Le pitch : Dans un futur où la Terre, dévastée, vit sous la coupe de Zalemn une cité flottant dans le ciel, Ido, un médecin spécialiste en prothèse découvre le corps d'une jeune cyborg dans une décharge où se déversent les ordures de Zalem

Un manga est un médium extrêmement complexe à transférer au cinéma. Si les films "live" pullulent au Japon, souvent avec des résultats moyens, Hollywood s'en est rarement emparée (Speed Racer, Ghost in the Shell) car le grand écart entre les deux cultures est immense. Seuls les Wachowski  ont réussi à en intégrer des pans entiers dans leur trilogie Matrix, mais sur la base d'une histoire inédite et qui mixait également d'autres éléments.

James Cameron a découvert Gunnm dans les années 90. Le potentiel de ce manga lui a immédiatement sauté aux yeux, d'autant plus qu'il traitait d'un de ses thèmes favoris : une femme forte dans un monde masculin. Il en a acheté les droits, a commencé à développé un scénario, mais accaparé par ses projets, a toujours remis le film à plus tard. Dans les années 2010, alors qu'on se disait "cette fois, c'est la bonne", le réalisateur a décidé de se consacrer aux suites d'Avatar. Alita allait donc rejoindre la  liste des projets abandonnés par Cameron (Spiderman, True Lies 2...). 

Mais surprise, il a alors confié son projet à Robert Rodriguez. Les deux hommes se connaissent depuis des années et ont énormément de choses en commun, notamment le fait de vouloir maîtriser un film de A à Z et les envies d'expérimentations. Et si Rodriguez ne boxe pas dans la même catégorie que Cameron, c'est surtout parce qu'il préfère se contenter de petits budgets où il pourra être tranquille, faire jouer ses amis, s'occuper du montage, des effets visuels (il possède son propre studio, ses fonds verts...), de la musique, le tout dans une ambiance familiale et décontractée.

Bien entendu, cette annonce a soulevé une levée de boucliers des puristes et de ceux qui jugent un film sur la foi d'une image ou d'une bande annonce, voire du nom du réalisateur. Le fait que le créateur du manga, Yukito Kishiro, ait adoubé le scénario du duo (Rodriguez l'a remanié pour le rendre plus court) ne changeait rien à l'affaire.

A SOI, on préfère juger les films sur vision. Et passée cette longue introduction, je peux dire en âme et conscience qu'Alita est une réussite totale !! Le manga prend vie à l'écran, servi par des comédiens totalement investis dans leurs rôles (Christopher Waltz en tête) et surtout un visuel dantesque ! C'est simple, vous avez là un animé en live , doublé d'une 3D exceptionnelle, du niveau d'Avatar, avec une profondeur de champs inouïe et une véritable utilisation du médium pour transporter le spectateur dans le film. Si vous voyez Alita en 2D, vous enlevez 70% de son potentiel.

Le début du scénario suit , grosso-modo, la trame du manga  et narre donc la lente renaissance à la vie de la Cyborg. Elle va petit à petit découvrir l'étendue de ses pouvoirs, sa puissance et quelques brides de souvenirs , notamment son assaut contre la cité de Zalem, voir que son "père" a d'autres activités que réparer ses compatriotes blessés... En fait, Cameron et Rodriguez ont pioché dans les passages les plus iconiques du manga, notamment la bataille dans le bar. Mais, le fond qu'ils ont créé va plus loin que l'original, donnant plus encore de chair à Alita, lui adjoignant une véritable famille . 

Réalisé en capture motion, la cyborg respecte donc totalement son alter égo de papier, allant jusqu'à reproduire les fameux "gros" yeux des manges, un pari risqué, mais, à mon avis, totalement réussi !! Que les "ignares" qui ont tiqué en voyant le visage d'Alita aillent au diable, on est ici dans un animé live, pas un drame shakespearien.

Doté d'un budget énorme de 170 millions de dollars, Alita ne se donne aucune limite et offre à l'écran une vraie représentation de l'animé ! Iron City fourmille de détails et la 3D, je le répète, permet d'en voir les moindres couches ! On se rend d'ailleurs compte combien Neill Blomkamp s'est "inspiré" de Gunnm en créant Elyseum, même si, sur le fond, l'histoire est bien différente. Là, Rodriguez, comme il le dit dans les interviews, a réalisé un film de Cameron à la place de Cameron. Toute la dimension titanesque du plus grand réalisateur de l'histoire est là ! Alita c'est un spectacle bigger than life, un univers fantasmé par des millions de fans et qui prend vie sous nos yeux !!

Mais au delà du visuel époustouflant, de la perfection des effets spéciaux (voir Alita en gros plan s'apparente à un prodige !!), c'est bel et bien l'histoire de la jeune cyborg qui est au coeur du film. Loin de céder à la mode de l'action à 100%, le duo prend son temps pour la raconter cette histoire, prend le temps pour que chaque protagoniste ait son moment, que l'on comprenne ses motivations et, comme toujours chez Cameron, que l'on voit leur évolution, leur traitrise, leur fidélité, leur amour. Rien n'est monolithique, personne n'est réduit à un cliché

Alita est un personnage féminin très fort, mais elle n'est pas la seule. L'ex femme d'Ido est un autre bel exemple de que le cinéma de Cameron peut offrir. D'abord froide et cruelle, elle va finalement comprendre ce que représente Alita pour son ancien compagnon. 

Bien entendu, Cameron ne serait pas Cameron sans ses triples climax. Ici, le scénario enchaîne donc 3 énormes scènes d'action, commençant dans l'arène de motorball, pour continuer avec un combat dantesque  dans les rues en ruines puis sur l'un des filins qui alimentent Zalem !! Les trois derniers quart d'heure ne sont qu'un enchaînement hallucinant où le manga prend encore plus de vie. Car une fois, tous les postulats posés, scénariste, producteur et réalisateur s'en donne à coeur joie et offre au spectateur ce qu'il est venu chercher : la manifestation sur grand écran d'un univers qu'il a d'abord connu sur papier de mauvaise qualité !

Avec Alita, l'année 2019 connait donc un 2e chef d'oeuvre après Glass, dans un registre totalement différent. Sa fin ouverte laisse espérer évidemment une suite, que l'énorme démarrage en Asie, devrait autoriser. Mais même ainsi, Alita a tout pour devenir un film culte , une oeuvre hors du commun, un métrage que l'on a hâte de revoir à peine sorti de la salle ! 

Le pitch : suite à une invasion de créatures (extra-terrestres ?) sensibles aux moindre bruits, l'humanité vit dans la terreur et le silence totale. Une famille, qui a perdu l'un de ses enfants victime des créatures, tente de survivre...

Il est donc possible de faire des films traitant de la fin du monde sans avoir recours à de grosses scènes de destruction ! Il est donc possible de faire un film en se passant d'un des éléments les plus essentiels du cinéma, à savoir le son.  

De manière ironique, le film est nommé pour l'Oscar du meilleur son. Cela dit, un film sur le silence n'est pas un film sans son et le travail remarquable sur ce médium le prouve !

En réalisant Sans un bruit (A quiet place en VO, titre plus ironique et à double sens), John Krasinsky , que l'on avait vu en mercenaire dans l'excellent 13 hours de Michael Bay, s'inspire évidemment de Signs (une invasion que l'on sait mondiale, une famille brisée et repliée sur elle même dans un coin reculé des USA) mais il s'affranchit de son modèle et propose une vision apocalyptique d'un monde où le son conduit fatalement à la mort.

Servi par d'excellents effets numériques - là où Shyamalan suggérait énormément, Krasinsky n'hésite pas à mettre ses créatures dans la lumière dans la dernière partie de son film  - Sans un bruit est un quasi sans faute, doté d'un scénario diabolique et magistralement interprété, Emily Blunt (Mme Krasinsky à la ville) en tête. En étudiant le microcosme familial, en prenant son temps de nous dépeindre leur quotidien, les astuces déployées pour survivre dans ce monde cauchemardesque , Krasinsky met en place tous les enjeux d'une deuxième partie plus rythmée où la notion de sacrifice sera au centre.

Certaines critiques ont pu s'étonne que l'épouse du héros puisse être enceinte dans un tel monde, estimant que faire naitre un enfant était de la folie pure. Or la première scène et la première apparition furtive des créatures donnent en fait l'explication : elle est en deuil et ce nouvel enfant va lui permettre de "remplacer" ce qu'elle a perdu. 

La culpabilité est d'ailleurs présente dans toute la première partie du film. Chaque membre de la famille se reproche le drame survenu même si la responsabilité de chacun est diluée, la plus grande part en revenant hélas à la victime. Mais cette tragédie ronge l'équilibre familiale, notamment chez l'aînée, persuadée que ses parents la déteste.

Cette étude d'une famille serait tout à fait ordinaire sans le concept de la SF. Chaque famille ayant connu une épreuve a du mal à s'en relever. Chacun s'interroge sur ce qu'il aurait du faire pour éviter un drame. Et chacun se sent coupable. En  ajoutant une invasion , Krasinsky dope son propos et l'élève au delà de la simple étude de moeurs. Et sa mise en scène est diablement efficace, chaque détail entraînant une cascade de problèmes : un simple clou dépassant d'une marche enclenchera la phase finale du film.

En refusant de tirer à la ligne (Sans un bruit dure 1h30, générique compris), Krasinsky offre un film efficace et direct, un vrai coup de poing dans le visage du spectateur , un spectacle où on ne sait jamais qui va s'en tirer! Son coût de production de 17 millions de dollars n'handicape jamais l'histoire et l'on peut se dire qu'une fois de plus Michael Bay, qui a produit et fait confiance à son acteur, a parfaitement joué son rôle : il a trouvé les fonds puis l'a laissé travailler tranquille. L'utilisation du cinémascope est également magistral, preuve que le film a été pensé pour le cinéma.

Le résultat, s'il n'est pas parfait (la fin est quelque peu abrupte et quelques incohérences grèvent la dernière partie), est conforme à la superbe bande annonce : oui, on va trembler pour cette famille. Oui, on sursaute et on se prend à espérer une issue heureuse, même si l'on se doute qu'elle ne sera pas forcément au rendez vous, du moins pour tous les protagonistes. 

Le succès mondial (340 millions de dollars) est amplement mérité ! On nous annonce une séquelle, ce qui ne serait pas illogique vue la toute dernière scène et les questions laissées en suspens. Mais dans ce cas, il faudra un sacré travail sur le scénario pour égaler ce premier essai dramatique de John Krasinsky dont les deux premiers films (Brief interviews with hideous men, The  Hollars) tiraient vers la comédie. 

Réussite visuelle et scénaristique, vrai film de genre parfaitement maîtrisé, Sans un bruit aurait dû être nominé autrement que dans une catégorie technique. Mais comme il ne mentionne aucune minorité...

Le pich : Die hard dans la tour infernale !

Découvert dans l'avion qui m'emmenait à San Francisco (petit écran, son au casque), Skyscraper est une excellente surprise à mes yeux. Certes, le scénario accumule les clichés (l'ancien policier victime dans sa chair d'un attentat, mais qui n'a rien perdu de ses fabuleux réflexes), des cascades délirantes (sauter d'une grue dans un building en feu), les méchants bien caricaturaux et des traitres qu'on voit arriver 10 minutes avant le héros, sans oublier des bons sentiments à la pelle.

Dit comme cela, j'ai l'impression de décrire un navet ou un épisode de Louis la brocante (building en feu en moins). Mais l'atout numéro 1 de ce film, c'est bien son acteur principal, Dwayne Johnson !! Comme Arnold en son temps ou Willis après lui, l'ancien catcheur voit les films bâtis autour de son personnage. Et comme il est très crédible en action man, tout ce que j'ai noté aussi passe comme une lettre à la poste.  

En retrouvant son réalisateur de Central Intelligence, Johnson est en terrain connu. Mais en s'axant sur une action vraiment énorme, et après une très bonne séance d'ouverture, le film annonce clairement la couleur : ça va frapper fort et tout sera bigger than life, à commencer par le building délirant servant de décor. A côté, le Yakatomi Plazza fait figure d'un petit immeuble de province. L'incendie déclenché par les vilains est dantesque et l'effet poudre aux yeux fonctionne à plein, même su un écran plus petit que celui de mon iPad !! J'imagine en grand ce que cela peut donner !!

En fait, on a beau connaître ce genre de film par coeur, savoir que les caractéristiques du building (la gigantesque sphère par exemple) seront utiles au dénouement de l'histoire ou que les héros ne craignent absolument rien, c'est tellement bien rythmé que l'on est vite pris dans l'histoire et qu'on oublie toutes les invraisemblances. Et tant pis également si le personnage féminin (Neve Campbell, héroïne de la trilogie Scream) manque d'épaisseur, même si elle n'atteint pas la cruchitude de certaines de ses collègues des années 80 ! Après tout, on n'est pas venu pour cela.

Une fois lancé sur ses rails, ce qui arrive relativement vite, Skyscraper fonce donc vers son objectif, à savoir divertir. Et je le redis, le professionnalisme est patent. Oui, tout est archi-vu, mais c'est sacrement  bien foutu !! Visuellement, le film ne souffre pas de défaut, y compris (et surtout) dans les nombreuses scènes nocturnes.

En résumé de cette courte chronique, Skyscraper aurait mérité un meilleur accueil au box office (304 millions mondiaux pour 125 de budget , dont chaque dollars est à l'écran), mais il se rattrapera sans doute en vidéo. N'hésitez à pas à lui donner sa chance.

Le pitch : alors que Détroit s'embrase dans des émeutes liées à des tensions raciales, 2 policiers racistes investissent un hôtel où un jeune noir a eu la mauvaise idée de tirer sur les forces de l'ordre avec un pistolet inoffensif.

Katryn Bigelow est sans aucun doute la plus grande réalisatrice américaine de toute l'histoire du cinéma. Sa filmographie est remplie de chefs d'oeuvre (Near Dark, Strange Days, Demineurs, Le poids de l'eau, Zéro Dark Thirty) et il est donc logique que son regard sur la question raciale américaine soit un tel coup de poing, un film sec, maîtrisé de A à Z, souvent en état de grâce et surtout sans aucune concession.

Mêlant images d'archives et film de fiction, la cinéaste plonge le spectateur dans le chaos de Detroit et les émeutes de 1967, sans lui fournir la moindre explication et sans s'attarder à présenter les personnages - un procédé similaire au début de Strange Days d'ailleurs) , chose qu'elle fera plus tard, au bout de presque 30 minutes, quand les policiers investiront l'appartement et entameront leur danse macabre. Car une fois que l'unité de lieu et de temps sera mis en place, le film passe du presque documentaire à une véritable oeuvre de fiction se basant sur le réel, et utilise alors tous les procédés d'un film , ses mouvements de caméra, ses travellings, ses points sur des détails essentiels. Bref, Detroit devient un vrai film de cinéma et quand on sait que la réalisatrice est une surdouée, on est alors happé par cette histoire terrifiante, par son racisme, sa brutalité (rien n'est épargné aux malheureuses jeunes femmes accusées de "frayer avec des nègres") et son absence totale de remords.

On a d'ailleurs peine à croire à cette histoire tant elle semble loin dans le temps, alors que les évènements ne datent que de 50 ans, un abcès épouvantable sur une Amérique encore remplie de préjugés et de haine. Mais pourtant, et la dernière partie va encore plus loin dans le dégoût de cette époque, avec la reconstitution du procès qui, finalement absoudra les meurtriers, tout est réel, impitoyablement réel.

Pour reconstituer cette époque, Katryn Bigelow utilise des acteurs peu connus. Les seuls visages que l'on a déjà vus ailleurs - et pour cause - sont John Bogeya alias Finn dans la nouvelle trilogie Star Wars et Anthony Mackie alias Le faucon dans le 2e Captain America. Pour le reste, rien ne vient distraire le spectateurs. Comme toujours, la réalisatrice va à l'essentiel et ne veut pas parasiter son propos.

Le tour de force de Detroit est bien entendu sa partie centrale. Une fois tous les personnages - les musiciens, les jeunes filles et leurs compagnons noirs, le vigile noir, les policiers racistes - , commence alors ce long et terrifiant interrogatoire où , imbus de leur pouvoir, les forces de l'ordre ne vont plus connaître aucune limite, aucun tabou, le meurtre n'étant finalement qu'un moyen comme un autre d'obtenir des aveux.

Durant une bonne heure, on assiste donc à cette bavure épouvantable, un rouleau compresseur qui se met en place et qui avance, écrasant tout sur son passage. Les humiliations et les coups se succèdent sans qu'aucun des habitants de l'hôtel  ne comprennent ce qui se passe.  Et les tentatives de Bogeya pour adoucir les choses ne changent rien. A chaque instant, on sait que cela va mal finir et la seule chose qui épargnera aux deux jeunes femmes de se faire violer est leur couleur de peau.

Véritable coup de poing dans la figure du spectateur, Detroit ne prend pas de gant et ceci explique sans doute son échec public : 16 millions de recettes aux USA pour un budget de 34, quasiment rien de plus dans le reste du monde. Sans doute le film est-il trop radical dans sa description de la vérité ! Sans doute que l'Amérique n'est pas encore prête pour regarder en face certains aspects de son histoire.

Mais échec ou pas, Detroit reste un nouveau sommet dans la filmographie de la réalisatrice. Ceux qui auront le courage de s'y engager ne seront pas déçus : plus qu'un pan d'histoire, c'est surtout un métrage totalement maîtrisé, réalisé de main de maître, brillamment interprété et dont le jusqu'au boutisme se justifie totalement. Bref, c'est un très grand film de cinéma !

Le pitch : comme il l'avait promis, Grindenwald parvient à s'échapper à ses gardiens et se met en quête du jeune Croyance. Norbert Dragonneau et ses amis devront alors choisir leur camp.

Après un premier épisode sympathique, mais tout de même mineur vis à vis de la saga Harry Potter, un peu trop axé, à mon goût, sur les créatures magiques (même si, logiquement, c'était le but vu le titre), JK Rowlings a donc pris une direction inattendu avec un nouvel opus moins spectaculaire et moins riche en bestiaire, mais à la dramaturgie bien plus élevée.

Le ton est déjà bien plus sombre, les personnages étant connus, l'auteure peut donc commencer à lancer des ponts vers la saga de sa vie. Des petites touches (on connait donc l'origine de Nagini, le serpent de Voldemort, on rencontre Nicolas Flamel) et des grandes (la première apparition officielle de Dumbledore) forment donc l'ossature du film, dont la principale est donc les flashbacks se déroulant à Poudlard. Mais ce qui aurait pu apparaître comme du fan service (après tout, c'est ce que l'on a reproché à Lucas pour sa prélogique) est au service d'une histoire où Grindenwald est le nouvel ennemi principal et où sa méchanceté (lui et ses partisans massacrent toute une famille de Moldu pour s'emparer de leur appartement) ne laisse aucun doute.

Cependant, et c'est là le génie de Rowling, le sorcier , bien campé par un Johnny Deep tout en sobriété, séduit suffisamment dans le propre camp du "bien" pour ne pas être qu'un simple méchant de carnaval. Certains alliés de Norbert n'hésiteront d'ailleurs pas à le rejoindre et la cassure dans le monde magique n'en sera que plus évidente. 

A aucun moment, d'ailleurs, Les animaux fantastiques 2 cherchent une quelconque tentative de séduction du très grand public. Il faut impérativement avoir vu le premier opus pour comprendre tous les tenants et aboutissants de l'histoire et rester concentré durant tout le métrage sous peine de se perdre. On sait que Rowling est une écrivain exigeante et douée (sa trilogie policière, basée sur le personnage de Cormoran Strike, le montre à chaque page) et que si elle s'est lancée dans ce nouveau défi, ce n'est pas que pour faire plaisir à la Warner qui désirait prolonger le triomphe d'Harry Potter. Certes, il y a des raisons commerciales derrière, mais elle en a profité pour donner au spectateur une histoire solide, pleine de ramifications et très ambitieuse. Et cet épisode de transition, à l'image de L'empire contre attaque, pose donc les véritables bases de l'histoire à venir.

Du coup, Norbert Dragonneau perd un peu de son leadership, même s'il reste clairement le héros de l'histoire. Même "punition" pour Tina, désormais Auror. Rowling se permet même de ne pas intensifier les sentiments entre les deux personnages, alors que la logique (et les fans) auraient voulu qu'ils aillent logiquement plus loin. Mais l'heure n'est plus à l'amusement.

Le personnage de Jacob subit également une surprenant évolution, même si les raisons de son retour sont un peu trop vite expédiées (quelques lignes de dialogue et hop, le revoilà) et on ne serait pas étonné de le voir prendre un rôle plus important encore dans le 3e opus. Quant à Queenie, là aussi, son évolution ne pourra que surprendre.

En voulant faire rejoindre les deux sagas, JK Rowlings et David Yates (dont la mise en scène est toujours impeccable) prennent le risque de perdre les néophytes, mais comme je l'ai dit, on est largement au delà du simple produit dérivé commercial. Cependant, le public américain semble moins adhérer à ce "crossover" et les résultats financiers seront moindres. Cela ne devrait pas handicaper la suite des événements : après tout, le 3e Harry Potter avait aussi connu un succès moins important aux USA avant de rebondir et battre records sur records jusqu'à la 8e partie.

David Yates connait l'univers par coeur : après tout, c'est le 6e film qu'il réalise. Cette fois ci, l'histoire se concentre en partie à Paris, occasion pour lui de reconstituer la ville lumière des années folles. La partie "historique" rappelle d'ailleurs le travail qu'il avait fait sur son Tarzan, très sous-estimé, mais empreint lui aussi d'un gros travail sur la reconstitution d'un lieu et d'une époque. La photographie se veut également plus sombre que le premier film, ton dramatique oblige et sa mise en scène se veut toujours au service de ses personnages. Seule l'évasion de Grindenwald détonne un peu, quelque peu brouillonne , au montage trop abrupte et un peu trop numérique. Mais pour le reste, Yates réussit un sans faute, multipliant les scènes spectaculaires revisitant des lieux cultes de la saga, mais n'oubliant pas les passages plus intimes et les doutes de ses personnages.

Car cet épisode est bien basé sur le doute : chacun devra choisir sa voie et son camp, sortir de sa zone de confort et de ses préjugés. C'est sans doute ce flou qui a dérangé une partie des spectateurs. C'est bien dommage car, après tout, les films qui osent aller dans des directions pas forcément attendues sont devenus rare, surtout dans une franchise aussi énorme que Potter.

On attend donc désormais la suite avec impatience, voir où l'histoire va nous emmener et comment les personnages vont évoluer. Et la fin ouverte, ainsi que la promesse d'un affrontement entre Dumbledore et Grindenwald ne peut qu'être excitante à tout point de vue ! Rendez vous en 2020 avec , dit-on, la première apparition d'Hagrid.