Le pitch : A la Nouvelle Orléans, de riches personnages à la recherche de sensations fortes s'adonnent à traquer des SDF dans des chasses organisées par un certain Emil Fouchon.

Premier film américain de John Woo, Chasse à l'homme a récemment été réédité en Blu-Ray. L'occasion idéale de vous parler de ce film quelque peu mal aimé du grand réalisateur de Hong Kong, surtout qu'il est présenté ici dans sa version longue et non censurée.

Conçu comme un véhicule pour Jean Claude Vandamme, Chasse à l'homme (Hard Target en VO) reste, 28 ans après sa sortie, un bon film de la star belge. Car si Woo a clairement été bridé (sans jeu de mots) dans sa mise en scène - Rappelons que son dernier film à HK fut A toute épreuve, chef d'oeuvre absolu du film d'action - et qu'il doit mettre en avant son acteur, il le fait sans trop laisser sa patte dans la jungle des studios US.

Alors, bien évidemment, le scénario n'est pas franchement fou fou et les dialogues sonnent parfois très clichés. Mais qu'importe car le propos n'est pas là. Woo et Vandamme proposent un métrage qui file à 100 à l'heure, truffé de scènes d'action bien frappadingue - ah Vandamme en équilibre sur une moto ou Vandamme massacrant du vilain dans un entrepôt de personnages de carnaval en papier mâché - et qui ne lésine pas sur l'hémoglobine, les morts brutales et le cynisme des méchants.

En divisant le film en deux parties et en inversant les rôles dans la 2e partie, Vandamme devenant le chasseur , Woo permet de découvrir les différents personnages, notamment le duo qui organise les chasses, et de construire une relation plutôt intéressante entre le héros et la jeune femme à la recherche de son frère avant de basculer dans le tout action sans complexe.

Usant de ralentis, de gros plans sur les visages , de colombes et de tous ses "tics" de mise en scène, Woo ne fera pas changer d'avis ses détracteurs, mais , même si ce film est aseptisé par rapport à sa période de Hong Kong, il est faux de dire qu'on lui a totalement rogné les ailes. Bien sûr, tout comme Broken Arrow qui ne sera pas non plus un Woo pur jus - pour cela, il faudra attendre Volte Face - , Chasse à l'homme est clairement une gamme, un exercice d'entrainement, un gage donné au studio avant de partir vers le cinéma plus ambitieux qu'il aime. En fait, il lui fallait clairement passer par là, les studios US n'étant pas si accueillants pour les réalisateurs étrangers. Que cela soit Veroheven, Weir ou un franchie comme Louis Letterier, il faut toujours faire ses preuves avant de revenir à un cinéma plus personnel.

En s'alliant avec Jean Claude Vandamme, John Woo s'est ipso facto compliqué la tâche car on sait la star plutôt capricieuse. Comme il sait bien filmer  les arts martiaux également, il permet à Chasse à l'homme d'aligner pas mal de scènes de combats à "pieds" nus. On sent là des concessions à JCVD, mais vu que c'est superbement filmé, ça passe. Et puis, personnellement, je trouve que Vandamme s'en sort plutôt bien , même en VF,  Bien sur, les petites pointes d'humour rappellent qu'on est bien dans les années 80, quand les acteurs d'action cherchaient à sortir du cliché machiste et les phrases de Chance font mouche le plus souvent.

Le plus intéressant dans Chasse à l'homme réside , comme souvent, dans son duo de méchants. Lance Henriksen et Arnold Vosloo (qui avait encore quelques cheveux) composent une belle paire de salopards, cyniques et violents, n'hésitant à commettre leurs crimes au grand jour et nettoyant tout derrière eux. Ce sont eux qui portent finalement l'histoire et la font avancer, eux qui organisent les chasses, eux qui matent les "récalcitrants" et eux qui, au final, seront confrontés tour à tour à Chance Goudrau ! Il est intéressant de voir que, très calme tant que les choses se déroulent comme prévues, Henriksen va se transformer en une véritable boule  de haine quand elles vont déraper, ce qui va l'amener à commettre l'erreur de sous-estimer le gibier.

Enfin, notons que le seul personnage féminin du film, incarnée par Yancy Butler - je passe sur la policière qui se fait rapidement dézinguée par le gang de Fouchon - va mettre également la main à la pâte et n'est pas la potiche que l'on pouvait craindre au début du film, quand elle recherche son frère et que Vandamme la sauve d'une poignée de voyous. Natasha aura même son heure de gloire quand elle abattra l'un des membres du gang d'une bonne trentaine de balles dans le buffet.

La dernière partie du film ne s'embarrasse plus de scénario, Vandamme éliminant les malfrats un par un, dans un déluge de plomb et de feu. On retrouve là, toute proportion gardée, la scène finale dans l'hôpital de A toute épreuve où des chargeurs inépuisables truffaient des corps uniquement destinés à tressauter sur les balles. L'impact du son est également un facteur essentiel de ces scènes, décuplant cette sensation de violence.

Série B à défaut d'être un grand film, Chasse à l'homme fut donc le parfait véhicule pour Woo aux USA. La version longue donne un aspect plus "classique" à ce que le maestro tournait à Hong Kong et redonne pas mal de lustre à un métrage qui mérite vraiment d'être redécouvert. Ca tombe bien : cette édition Blu-ray est superbe, l'image est très belle, que l'on soit dans les rues de la Nouvelle Orléans ou dans le bayou et les suppléments permettent de redécouvrir également les coulisses de cette première incursion de John Woo sur la "terre promise" du cinéma.

Le pitch : un policier trouillard et se laissant piétiner par tout le monde devient un casse cou n'ayant peur de rien en apprenant qu'il n'a plus que 30 jours à vivre.

Amateurs de poésie et de finesse , passez votre chemin. Si vous n'avez pas aimé Baby Sitting, Alibi.com ou Epouse moi mon pote, il n'y a que peu de chance que vous appréciez 30 jours Max tant la nouvelle réalisateur de Tarek Boudali joue exactement sur les mêmes registres, à savoir des situations délirantes et culottées, des dialogues qui ne reculent devant rien, surtout pas la grivoiserie et des acteurs dont le seul but est de faire rire, quitte à choquer. Bref, c'est très infantile, aussi léger qu'une choucroute suivi d'une tartiflette, mais vu que quasiment tout le temps, on se tord de rire, finalement, tout passe.

Evidemment, le scénario se permet quelques raccourcis bien pratiques  , des accélérations trop abruptes (d'un coup d'un seul, Rayane va changer radicalement d'attitude)et  quelques baisses de tension, notamment dans le dernier tiers du film. Mais, les interventions comiques du reste de la bande permettent justement de ne pas se focaliser uniquement sur le personnage principal. Ainsi, voir Philippe Lacheau - attention spoiler - se retrouver avec des seins est franchement irrésistibles.

Si on devine assez rapidement quelle direction va prendre l'histoire, force est de dire que celle ci est bien troussée et bien menée, qu'elle rebondit régulièrement et quelle offre un quota d'action non négligeable.

Et à ce propos, on ne peut que louer l'investissement de Tarek Bouladi qui a tenu à réaliser  toutes ses cascades - voir le making of du Blu-ray - et s'est investi bien au delà de ce que les acteurs français font habituellement. Toute proportion gardée, il y a du Belmondo en lui. Alors bien sûr, on n'est pas au niveau d'un Tom Cruise en ce qui concerne l'échelle des cascades, mais elles sont suffisamment variées pour que l'acteur/réalisateur s'éclate et se donne à fond. 

Il est clair qu'il se fait plaisir sur ce coup, dilapidant l'argent de la production pour la bonne cause  ! La notion de plaisir est de toutes façons liée au film de la cette nouvelle bande de comique : ils font ce qu'ils veulent, quitter à aller dans le (très) mauvais goût du moment que cela fait rire.

Autre constance des films de la bande à Fifi, c'est l'emploi de vieilles gloires du comique. Ici, c'est Anne Marie Chazel qui prend le relais de Jugnot, Clavier ou Didier Bourbon. Et le moins que l'on puisse dire est qu'elle a du bien se marrer aussi , notamment avec les dialogues de ses "vidéos" qui doivent la rendre célèbre. Un petit exemple "Les filles , il faut bien vous épiler la " et hop, l'image d'une chatte qui miaule. C'est bête, mais c'est drôle.

A noter aussi l'apparition surprise de Hugo Lloris dans son propre rôle. C'est court, fugace mais cela montre que la bande à Fifi commence également à devenir un "must".

Gags en cascades, dialogues salés, situations bien débiles, politiquement incorrect à tous les étages - même les enfants s'en prennent plein la figure - les amateurs trouveront ici ce qu'ils sont venus chercher. En clair, si vous êtes hermétique  à ce genre d'humour, inutile de tenter le film : ce sera encore plus désolant que ce que vous craignez.

Mais si, comme moi, vous vous tapez sur les cuisses en regardant des andouilles faire les imbéciles, alors , tout comme 1,4 million de gens qui l'ont vu en salle, vous allez vraiment rigoler !! Et c'est bien ce que l'on demande à une comédie. 

Côté technique, le Blu-ray est parfait, très propre et avec quelques effets sonores bien répartis. Dommage que le making of n'aborde que les cascades et non pas la mécanique du rire de cette histoire. 

Bref, si vous avez aimez les autres films cités en introduction, foncez !

Le pitch : Alors que la chance de sa vie s'offre à Joe Gardner, un professeur de musique, un stupide accident l'envoie directement dans l'au delà où il va rencontrer une âme, 22, qui refuse d'aller sur Terre.

Après Mulan, qui devait être le film Disney phare de l'été, c'est donc celui de Noël qui arrive directement sur Disney +. Un nouveau coup dur pour les salles, mais une nécessité pour le studio qui ne peut risquer de voir le dernier Pixar faire des recettes ridicules comme celles de En avant, sorti au moment du déclenchement du confinement mondial.

On ne le dira jamais assez mais la crise Covid va fortement modifier l'industrie du cinéma. Les salles vont devoir se ré-inventer - certaines vont proposer des sortes de loges pour que l'on ait plus une impression de "home cinéma" , d'autres misent sur une immersion plus profonde avec des fauteuils qui bougent en fonction de l'action - mais les chaines de streaming seront sans doute les grandes gagnantes.

Soul est donc visible en France sur Disney +, si on a bien sûr une bonne connexion Internet. Ce qui n'est pas mon cas et ce qui m'a obligé à relancer ma Livebox pour suivre le film sur deux soirée. On espère que Souls sortira en Blu-ray plus tard dans l'année car il le mérite.

Réalisé par Pete Docter (Vice et Versa, Monstres et cie), Souls est un nouveau petit bijou du studio Pixar. Déjà, ce n'est pas une suite , même si de l'aveu même du patron du studio, elles sont indispensables pour engranger les recettes qui permettent justement les histoires originales. 

Ensuite, même si Soul emprunte toutes les recettes du Buddy Movie (deux personnages que tout oppose vont devoir faire front commun pour affronter leur destin), les protagonistes de l'histoire sont suffisamment forts et bien écrits pour que cet aspect qui aurait pu donner du déjà vu passe au second plan.

Enfin, l'amour de la musique jazz permet à l'histoire de se focaliser sur ce qui fait l'âme de quelqu'un, ses passions, ses désirs, ses souhaits, ses envies. Et quelque soit son parcours, c'est bien ce que l'on fait de sa vie qui est important nous dit le film.

Techniquement, on est dans du pur Pixar à savoir irréprochable. Mieux, les artistes se permettent même une représentation de l'au delà mêlant des personnages tout simples (une simple ligne brisée) à des environnements plus "réalistes". Pour ce qui est de la reconstitution de New York, là aussi, on touche au sublime. Il est loin le temps où les machines et les logiciels ne permettaient pas un tel photo réalisme. 

Ce qui fait le sel d'une production Pixar, c'est encore et toujours son histoire. Même dans ses suites les plus opportunistes, le studio met toujours un point d'accueil à offrir des scripts solides. Ici l'inversion de point de vue des deux personnages, rendus possible par une très classique astuce de scénario,  relance non seulement l'histoire mais permet surtout d'explorer les sentiments de chacun. 

Ainsi Gardner et 22 vont devoir vivre avec les yeux de l'autre. Enfin, c'est surtout 22 qui va le devoir , Gardner se "contentant" de le guider dans sa nouvelle vie, ce qui nous donne des scènes cocasses ou tendres. Mais en aidant 22 à s'adapter, Gardner va finalement trouver les ressources pour faire le ménage dans sa vie, retrouver l'affection des siens, comprendre ce qui est vraiment important et que, finalement, le but suprême qu'il s'était fixé, n'est pas forcément  un aboutissement.

En dire plus serait criminel, mais sachez que Soul explore comme jamais ce qui fait le sel de l'humanité.

Si certains ont dit que le happy end est quelque peu forcé - apparemment, ce n'était pas le premier choix du scénario, force est de reconnaitre, une fois de plus chez Pixar, l'implacable marche de l'histoire et la logique qui va en découler. Rien n'est laissé au hasard , chaque détail entrevu dans le premier acte aura son importance dans le dernier et si au final, l'au-delà redonne sa chance à Gardner, c'est bien pour qu'il puisse faire de sa vie autre chose qu'une sorte de course au challenge. 

En ces temps où les faux semblants, le manque de responsabilité et la tricherie sont rois, ce n'est pas là sa moindre qualité.

Le pitch : En manque d'argent, un videur de boîte de nuit italo-américain accepte de véhiculer un pianiste noir qui doit partir en tournée dans le sud des Etats-Unis.

Venant de la part d'un des frères Farrely (Mary à tout prix, Fous d'Irène et autres comédies pas vraiment fines), la surprise devant la vision de Green Book n'en est que totale. Car ce road movie situé dans les années 60, à une époque où la ségrégation raciale était toujours de vigueur dans une grande partie des USA est à la fois pudique, réaliste et empreint d'une grande rigueur historique, ne cherchant jamais à nier une situation que l'on espère disparue à jamais.

Se basant sur le principe du Buddy movie, avec ces deux personnages que tout oppose , Tony le vigile brut de décoffrage et Dr Shirley, artiste raffiné et instruit, Green Book va donc faire monter en puissance le respect mutuel puis l'amitié qui va s'installer entre les deux hommes.

 Petit à petit, chacun va chercher à comprendre l'autre, à se rendre compte qu'il est aussi victime de préjugés et que les apparences sont parfois trompeuses. Dr Shirley a beau être riche et célèbre, il est seul et sa notoriété ne le protège pas des humiliations subies dans le sud des USA : interdiction de manger dans un restaurant réservé aux blancs, obligation d'aller dans des toilettes pour noir situées dans un jardin, obligation de dormir dans des hôtels pour les "colorés". Tony, lui, malgré sa situation précaire, peut compter sur ses amis, sa famille.

Chacun des deux hommes devra faire un pas vers l'autre,  et l'aider à découvrir d'autres facettes de la vie. Shirley apprendra à Tony à écrire de vraies lettres à sa femme et Tony fera découvrir le KFC à Shirley. De petites choses certes, mais au final, ce sont elles qui cimenteront leur amitié.

Victime de préjugés épouvantables, Shirley  devra compter sur l'aide de Tony pour le sortir de plusieurs situations délicates. Il le fera sans arrière pensée et sans se poser de questions, bien conscients que son statut de "blanc"  lui permet d'éviter ce genre de problèmes. Et quand ce sera à Shirley de rendre la pareille, son honnêteté et son sens du devoir lui feront honte d'être obligé de faire appel à de puissants soutiens. D'ailleurs à ce moment du film, le point de bascule entre les deux hommes est sur le point de se rompre et c'est finalement le fait que Shirley ouvre - enfin - son coeur à Tony et lui explique sa solitude que ce dernier va comprendre celui qui va devenir plus qu'un simple patron.

Filmé de manière très simple, Green Book n'en est pas moins un film au rabais. La reconstitution des années 60 que cela soit les maisons bourgeoises du sud des USA, les salles de concert où se produit Shirley, les rues de New York - du Bronx en particulier - donne un incontestable cachet au film. Tout un monde disparu qui revit sous nous yeux et qui , pourtant , n'est vieux que d'une soixantaine d'année. 

Enfin, pour obtenir une telle réussite, il fallait deux grands acteurs. Farrelly les a trouvé en la personne de Virgo Mortensen, quelque peu empâté certes mais toujours aussi charismatique, et Mahershala Ali (on avait pu le voir dans Les figures de l'ombre, autre superbe film se déroulant dans des années 60 ségrégationnistes ou Alita), parfait dans ce rôle d'artiste hautain mais cachant une réelle fragilité. L'alchimie fonctionne dès leur première scène, et dynamise le film, se servant des joutes verbales - qui ont souvent lieu dans la voiture - pour faire avancer l'histoire. 

Si on peut quelque peu déplorer que l'aspect musical passe au second plan, une scène magistrale rappelle que nous sommes sur un récit biographique : à un moment du film, Dr Shirley va investir le piano d'un bar réservé aux noirs, alors qu'il vient de refuser un concert dans un hôtel pour blanc et montrer les deux facettes de son talent  : le pianiste classique prodige et celui qui va donner une puissance folle au rythm'n'blues de l'orchestre local. A ce moment, Shirley a basculé dans le monde de Tony et surtout il s'est mis au diapason de ses frères.

Green Book a donc parfaitement mérité son succès mondial (325 millions de dollars de recette dont 85 aux USA) de par son message positif et de par cette grande direction d'acteur.

Disponible en Blu-ray - c'est sur ce support que j'ai pu le voir - Green Book n'est pas qu'un film sur la ségrégation , la musique ou les rapports entre blancs et noirs, c'est surtout un grand film, porté par deux grands acteurs. Chapeau bas, messieurs !!

Le pitch : Alors qu'il tente de finir  sa vie tranquillement dans le ranch qui l'a vu naître, John Rambo doit partir à la rescousse de celle qu'il considère comme sa fille, enlevée au Mexique.

Plus de 10 ans après le dernier épisode, qui se déroulait en Asie du sud est, Stallone retrouve donc l'autre personnage qui l'a rendu célèbre et le moins que l'on puisse dire, c'est que ces retrouvailles sont réussies !

Prenant en compte, l'âge de l'acteur (et donc du personnage), Adrian Grunberg, le réalisateur, aidé en cela par un script écrit par Sly, a donc conçu un film qui se découpe clairement en 3 parties : une  introduction où l'on découvre la nouvelle vie de Rambo, en paix pour la première fois avec lui même et ayant enfin sa famille, même si c'est une famille d'adoption, une deuxième plus sombre se déroulant au Mexique où il va devoir affronter l'horreur des réseaux d'exploitation sexuelles et enfin, une dernière partie où il lâche ses démons et décime tous ceux qui ont brisé sa fin de vie.

Trois parties fort différentes, que cela soit dans leur montage , de plus en plus cut au fur et à mesure, leur brutalité - le massacre final se teinte d'un gore parfois outrancier - et le ton, Rambo étant de plus en plus désabusé, et de moins en moins humain, de moins en moins héroïque. La réussite du film vient qu'il ne cherche pas à reproduire les exploits du 2e et 3e épisode, véritables films de super héros où, Stallone, tout muscle saillant, n'avait plus grand chose à voir avec le vétéran brisé du premier opus. Il ne cherche pas non plus à se rapprocher du 4e film, si ce n'est pas son approche de la violence. Comme je l'ai dit, Rambo a vieilli et désormais, il doit rivaliser d'astuce et de furtivité pour se défaire de ses ennemis. La scène centrale du film le voit d'ailleurs se faire passer à tabac par une horde de voyous mexicains, alors que dans les années 80, il n'en n'aurait fait qu'une bouchée ! A partir de là, Rambo comprend qu'il va devoir avoir une autre approche et sa vengeance n'en sera que plus brutale !

L'un des aspects du film réside dans la description d'un fléau de notre époque, à savoir le commerce sexuelle où les femmes ne sont que des objets de plaisir. Le making of (excellent au demeurant) insiste bien sur cet aspect, même si, et le réalisateur l'avoue, il n'était pas question de faire un documentaire et il a mis la pédale douce sur la description des horreurs que subissent les prostituées malgré elle. Cependant, cette partie est suffisamment écoeurante pour faire réfléchir le spectateur  ! Et le dénouement tragique de la destinée de plusieurs partenaires ne laisse que peu d'espoir pour ces filles enlevées, droguées et vendues comme des objets.

Sly a donc vieilli, mais sa rage reste intacte. Et même si l'histoire prend un peu de temps à démarrer , tout en s'accélérant dans la dernière partie, le film est tout aussi nerveux que les autres, insistant bien sur le temps qui a passé. Une autre scène pivot voit Rambo balancer ses médicaments qui l'aidaient à contrôler son stress post traumatique : une façon de dire que la bête va se libérer à nouveau.

Last Blood est donc l'ultime (?) voyage d'un homme que la vie aura meurtri, défait et dont les cadeaux qu'elle lui a donné lui seront impitoyablement retiré. Stallone est évidemment magnifique dans ce rôle qui, même si il lui a collé à la peau durant des années, est sans aucun doute celui où il est le plus lui même. Mine de rien, sa carrière, ses hauts, ses bas, se sont construites sur la vie de John Rambo. L'incompréhension de certains, les accusations de fascisme (surtout dans les années 80), mais la reconnaissance mondiale (Rambo est connu dans tous les pays du monde) sont à la mesure du personnage !

Avec ce dernier épisode, Sly offre donc un beau cadeau à ses fans, mais aussi à lui même. Il boucle une boucle entamée il y 38 ans, sur une petite route des USA, où un quasi vagabond tentait de retrouver un de ses camarades de combat.

Ceux qui suivent ce blog savent combien j'aime Stallone, dans ses réussites et dans ses échecs, dans ses excès, dans ses idées. Ce Last Blood, que j'aurais donc découvert en vidéo, est clairement un nouveau sommet de sa carrière !!