de Moira Mc Taggert qui manquait quelque peu eu 2e film.

Mais au-delà de ses réflexions, et de ses trahisons, il faut bien avouer qu’on est face à un sacré bon film de super héros. La mise en place d’Apocalypse, son combat avec Xavier sur le plan psychique, la montée en puissance de Jean Grey (excellente Sophie Turner, la souffre douleur de la série Games of Throne) sont menés de main de maître par Singer. L’intégration de Mystique au sein de cette nouvelle équipe X peut aussi surprendre, mais là aussi, elle est logique vis à vis des épisodes 4 et 5 de la saga. 

Singer n’a pas sacrifié toute la psychologie de ses personnages au profit d’un spectacle destructeur et immédiat. Et même s’il n’est pas parfait, à aucun moment ce 6e épisode ne fait honte à la saga, bien au contraire. 

Bien sûr, ceux qui ont apprécié le second degré (quelque peu pénible) de Deadpool ne le retrouveront pas ici. Singer  a bien trop de respect pour ses personnages pour les transformer en comiques. De toutes façons, ce qui marche avec Deadpool, du fait du personnage, ne peut pas marcher avec les équipes X. La critique a pourtant reproché à Apocalypse de ne pas marcher sur les traces du hit surprise en matière super héros de 2016. Ce qui est ridicule. C’est au contraire tout à l’honneur de Singer d’être resté fidèles à ses idées. Sa mise en scène est toujours aussi élégante, son montage est toujours aussi lisible et le côté épique transparait de manière évidente dans le 3e acte.

Il fallait évidemment un acteur solide pour incarner Apocalypse. Oscar Isaac (qui a tiré le gros lot en incarnant Cameron Poe) est parfait, bien aidé par un excellent maquillage qui respecte bien le personnage et son fameux rictus. Le travail d'ailleurs sur l'aspect physique de chaque mutants est toujours aussi bon et on sent que l'équipe technique connait ses comics sur le bout des ongles !

Reste à savoir quel sera l’avenir des X-Men ! L’épilogue - désormais obligatoire - envisage évidemment une suite. Mais les studios étant ce qu’ils sont, ne regardant que les dollars encaissés, la Fox ne sera-t-elle pas tenté de faire l’impasse sur les X-Men et de se concentrer sur Deadpool, dont le 2e épisode pourtant introduire Cable et X-Force ?

Rappelons que le mauvais accueil critique du 3e épisode avait amené le reboot 5 ans plus tard. Rappelons aussi que les résultats mitigés de Amazing Spiderman 2 ont amené Sony à abandonner tous les films prévus (ASM 3, Sinister Six). Quand on sait qu’Apocalypse a coûté une fortune et que les résultats financiers n’ont pas été au rendez vous, on peut hélas craindre que le 7e épisode ne voit jamais le jour.

En l’attente, on peut donc savourer d’une traite les épisodes 4,5,6. Sans atteindre le sommet de Days of Future Past, Apocalypse reste, je le répète, un excellent film de super héros, un excellent film tout court.

Le pitch : au travers le lancement du Macintosh, du Next et de l'Imac, 3 moments clés de la vie du co-créateur d'Apple.

Ceux qui suivent mon blog depuis longtemps savent l'attachement que j'ai pour Apple et tous les produits de la marque ! J'écris d'ailleurs cet article sur un de Macbook tout en surveillant mes messages sur mon iPhone.

Connaissant bien la vie de Steve Jobs (j'ai lu ses différentes  autobiographies plusieurs fois, donc celle, excellente de Daniel Ichbiah (Les 4 vies de S.Jobs)), j'attendais donc avec impatience ce que Danny Boyle allait en faire.

Surprise !! Plutôt que de le faire dans le biopic "classique", avec quelques flashbacks pour donner plus de corps, le réalisateur de Transpotting et Slum Dog Millonnaire a décidé de partir dans une direction totalement inverse en axant son film sur 3 moments qu'il considère clé chez le génie de l'informatique.

Et pour bien distinguer les 3 parties, il choisit de les traiter avec 3 cartes graphiques, si j'ose dire, différente ! Un gros grain de pellicule pour le lancement du Mac en 84, des couleurs plus chaudes en 88 pour le NEXT et un traitement "actuel pour le lancement de l'Imac. Mais un fil rouge : les rapports entre Steve et sa fille Lisa !

Franchement, cette approche est magnifique, car elle permet de dérouler les moments les plus importants de la vie de Jobs (la création de l'Apple 1 dans le garage, son adoption, la rencontre avec Sculey, sa mise à l'écart d'Apple...) tout en ne laissant pas dans l'ombre son caractère impossible, ses contradictions, sa dureté envers ceux qui lui étaient dévoués corps et âme. A ce niveau, Kate Winslet, qui interprète Joanna Hoffman, sa fidèle directrice du marketing, et qui retrouve sans aucun doute l'un de ses plus beaux rôles (son plus beau ?) depuis Rose de Titanic, en donne toutes les nuances ! Malmenée, humiliée parfois, elle ne cherche qu'à aider son boss ! Mais c'est justement sa force de caractère (elle est au minimum aussi tenace que lui) qui lui permet de tenir le coup et même d'être la seule à oser s'opposer frontalement à lui, que cela soit sur les sujets informatiques et sur sa fille, qu'il refuse de reconnaître !!

Car oui, Jobs était un type imbuvable, orgueilleux, persuadé d'avoir toujours raison et refusant de donner les remerciements à ceux à qui il était redevable (les duels verbaux avec Steve Wozniak sont merveilleux). Oui, mais pas tout le temps.

Car Jobs était aussi la personne qui pouvait donner son amitié sans aucune retenue, qui, malgré son déni, mettra sa famille "cachée" à l'abri du besoin, qui poussait ses équipes dans leurs derniers retranchements et exigeait l'impossible car il savait que c'était possible. Tout ceci transparaît également dans le film. 

On passe d'un Jobs colérique à un Jobs ayant gardé le dessin de sa fille pendant des années, d'un Jobs d'une mauvaise foi effroyable à un Jobs qui propose au président de Pepsi de changer le monde, un Jobs manipulateur à un Jobs qui rebondit encore et toujours, qui obtient toujours ce qu'il veut, même quand c'est futile (éteindre les panneaux Sortie de secours) !! Et pour cela, il fallait un acteur d'exception : Michael Fassenber est cet acteur ! Il retransmet à merveille le personnage privé que le monde ignorait s'il ne s'intéressait pas au co-fondateur d'Apple, avec ses failles, ses certitudes, ses erreurs, ses mensonges, ses vérités, sa confiance aveugle, ses exigences, ses doutes... Bref, Fassenber est Steve Jobs !

Le reste du casting est au diapason, outre Kate Winslet, déjà citée, Jeff Daniels retrouve aussi un rôle digne de lui et campe un Sculley tour à tour admiratif puis très critique vis à vis du fondateur d'Apple, Seth Rogers est parfait en alter-égo geek de Jobs et les 3 actrices qui se succèdent pour interpréter Lisa lui rendent totalement justice.

Alors, un film sans défaut ? une biopic parfaite ? J'ose penser que oui car le script ne juge jamais Jobs mais offre son personnage entier au public et car Boyle ne se met jamais en avant par rapport à son sujet !

En fait, il filme surtout des joutes verbales, entre Jobs et sa la mère de Lisa, Chrisann Brenann , entre Jobs et Sculley, entre Jobs et Wozniak, entre Jobs et Joanna... Mais chaque affrontement est filmé différemment et on ne sais jamais qui en sortira vainqueur ! Il est évident que raconter la vie de Jobs de A à Z n'intéresse pas Danny Boyle. Ce qui l'intéresse, ce sont les moments vraiment importants ! Bien sûr, il en manque des tas comme l'explosion de l'Apple II, le lancement de l'ipod (qui redéfinira la stratégie d'Apple de manière radicale), son mariage, sa maladie,  le rachat de Pixar... Tous ces pans sont absents du film, mais de toutes façons, pour raconter une telle vie, c'est une trilogie qu'il faudrait au minimum !

L'échec public du film (34 millions de recettes internationales pour un budget de 30) ne change rien ! Peut être que les gens voulaient qu'on leur raconter une histoire simple de pouvoir et de succès, pas qu'on leur raconte l'histoire d'un homme qui mettra 15 ans pour avouer à sa fille qu'il l'aime. Mais qu'importe !! Steve Jobs est un chef d'oeuvre, un film à l'image de son modèle : complexe, contradictoire et malgré tout attachant !

Que vous soyez un fan absolu d'Apple ou que vous détestiez la marque, vous ne regarderez plus les gens qui ont changé le monde de la même manière !!

Le pitch : alors que l'Empire a étendu sa main de fer sur la galaxie, un petit groupe de rebelles cherche à récupérer les plans de son arme absolue.

(Attention : cette chronique contient quelques spoliers)

Décidément, Disney sait y faire avec les franchises. Après avoir revitalisé le Marvel Cinematic Universe, la relance de la franchise Star Wars est une vraie réussite. Si Le réveil de la force comportait quelques défauts (le principal étant son copier/coller trop évident de l'épisode IV), rien à dire - ou presque - sur Rogue One, premier segment d'un série promise sans aucun doute à un grand avenir, les A Star Wars Story !!

Evacuons donc tout de suite le principal souci du film : si on excepte l'absence scandaleuse de déroulant au début, Rogue One met un peu trop de temps à démarrer et certaines pistes sont trop vite abandonnées ou dévoilées. De ce fait, quelques personnages, dont celui de Forrest Whitaker manque de relief. Ou alors, certains actes apparaissent comme purement gratuits : pourquoi diable Diego Luna abat-il l'informateur qui lance l'histoire , par exemple ? 

Du coup, pendant une bonne heure, malgré la joie de revoir des endroits cultes (Yavin IV) ou des personnages secondaires comme Mom Motha, la vraie leader de la rébellion (ce qui m'avait choqué la première fois que j'avais vu Le retour du Jedi ! Pour moi, la chef , c'était Leïa , point barre !), on a un peu peur que la montagne accouche d'une souris. Heureusement, le script n'hésite pas à s'engager sur des voies inédites. Ainsi, le quadrillage de Jetha par l'armée impériale évoque furieusement ces bandes d'archives sur l'occupation de l'Europe par les nazis. La première utilisation de L'étoile de la mort évoque clairement la destruction de Palmyre par Daesh, car là aussi, il faut éradiquer une oeuvre historique, les Sith désirant effacer tout  souvenir de l'ordre Jedi....

Et puis, on refusant d'introduire des personnages manichéens, Rogue One permet à tout un nouvel environnement de se bâtir petit à petit sous nos yeux !

La force (!!) de cette longue introduction est en fait sa faiblesse : le film s'adresse aux fans (à la différence du Réveil de la force qui se devait de convaincre y compris les néophytes) et il est évident que tout le monde ne peut pas s'y retrouver. Mais c'est justement parce que le film a pris son temps que son dernier acte à savoir la fameuse opération sur Scarif, évoquée dans le déroulant d'un nouvel espoir (la victoire rebelle, le vol des plans) en devient incroyablement impressionnante !

Tout comme dans La menace fantôme où un seul plan permettait au film de basculer d'une honnête introduction à un métrage indispensable (le moment où Qui Gon Jin coupe la chique de JAr JAr dans la maison d'Anakin), l'exécution du père de Jyn lance Rogue One sur une voie qu'il ne quittera plus jamais jusqu'à cet incroyable double plan final : Vador, sabre à la main regardant le vaisseau de Leïa s'enfuir et la princesse récupérant les plans de l'étoile de la mort !

On comprend alors qu'il fallait poser tous les jalons, tous les enjeux, que l'on s'attache aux personnages et qu'on voit bien que Rogue One est plus qu'un épisode 3.5, mais bien un prologue à Un nouvel espoir.

Dès lors, tout s'enchaîne : les visions dantesques des Quadripodes, le massacre du commando rebelles, le sacrifice des différents personnages, la victoire de la flotte rebelle au-dessus de la planète (le plan incroyable du Star Destroyer tombant sur le bouclier d'énergie, qui rappelle celui où le vaisseau de Vador percutait l'Etoile de la mort dans Le retour du Jedi), la lutte pour récupérer les plans, l'arrivée du seigneur Sith... Un dernier acte totalement réussi, sans aucun temps morts, sans aucun plan superflu ou clownesque !!

On a parlé des reshoots durant cet été et les bandes annonces montrent bien que le destin de certains personnages était différent. Mais c'est justement cette tonalité sombre qui fait la puissance du film. Renouant avec les moments les plus noirs de La revanche des Sith, quand la chute d'Anakin devient inéluctable, Rogue One ne s'embarrasse pas de plaire aux plus grands nombres. Gareth Edwards a totalement réussi son incursion dans l'univers Star Wars et a su utiliser aux mieux Felicity Jones. Sa seule concession "Fan" sera l'apparition de C3PO et R2D2 au détour d'un plan très bref et la mention d'Obi Wan au détour d'un dialogue !

Alors, évidemment, les détracteurs de la saga ne manqueront pas de déceler des incohérences (notamment le temps de construction de l'arme, pourtant bien avancée à la fin de La revanche des Sith) ou que les quelques plans de Peter Crushing font un peu trop 3D, mais qu'importe ! Rogue One est une vraie pierre à l'édifice Star Wars et non une tentative de piquer encore un peu de blé dans les poches des fans !

A l'heure où nos regards se tournent vers l'épisode VIII, faire un film Star Wars sans Jedi, sans Luke ou l'Empereur était sacrément gonflé ! La réussite n'en est que plus éclatante  et si chaque A Star Wars Story est de cet acabit, alors on pourra vraiment patienter entre chaque épisode de la nouvelle trilogie !

Le pitch : 1979. Philippe Cousteau se tue aux commandes de son hydravion. 30 ans plus tôt, avec son frère et ses parents, il découvre sa nouvelle maison au bord de la Méditerranée. Personne ne le sait encore, mais ce sera le début d'une aventure extraordinaire.

Ouvrir le film avec le drame le plus épouvantable qui toucha Cousteau était sans doute la meilleure façon de rendre hommage à cette famille qui a marqué de son empreinte le XXe siècle. Car Jérome Salle a refusé de faire une hagiographie ou un saccage en règle de Captain Planet, mais au contraire a pris le risque (énorme) de le montrer dans toutes ses facettes et ne pas oublier qu'autour de lui gravitaient deux fils et une épouse.

Le cinéma français manque singulièrement d'ambition depuis des années. Or, 2016 offre au public deux puissants biopics. Si Chocolat a su trouver une audience assez importante pour un personnage méconnu, il est franchement dommage que L'odyssée ait été une déception lors de son démarrage alors que son sujet est sans aucun doute l'un des Français les plus connus dans le monde. Comme si on avait voulu punir le commandant des ses errances et que, réflexe bien tricolore, tout le bien qu'il ait pu faire soit noyé dans ses erreurs.

D'un point de vue cinématographique, Jerome Salle a réussi une alchimie parfaite entre acteurs habités par leur rôle (Lambert Wilson, prodigieux ! Audrey Tautou parfaite ! Pierre Niney, magistral) , photographie somptueuse, dialogues ciselés et scénario totalement à la hauteur de la stature de son sujet. 

Techniquement, le film est plus qu'abouti et jamais il ne sombre dans l'approximation. Les scènes en Antarctique comptent sans nul doute parmi les plus belles, mais tout ce qui fait le sel d'une vie "bigger than life" est là, que cela soit dans la reconstitution de la Calypso, des hangars de Marseille ou de la tentation américaine, Jerome Salle ne rate aucun de ses rendez vous avec Cousteau et met sur le même pied d'égalité les petits moments intimes (les disputes avec Simone et Philippe, mais aussi et surtout, les moments de complicité entre toute la famille) avec les grandes envolées lyriques du commandant devant les médias.

On a critiqué la performance d'Audrey. Mais comment interpréter une femme qui a tout donné pour son mari et qui a été trompée, délaissée, qui aura passé sa vie sur un bateau et qui a vu son fils mourir ? Les rares confidences que nous avons sur Simone (relire Capitaine de la Calypso d'Albert Falco ou Mon père le commandant de JM Cousteau) montrent que la "Bergère" détestait les caméras (elle doit apparaitre dans 2 ou 3 scènes sur la centaine de film qu'ont tournés les Cousteau) et avait son franc parler. Seule femme parmi une bande d'homme, elle était l'âme de la Calypso. Et pour cela, elle avait forcément un caractère fort. Et comme le réalisateur a décidé de mettre sur le même pied d'égalité tous les membres de la famille durant cette période (un film se déroulant entre 80 et 97 aurait été fort différent), il est logique de montrer une Simone déterminée, râleuse et qui, malgré toutes les trahisons de son mari, lui restera fidèle jusqu'au bout.

L'aspect le plus intéressant est bien évidement l'affrontement entre Cousteau et son fils préféré. Cet aspect de l'histoire, peu connu, est au coeur du film. Ce thème universel, où se même jalousie, admiration et désir de montrer à l'autre qu'on  existe, permet les scènes les plus fortes du film, que les disputes soient brutales (la scène avec les otaries) ou feutrées (la discussion dans le bar). Et quand, enfin, père et fils se retrouvent en Antarctique et que JYC comprend l'idéal de son fils ("Je voulais conquérir l'océan alors qu'il fallait le protéger"), L'odyssée atteint un sommet que peu de film atteignent !

Ce qui est extraordinaire dans le travail de Jérome Salle est qu'il ne cherche pas à cacher les défauts de chacun (Philippe aussi en prend pour son grade, notamment dans la scène où, au mépris de toute prudence, il veut absolument filmer les requins) , mais qu'il ne cherche pas non plus à les amplifier. Il aime cette famille et leur pardonne leurs errances. Il réussit incroyablement bien à les cerner, avec une tendresse et une volonté de montrer qu'ils étaient des gens comme vous et moi, juste avec ce petit soupçon de rêve supplémentaire.

5 étoiles pour ce qui est sans aucun doute le meilleur film français de cette année et l'un des meilleurs films tout court, c'est amplement mérité. Car en refusant les compromis (l'article de Première montre bien à quel point la gestion du projet fut complexe car il était hors de question de faire un travail au rabais), Jérome Salle s'est donné les moyens d'aller au delà du biopic. Le choix de la période 49-79 et plus particulièrement celle où les fils tentent de s'affranchir de la tutelle de leur père, pour finalement revenir l'épauler, comme si les liens du sang étaient plus forts que tout, est brillant. Bien sûr, l'admirateur de JYC que je suis aurait aimé un film plus long, un regard sur les années 80, sur les expéditions géantes en Amazonie, sur la ratification du traité de l'Antarctique, mais puisque l'Odyssée raconte en fait les rapports entre un homme et son fils, et qu'il s'agit autant du biopic de Philippe que celui du commandant, la logique l'emporte.

En attendant, on ne peut que remercier Jérome Salle d'avoir offert au public un film aussi magistral. Que celui ci le boude quelque peu est bien dommage, mais au final, on sait dès les premières images que L'Odyssée restera dans les mémoires bien plus longtemps que d'autres films ayant eu plus de succès que lui !