Le pitch : 2045. Le monde est à cours de ressource et les villes tentaculaires défigurent encore un peu plus la planète. Des millions de joueurs investissent un monde virtuel , l'Oasis. Or, le créateur de ce monde mort 5 ans auparavant  l'a laissé en héritage à celui qui sera capable de trouver les 3 clés qu'il a cachées dedans.

Steven Spielberg continue donc d'alterner reconstitution historiques et films pop corn. Après le le triptyque Tintin/Cheval de guerre/Lincoln et le dyptique Le pont des espions/Le bon gros géant, Ready Player one succède donc à Pentagon Papers. On notera que depuis quasiment 10 ans, le réalisateur trouve donc son inspiration dans les faits réels ou adapte des oeuvres littéraires.

Disons le tout de suite, Ready Player One est un véritable chef d'oeuvre , un film magistral qui rend hommage à la pop culture avec une virtuosité qui frôle le vertige, une plongée fascinante dans les entrailles d'un monde virtuel truffé de références et d'une richesse inouïe. Je n'ai pas lu le roman (mais je vais m'y employer très très rapidement) et il est clair que le matériel de base, référentiel en diable, y est pour beaucoup , mais il fallait bien tout l'immense talent de Spielberg pour rendre passionnant et accessible à tous un monde de geeks, biberonnés à la pop culture des années 80, aux jeux vidéos, au cinéma d'Amblin et à tout un pan de l'Amérique.

A plus de 70 ans, Spielberg fait preuve d'un sens du découpage toujours aussi précis (le plan d'ouverture où le héros descend de son "appartement", la première course , la séquence dans l'Overlock...). On sait depuis Les dents de la mer, soit plus de 40 ans qu'il a un don pour rendre lisible n'importe quelle séquence, qu'il ne cède pas à la facilité d'un montage haché (un style maîtrisé par une poignée de réalisateurs). Ici, l'utilisation de la voix off permet de compléter ce qui est à l'image. En quelques minutes, le spectateur le moins assidu aux nouvelles technologies sait ce qu'est l'Oasis, quels sont les enjeux, qui sont les gentils, les méchants et le but de chacun. A partir de ce pitch simple (après tout, on est dans une "banale" chasse au trésor comme en propose n'importe quel jeu vidéo), il fait dérouler le fil de son histoire, dévoilant petit à petit les failles de ses protagonistes, tous issus de familles brisées (comme Spielberg lui même) et émaillant le métrage de séquences de plus en plus spectaculaires , là aussi, comme dans n'importe quel jeu. Prenez, au hasard, le dernier Zelda "Breath of the Wild" ou Super Mario Odyssée et vous avez la même mécanique, avec des boss de fin de niveaux de plus en plus puissants, des situations de plus en plus complexes et un sentiment de victoire dès que vous parvenez, enfin, à passer l'obstacle qui vous bloque depuis des jours.

On a reproché à Ready Player One sa dichotomie entre le monde réel et le monde de l'Oasis. Or, c'est justement cela qui fait tout le sel du film. D'un côté un univers sale, déglingué, repoussant et de l'autre un monde où tout est possible, d'une beauté numérique saisissante, reprenant un à un tous les codes des jeux vidéos actuels. Mais en les amplifiant, en les sublimant. Car aucun jeu actuel n'arrive à la perfection de l'Oasis. En ce sens, le travail des graphistes est incroyable et il se hisse sans aucun souci à la hauteur de ce que fait Pixar. Mais pour quelqu'un qui a dirigé la meilleure adaptation d'une BD de ces 20 derniers années, le challenge était-il si grand ?

L'autre opposition est bien entendu entre les avatars et les personnages réels. En choisissant des acteurs qui ont chacun leur "tares" physiques à compenser dans l'Oasis, Spielberg nous tend un reflet déformant , miroir de nos sociétés où chacun cherche sa meilleure photo de profil, à embellir sa vie via Facebook. Dans les jeux vidéos actuels dit "réalistes", les personnages sont toujours plus grand, plus fort, plus beau que dans la vraie vie. Le virtuel tend à prendre le pas sur le réel et Photoshop est devenu le correcteur de toutes nos tares photographiques. Mais le réalisateur ne juge pas. Il a toujours assumé de toutes façons son côté geek et il préfère s'en amuser , l'utiliser pour faire son film.  Et si son message peut paraître naïf (on n'a pas besoin d'être un Apollon pour être un héros), il reste très salutaire.

Côté monde "réel", il est intéressant de comparer RPO avec Minority Report, dernière incursion de Spielberg dans la science fiction pure et dure, datant de 2002. Et on peut y trouver des analogies, comme cette impression de fouillis, d'empilement. Cependant, le monde de RPO est finalement bien moins futuriste que celui de MR, puisque l'humanité a décidé de ne plus gérer ses problèmes et de vivre dans le monde de l'Oasis. Cette impression de déliquescence est l'autre fil conducteur de l'histoire, une critique voilée d'une société qui abdique devant le réel, sauf peut être le vilain qui veut toujours plus de pouvoir. 

C'est d'ailleurs peut être cet aspect qui est le moins convaincant. Car si les "mauvais" geeks veulent contrôler l'Oasis, c'est pour y vendre plus de publicité. Mine de rien, le script dénonce l'un des aspects les plus "pénibles" du net, avec ces pages envahies de pop up, de liens à cliquer , de publicités ciblées... Mais bon, s'il faut trouver un point faible au film, c'est sans doute celui-ci.

Mais il n'entame en rien la passionnante construction de l'histoire en 3 actes, avec la découverte du monde, la mise en place des alliances (extraordinaire réflexion sur  la façon dont la "vie" des avatars peut avoir une répercussion dans le monde réel) et l'affrontement final, qui se déroulera forcément dans les deux mondes.

Les amateurs attentifs prendront un malin plaisir à chercher toutes les références (la voiture de Retour vers le futur, la Batmobile, le géant de fer, la console Atari pour ne citer qu'eux sont évidemment les plus visibles, mais il y en a des dizaines d'autres) et ceux qui n'y connaissent rien seront sans aucun doute émerveillés par un tel foisonnement ! Car c'est bien un hommage à toute une culture populaire dans le bon sens du terme qui est rendu. 

Même le choix des acteurs va dans ce sens. Ainsi, l'un des deux créateurs de l'Oasis est Simon Pegg , grand geek devant l'éternel, tandis que son comparse est incarné par le nouvel acteur fétiche de Spielberg , Mark Rylance (que l'on aura également pu voir dans Dunkerque). Le duo évoque d'ailleurs sans aucune équivoque Steve Jobs et Steve Wozniak , les deux génies créateurs d'Apple, à la subtile différence que dans notre monde, c'est le pragmatique Jobs qui s'en est allé.

Mais le reste du casting est constitué d'acteurs ayant peu joué, des visages neufs qui ne voleront pas la vedette à l'histoire et qui incarneront à merveille les jeunes joueurs de l'Oasis.

Mené tambour battant, regorgeant d'idées visuelles fabuleuses (le bal en apesanteur, la file de joueurs tentant de trouver la clé en jouant à une vieille console Atari, l'assaut final contre la forteresse, le Détroit de 2045...) et ne laissant aucun temps mort à son public, Ready Player One est typiquement un film appelé à devenir culte, à être vu et revu afin d'en saisir toutes les références, toutes les idées.

Steven Spielberg vient tout simplement de rappeler qu'il a inventé le cinéma hollywoodien moderne il y a 43 ans avec Les dents de la mer et que très peu de monde ne lui arrive à la cheville.

Alors, évidemment, Ready Player One risque de laisser de marbre tout ceux qui se sentent étranger à cette culture geek, aux jeux vidéos ou à ce tourbillon de références. Ils verront sans doute des défauts que je ne vois pas. Mais le film étant conçu pour un coeur de cible dont je fais partie, je ne pouvais que lui mettre 5 étoiles tant il est réussi à mes yeux !

Le pitch : un tribun romain est mandaté par Ponce Pilate pour enquêter sur le vol du corps d'un juif crucifié 3 jours auparavant.

Aux USA, il existe une catégorie de films bien particulière : les films chrétiens. La plupart du temps, ils traitent de la foi (War Room par exemple) ou sur la façon dont la religion est présente en Amérique. De temps en temps, un péplum biblique s'insère dans cette filmographie qui traverse rarement l'Atlantique. Ainsi, en 2004, Mel Gibson explosa tous les compteurs du BO avec La passion du Christ, film ultra réaliste sur les dernières heures de Jésus. Avec plus de 360 millions de dollars en fin de course (et 300 autres dans le reste du monde), La passion du Christ prouva qu'il existait un public avide de films religieux.

Si le film de Gibson eut un retentissement énorme et visible, celui qui s'intéresse aux BO sait qu'il n'est pas un cas isolé et que, sans atteindre de tels sommets, régulièrement un  film "chrétien" (c'est le nom que leur donnent les analystes du BO outre Atlantique) grimpe à l'assaut du box office. Au passage, savez-vous que la trilogie Aslan est considéré comme faisant partie de la catégorie ? Il est vrai que la résurrection du lion dans le premier roman avait été conçu par CS Lewis, auteur qui ne cachait pas sa foi,  comme une approche du mystère de la passion pour ses jeunes lecteurs.

God's not dead, Heaven is for real, Son of god, Miracles from heaven, autant de petit budget qui attire un public souvent nombreux (91,4 millions de dollars de recette pour Heaven is for real par exemple).

Passée cette longue introduction, parlons de Risen qui s'inscrit logiquement dans cette catégorie, mais propose une approche totalement différente, s'inspirant à la fois de la crudité de Gibson (la crucifixion, la bataille d'ouverture, le charnier où l'on balance les corps des condamnés) et de l'enquête policière. Franchement, il fallait oser et si dans sa deuxième partie, le film bascule dans un contexte bien plus doux, le côté atypique de Risen étonne.

Derrière la caméra et co-auteur du script, le spectateur aura la surprise de découvrir Kevin  Reynolds ! Oui, l'auteur de Waterworld, Robin des bois, Rapa Nui ou La bête de guerre qui dirige un film qui annonce explicitement la résurrection du Chris (son titre français, d'ailleurs) !! Pourtant à y bien regarder, Reynolds s'est déjà approché de ce iusème avec Tristan et Yseult (l'amour courtois, donc encadré par l'église au Moyen Age). En fouillant un peu, son Rapa Nui s'intéresse également à la religion, celle de l'île de Pâques. Et sait-on que le premier script de Waterworld, écrit par David Twohy contenait bien plus d'éléments "bibliques" comme par exemple le fait que le personnage de Kevin Costner était décrit comme une sorte de Noé moderne ?

Mais ici, Reynolds n'avance pas masqué. Doté d'un budget de 20 millions de dollars (une misère pour un péplum, mais une manne bien plus importante qu'un film comme War Room), Risen joue déjà sur le réalisme : le tribun Clavius cherche à comprendre pourquoi on a volé le corps de cet homme crucifié, dont il  a assisté aux derniers instants . La réponse est essentielle car d'étranges rumeurs font état que cet homme serait revenu d'entre les morts et que si cela était vrai, cela pourrait inciter la province de Judée-Samarie à la révolte, ses habitants ne supportant pas vraiment la domination romaine. 

Dans un premier temps, Clavius enquête, interroge les témoins, les amis de ce  Jésus, cherche à comprendre pourquoi le tombeau est vide. Rationnel, il s'accroche à l'idée que l'on est venu chercher le corps (qu'il a lui même scellé avec une pierre). Mais petit à petit, son rationalisme s'étiole, des faits ne collent pas avec la logique, les romains chargés de la garde sont terrifiés par ce qu'ils ont vu. Et surtout, le corps est introuvable.

Dans des décors minimalistes, mais très réalistes, Reynolds fait donc avancer son intrigue, s'inspirant bien évidemment des Evangiles (l'intervention de Joseph d'Arimathie, la conversation avec Marie Madeleine ou Barthélémy). Il instille le doute dans l'esprit de son héros, mais également de son aide de camp.

Puis au détour d'une scène sublime ou Clavius reconnait dans l'assemblée des apôtres, dont il vient de débusquer la cachette, le visage de l'homme qu'il a vu mourir sur la croix, Risen devient un tout autre film : si le côté "chasse à l'homme" reste présent, on est désormais dans une histoire se calquant sur les écrits des apôtres quand ils vécurent encore 40 jours avec le Christ. Clavius est en fait le "candide", le non initié qui va faire découvrir aux spectateurs les racines du christianisme. Ses actions changent du tout au tout et il refuse alors de donner la mort (la scène où il conjure son aide de camp de ne pas le dénoncer et le laisse partir en vie). Il va alors être un témoin privilégié de l'action christique et pouvoir écouter directement la parole de ce dernier.

Risen est un film "pédagogique". Il est évident que Kevin Reynolds a voulu transmettre le mystère de la résurrection au public. A cet égard, il ne diffère pas tellement des évangélistes qui, partis de Judée, se répandirent dans le monde, au péril de leur vie, pour témoigner de ce qu'ils ont vu. Evidemment, Reynolds ne risque pas la mort, mais cet engagement profond est un sacré pari professionnel, surtout dans un monde hollywoodien qui n'est pas si tendre avec ceux qui affirment leur foi. Car si la religion est souvent présente dans les films, elle est plutôt un élément des personnages, comme par exemple, la foi des héroïnes de La couleur des sentiments.

Mais ce film pédagogique est-il un bon film de cinéma ? 

La réponse est oui. Reynolds n'a rien perdu de son cinéma, fait de superbes mouvements de caméra et d'un montage très étudié. Sans de gros moyens, il parvient à faire croire à cette Judée Samarie des origines, utilisant la moindre parcelle de ses décors (le film est tourné en Espagne notamment) . D'un point de vue de la dramaturgie, l'histoire est suffisamment prenante pour que, même en connaissant forcément la fin, on se passionne pour cette quête. Et la façon dont le script passe du thriller policier à l'aspect biblique est sacrément bien amenée, car, en voyant le film une deuxième fois, on voit bien que Reynolds a parsemé d'indices la quête de Clavius.

Bien évidemment, le film ne convaincra sans doute que les croyants. Les autres pourront y voir un excellent thriller pour peu qu'ils adhèrent à l'idée qu'un film n'ait pas forcément fait pour avoir un climax ultra spectaculaire. Mais que l'on soit croyant ou pas, Risen est une belle expérience qui a le mérite de poser une question essentielle : et si tout était vrai ? C'est ce que se dit l'aide de camp du tribun, quand il se rend compte que Clavius s'engage sur une voie inédite.

Si Risen n'a pas remporté le succès de War Room ou Heaven is for real (36 millions aux USA, 11 de plus dans le reste du monde, où sa sortie fut assez confidentielle), il n'en reste pas moins un film passionnant, profond, engagé et dont la figure du Christ plane tout au long du métrage.

A voir donc pour vous faire une opinion, mais si je lui mets 4 étoiles, c'est bien parce que, d'un point de vue cinématographique, pour moi, ce film est une réussite.

Le pitch : alors que la Résistance tente d'échapper au Premier ordre et à son leader Snoke, Rey  essaye de convaincre  Luke Skywalker afin qu'il revienne les aider dans ce nouveau combat contre le mal.

Attention ! Si vous n'avez pas vu le film, différez cette chronique car elle contient certains éléments qui vous en gâcheraient la vision.

Il y a 2 ans, Le réveil de la force avait remis la machine Star Wars en route, rencontrant un énorme succès mais sans forcément convaincre à 100%, la faute à un script qui se calquait beaucoup trop sur Un nouvel espoir et à un contexte politique très flou, sans oublier un certain galvaudage des éléments essentiels (la force traitée comme un vulgaire gimminck) mis en place patiemment par Georges Lucas

Les derniers Jedi se devait donc de confirmer ce succès tout en offrant, enfin, une nouvelle orientation à la saga.  

La mission est remplie mais pas à 100%. La faute à une intrigue parallèle très dispensable et à une volonté de  "surprendre" le spectateur alors qu'on ne pourra jamais faire plus grand choc que la révélation de l'Empire contre-attaque. Enfin, on peut quelque peu déçu par le fait que Ryan Johnson ait sciemment pris à contre-pied quasiment tous les éléments que Abrams avait mis en suspens dans Le réveil de la force : l'origine des parents de Rey et son lien avec Kylo Ren, Finn qui se réveille de manière ridicule, qui est Snoke.... Mention spéciale aussi à la recréation de la scène où Rey rencontre Luke, suivi par le geste du vieux Jedi balançant son sabre par dessus son épaule.

Comme pour Le réveil de la force, je ferai plusieurs chroniques. La première sera une "classique" et les autres s'intéresseront aux aspects les plus controversés du film.

Le point fort de ce nouvel opus est d'avoir su éviter le côté nostalgique et iconique du Réveil de la Force. On nous dit que Ryan Johnson est un fan de la saga depuis qu'il a vu Le retour du Jedi au cinéma, mais à la différence d'Abrams, il n'a pas hésité à en casser une partie des codes. Avec un pari aussi gonflé, le risque était grand de diviser le public. Cela n'a pas loupé.

Alors qu'on pouvait penser que le film se baserait sur l'initiation de Rey et sur la montée en puissance de Kylo Ren ainsi que du combat entre le Premier ordre et la résistance. Les évènements se déroulant immédiatement après Le réveil de la force - une première dans la saga où les laps de temps entre chaque partie de l'histoire étaient bien plus long (10 ans entre le I et le II, 3 ans entre le II et le III, 20 ans entre le III et le IV, 3 ans entre le IV et le V, un an entre le V et le VI et 30 ans entre le VI et le VII, laissant l'univers étendu prendre le pouvoir et combler certains trous), le sentiment d'urgence fait vite place à une course en avant, symbolisée par le vaisseau de la résistance talonnée par ceux du premier ordre. Une idée géniale, mais dont l'intrigue parallèle casse le rythme.

En effet, se rendant compte que le Premier ordre peut les suivre à travers l'hyper espace, Poe et Finn (aidés par une technicienne relativement pénible à mon goût) décident de se rendre sur le vaisseau de Snoke afin de désactiver le dispositif. Pour cela, ils ont besoin d'une personne capable de craquer les codes du Premier Ordre. Furtive apparition de Maas (une scène assez gênante ) puis direction une planète casino où s'encanaillent les personnages les plus riches de la galaxie. Alors que ces scènes sont massivement mis en avant dans les différents making of (par exemple le numéro de SFX dont je parlais ici) , elles sont quasiment inexistantes à l'écran, un peu comme si le réalisateur se désintéressait totalement de ce voyage. Si on y ajoute plusieurs Deus ex machina - les héros emprisonnés en même temps qu'un craqueur de code, les multiples interventions de BB8 qui tombe toujours à pic - on a là le passage le plus inutile de toute la saga. Ceux qui braillaient après la scène où Padmé et Anakin flirtent dans l'herbe de Naboo auront révisé leur jugement. Au moins, cette scène assez mièvre faisaient avancer les sentiments des deux personnages. Là, on a donc droit à une succession de scènes sans enjeu, si ce n'est la cavalcade d'une horde de bestiaux extraterrestres dans le casino, de dialogues d'une platitude extrême et surtout tout ceci ne sert à rien vu que le craqueur se révèle être un traitre au service du Premier ordre et que les héros ne parviendront pas à désactiver le dispositif du premier ordre. A moins que cette mission gâchée ne soit que prétexte au sacrifice d'un nouveau personnage...

Les derniers Jedi dure 2H30. En enlevant cette sous-intrigue, on aurait eu un métrage d'une durée plus canonique et son efficacité aurait été décuplée. 

C'est d'autant plus dommage car, je le répète, l'idée de cette course poursuite entre le premier ordre et la résistance dans l'espace est fabuleuse, génératrice de tensions au sein des héros (j'ai particulièrement aimé la façon dont Poe Dameron semble faire tout le temps les mauvais choix) d'autant plus que Leïa, gravement blessée n'est plus là pour apaiser les choses. Au passage, ceux qui critiquent la scène de son sauvetage oublient juste que, en tant que fille d'Anakin, elle possède aussi la force, mais n'a jamais voulu la développer que cela soit dans l'univers étendu (même si dans la BD Leïa paru en 2016, elle sentait la présence de sa mère quand elle visitait Naboo) ou les films. Après, tout Luke ne dit-il pas sur Endor "Ma soeur a ce don". Quel dommage que la mort de Carrie Fisher empêche toute évolution de son personnage dans ce sens ! En tout cas, l'épisode 8 lui donne un film digne de son rang !

En fait, à la différence des épisodes I à VI, où Lucas avait une trame depuis le début, on a un peu l'impression que la nouvelle équipe créative avance un peu au jugé. Cela explique sans doute ce sentiment d'inachevé.

Heureusement, les relations entre Rey et Luke, ainsi que son lien avec Kylo Ren (même s'il est expliqué que de manière fugitif par Snoke), et tout ce qui tourne autour de la force, sont fabuleuses. Certes, le script détruit l'aura des Jedi, mais après tout, Luke a-t-il vraiment tort quand il estime qu'ils ont laissé Dark Sidious s'emparer du pouvoir? On peut toutefois se demander d'où il tient ce nom. Peut être que Yoda lui en a parlé sur Dagobah. Luke est terrifié  à l'idée d'avoir échoué tout comme Obi-Wan avait échoué avec son père. Et que son échec a permis l'émergence d'un personnage encore plus sombre que Vador.

Rey idéalisant les Jedi , disparus de la galaxie depuis plus de 50  ans en tant que force majeure  politique, elle ne peut qu'être horrifiée par l'attitude de Luke. Et les rapports entre les deux personnages sont justement inédits : il n'y a pas le respect de Luke envers Yoda  ou le conflit latent entre Anakin ou Obi Wan. Ici, l'opposition est bien plus subtile et la puissance qui émane de Rey, clairement du niveau d'un Mace Windu ou d'un Yoda, laisse entrevoir , on l'espère, un dénouement apocalyptique entre elle et Kyo-Ren.

Luke décide de faire table rase du passé (il brûle l'arbre et les livres sacrés des Jedi, encouragé en cela par le fantôme de Yoda) mais est-il si différent de son neveu qui déclare à Rey vouloir renvoyer dans les limbes Jedi et Sith ? Il est évident que l'ordre ne pourra plus jamais être aussi puissant, alors pourquoi ne pas le laisser disparaître ? Et à ce moment là, le titre prend tout son sens : les derniers  Jedi doivent être pris dans le sens de ultimes. Luke et Kylo Ren pourraient bien terminer le travail de sape de Dark Sidious et Dark Vador entamé dans La revanche des Sith !

Certains fans ont hurlé à la trahison, déçu de voir Luke se transformer en ermite aigri, mais vu son échec, pouvait-il en être autrement ?

Le lien entre Rey et Kylo Ren est également une trouvaille fabuleuse et surtout inédite, même si les dialogues éloignés entre Jedi étaient déjà présents dans les premiers films :  Luke appelant sa soeur au secours après son combat contre Vador, Qui-Gon Jin hurlant "non" à Anakin quand celui ci massacre les hommes des sables, Yoda ressentant la souffrance d'Anakin... Mais jamais à ce point. Et même si le script ne répond à aucune question sur l'origine de Rey (espérons que ce que lui dit Snoke est faux, après tout les Sith sont les maîtres du mensonges) et évacue les chevaliers de Ren, ce lien est l'autre ciment du film. Depuis Le réveil de la force, on sait que Rey est bien plus qu'une pilleuse d'épave. Là, on la voit passer le deuxième stade de sa formation , au moment le plus dangereux pour elle, Luke estimant même qu'elle ait déjà passé du côté obscur.

Et ce lien, sublimé par la séquence sur le vaisseau de Snoke où, alliés un instant, Rey et Kylo Ren vont affronter les gardes de Snoke, fraichement tué par son apprenti, lance le 3e acte de l'histoire, celui où les enjeux culminent .

Car après la superbe bataille d'ouverture, le film va se conclure par l'assaut du Premier ordre sur une résistance décimée. Graphiquement, l'idée de cette terre rouge recouverte de sel est superbe et donne un aspect sanglant à la bataille. Mais c'est l'apparition de Luke , comme surgie de nulle part, qui élève le film à la hauteur des sagas de Luka ! Son combat avec Kylo Ren restera dans les annales d'autant plus que tout n'y est qu'illusion. Le geste où il essuie sa tunique après avoir été bombardé par les quadripodes du Premier ordre laissait à penser qu'il y a quelque chose qui "cloche". Luke , en s'ouvrant à nouveau à la force, a réussi à projeter son corps, un corps idéalisé (rien à voir avec le clochard échevelé vivant en exil) afin de faire gagner du temps à sa soeur et ses troupes.

Et quand le spectateur se rend compte de l'imposture, il est trop tard. Luke quitte ce monde pour se fondre dans la force. Là aussi, certains fans ont hurlé à la trahison, mais pouvait-il en être autrement. Avec sa mort, celle de Leïa (qui n'apparaitra pas dans l'épisode IX) et celle de Han Solo, la galaxie se trouve donc face à ses nouveaux maîtres. Reste à savoir quel chemin emprunteront Rey et Kylo Ren. A moins que Ben Solo ne revienne pour de bon ? Mais après tant d'horreurs, on peut en douter.

Visuellement, le film est à la hauteur et fait honneur à la saga. Pouvait-il en être autrement quand on sait que ILM tient toujours la barre ? Mais je reviendrai sur ce point dans un nouvel article.

En conclusion, sans être parfait (je me répète, mais pour moi La revanche des Sith reste insurpassable, ainsi que le final du Retour du Jedi), Les derniers Jedi est suffisamment puissant pour être une nouvelle pierre de voute de l'univers Star Wars. Espérons juste que le IXe épisode parviendra à l'équilibre et ne se contentera pas d'évacuer les réponses que tout vrai fan espère.  

Le pitch : élevée par sa mère et sa tante sur une île préservée du monde extérieur grâce à une barrière magique érigée par Zeus, l'amazone Diana va se trouver brutalement retrouver confronté à la réalité de la première guerre mondiale...

Il n'est pas peu dire que l'annonce de la présence de Wonder Woman dans BVS en a intrigué plus d'un. Le souvenir de la série télévisée très kitsch des années 70-80, le manque de visibilité de l'amazone dans les comics publiées en France et, avouons le, le ratage retentissant de films consacrés à des super héroïnes (Catwoman, Elektra, Tank Girl...) n'incitaient pas à l'optimisme. Et puis, miracle, l'apparition du personnage aux côtés de Batman et de Superman montrait un personnage charismatique, moderne, jolie sans tomber dans la caricature et , finalement, on a commencé à se dire qu'un film centré sur ses origines serait une bonne idée.

C'est effectivement une bonne idée car au final, Wonder Woman se hisse sans aucun doute à la hauteur du Superman de Richard Donner, aux Batman de Nolan ou à Spiderman 2 de Sam Raimi. Le film tient la dragée haute à une grosse partie du MCU et s'impose comme un sommet du monde DC transposé au cinéma ! Ce qui n'est pas un mince exploit quand on sait que les trois premiers films (Man of Steel, BVS, Suicide Squad) sont quand même de sacrés bons métrages.

En fait la réussite de Wonder Woman tient en deux mots : liberté créative. Que le réalisateur soit une réalisatrice a permis évidemment de mieux comprendre la psychologie du personnage, mais le fait qu'elle ait pu le faire qu'elle avait en tête a grandement facilité cette réussite. Et il est intéressant de voir, sur le making of, que la forte proportion féminine dans l'équipe a permis d'amener une vision différente et d'éviter de tomber dans les clichés des films dédiés aux super héroïnes. Et si WW doit forcément s'intégrer dans un univers plus vaste qui a été défini par Zack Snyder (mais aussi son épouse), Patty Jenkins a clairement créé son film comme un métrage quasi-indépendant, dont le seul lien est la photo qui avait permis à Bruce Wayne de comprendre que la voleuse qui avait piraté les données de Lex Luthor était bien plus qu'une jolie femme, et a également disposé de toute la liberté qu'un tel sujet pouvait offrir. Si on y ajoute un budget pas aussi démesuré que les autres films de super héros, et surtout une excellente histoire retraçant les origines de Diana telles que vues dans le comics classique, Wonder Woman pouvait-il rater sa cible ?

La première partie va donc se consacrer à Themyscas, la légendaire cité amazone où, petite fille, Diana assiste à l'entraînement des autres femmes de son peuple. Bulle intemporelle et idyllique, sublimée par les décors extraordinaires de la côte italienne (même si bien aidés par des renforts numériques), Themyscas est le cadre idéale pour qu'une enfant puisse grandir et s'aguerrir, même si cela déplait quelque peu à sa mère. Diana affirme tôt un caractère quelque peu rebelle et même la tragédie qu'ont subi les dieux de l'Olympe ne parvient pas à la détourner de son idée fixe : devenir une guerrière au service de la paix. Le casting entièrement féminin fait preuve d'une très grande solidité et les figurantes, toutes choisies pour leurs qualités athlétiques, se sont investies à fond dans leur préparation, même si, au final, leur temps de présence à l'image est somme toute réduit.

Puis l'arrivée de Steve Trevor (excellent Chris Pine) va brutalement confronter Diana à la réalité : la guerre existe et , pour elle, elle ne peut être que l'oeuvre d'Arès. Et même si elle a commencé à découvrir l'étendue de ses pouvoirs, elle est loin de se douter de la puissance qui émane d'elle et ce sera le choc éprouvé lors de son entrée dans le monde des hommes qui va, petit à petit, lui donner conscience qu'elle est plus qu'une simple amazone. La bataille sur la plage, superbement chorégraphie prouve que la violence n'est pas que le fait des hommes et que, poussées au pied du mur, elles sont de redoutables adversaires. Diana décide donc d'aller vers le monde extérieur afin de le purger de sa violence.

Le film s'oriente alors vers une véritable et excellente comédie de moeurs. Habituée à un monde matriarcale, coloré et égalitaire, Diana va découvrir un monde où la femme est un citoyen de deuxième ordre, un objet joli mais dénué de pouvoirs. La scène où elle doit choisir des habits et celle où elle est chassée du conseil de guerre montrent bien ces deux facettes : en 1918, c'est "sois belle et tais-toi". Et même si Steve se montre protecteur, ne faisant qu'obéir aux préceptes de son temps, il va vite se rendre compte que Diana est bien plus qu'une jolie jeune femme. Une scène coupée (visible sur le Blu-ray) les montrait d'ailleurs sur le bateau qui les emmène dans le monde réel discuter de choses bien  coquines, à la grande surprise de Steve qui prend conscience qu'il a affaire à quelqu'un bien plus secrète qu'elle n'en a l'air.

La force de Wonder Woman est de présenter ses pouvoirs comme quelque chose de naturel. Elle parle toutes les langues, possède une force surhumaine, peut dévier les balles et son agilité n'a rien à envier à celle de Superman. Le spectateur sait qu'elle est une guerrière née puisqu'il l'a vue terrasser Doomsday dans BVS. Mais la façon naturelle dont Gal Gadot s'est emparée du rôle force le respect. C'est elle qui fait croire au spectateur qu'elle possède tous ses dons. De ce fait, le film n'a pas besoin d'explications superflues. Et si cette partie est pauvre en action, elle va poser tous les enjeux de l'histoire.

Enfin, le dernier et long acte voit l'héroïne en action. D'abord sur les champs de bataille, puis contre les armes secrètes allemandes et enfin contre Arès. Quand on sait que l'histoire originale vient de Zack Snyder, on comprend mieux que ce troisième acte soit si riche en action, même s'il ne tombe pas dans la surenchère gratuite. Car ce qu'accomplit Diana est dicté par son coeur, pas par sa colère ou par un sentiment d'injustice. Personnage au coeur aussi pur que celui de Superman, Diana veut réellement mettre fin à la guerre et offrir aux hommes la paix qu'elle connaissait sur son île. On comprend que la brutalité des scènes auxquelles elle va assister va ébranler sa foi et la conduire vers le personnage quelque peu cynique et désabusé de BVS.

L'une des bonnes trouvailles du film est d'avoir mis Diana à la tête d'une petite escouade de soldats tous très différents les uns des autres (d'où la fameuse photo). Cette idée permet d'alléger le ton de la dernière partie et de démultiplier les points de vue lors des scènes finales, même si le combat entre Wonder Woman et Arès va focaliser l'action du spectateur. Un duel très spectaculaire et qui, après avoir offert deux actes finalement très terre à terre, remet le film dans sa dimension  mythologique.

Wonder Woman est donc une réussite quasi-totale (tout juste peut-on noter une baisse de rythme au deuxième tiers du film et quelques dialogues un peu mièvres), portée par une réalisatrice et une actrice totalement habitées par leur sujet. Le succès mondial du film, le fait qu'il sera le film de super-héros le plus vu aux USA cette année est amplement mérité. Et dans le contexte nauséabond de l'affaire Weinstein et autres pervers hollywoodien, il arrive pile au bon moment pour balancer un sacré pavé dans la mare : oui une femme peut tenir à bout de bras un blockbusters, en faire une réussite visuelle et obtenir un triomphe mondial. Puisse l'industrie du cinéma en tenir compte !

Quelques mots sur le Blu-Ray. L'image et le son sont superbes, avec de très bonnes pistes arrières lors des scènes de combat. Franchement , Warner ne se moque pas de nous. Quand au long making of, divisé en une dizaine de modules, il est à l'image du film : brillant, bien écrit, très didactique et surtout il rend bien hommage à toutes les femmes qui ont travaillé sur le projet, avec une mention spéciale quand une classe de jeunes filles désirant travailler dans le cinéma viennent visiter le projet ! Les vrais Wonder Women, ce sont elles finalement : des femmes et des filles qui désirent prendre d'assaut un monde patriarcal, non pas pour le singer, mais pour l'améliorer.

Le pitch : K, un répliquant de nouvelle génération, chargé de traquer les vieux modèles Nexus qui se cachent encore sur Terre depuis 30 ans, découvre une chose qui pourrait changer la face du monde et va, petit à petit, être amené à changer de camp.

Le chef d'oeuvre de Ridley Scott est sans conteste l'un des plus beaux films de toute l'histoire du cinéma ! Une oeuvre parfaite où le visuel grandiose se conjugue à un scénario palpitant et une mise en scène d'anthologie. Et malgré les différentes versions, Blade Runner que cela soit celui de 82, 92 ou 2002, est inscrit au panthéon du cinéma. 

Autant dire que la mise en chantier d'une séquelle avait de quoi inquiéter, surtout aussi longtemps après. La nomination (et l'adoubement par Scott) de Denis Villeneuve a tempéré ses inquiétudes. Puis la bande annonce a clairement montré la direction prise et enfin la vision du film a confirmé que Blade Runner 2049 s'inscrivait de manière magistrale dans les pas de son aîné.

Il aurait été tellement facile de massacrer la "franchise" en banalisant le propos, en en faisant un simple film d'action alignant les scènes spectaculaires ou en affadissant le propos.  L'intelligence des concepteurs de la séquelle a été de se rappeler ce qu'est Blade Runner, et non pas de le faire à leur sauce. 

Qui plus est, on a droit à une véritable suite et non un faux remake. L'histoire parle toujours de ce qu'est un être humain, ce qui le définit, mais la quête de K ajoute une couche supplémentaire : et si l'humain artificiel pouvait dépasser l'homme y compris dans le domaine de la création ?

C'est cette question qui est au centre du film et de la recherche de K. Simple "objet" obéissant aux hommes qui pourtant le méprisent, le répliquant (interprété subtilement par Ryan Gosling) va petit à petit s'émanciper de sa tutelle humaine pour tenter de vivre sa propre existence. Sa quête va l'amener à retrouver Dekkard, toujours en vie après les évènements de 2019. Et si l'ambiguïté du premier film n'est plus de mise (d'entrée, la couleur est annoncée : K est un répliquant), la rencontre entre les deux personnages, outre le fait de créer un pont entre les deux films, permet surtout de rappeler à quelques égarés que Ford est un grand acteur et que son panthéon personnel (Han Solo, Harrison Ford, Dekkard, Richard Kimble ou Jack Ryan) ne sera sans doute jamais égalé. La vieillesse lui va comme un gant et le script joue de cette façon dont l'ancien Blade Runner a évolué, comment il s'est caché après s'être enfui avec Rachel.

Visuellement, le film est également à la hauteur de son aîné. Mais on pourrait dire que c'est la partie la plus facile, vu que les moyens colossaux (150 millions de dollars de budget) ont rendu la partie plus simple. Sauf que lorsqu'on lit les articles sur les SFX, on s'aperçoit que les concepteurs des effets visuels ne se sont pas contentés de simples images de synthèse mais, au contraire, ont utilisé des maquettes, des plateaux réels... A l'instar de Christopher Nolan qui ancre ses effets dans la réalité, Villeneuve a voulu que son Blade Runner 2049 soit physiquement présent et non entièrement issu d'ordinateurs ! La vision pessimiste qu'il propose prolonge évidemment celle de Ridley Scott, même si les lieux visités par ce film sont quasiment vides le plus souvent (le Las Vegas de 2049, les fermes californiennes, la "plage" de la scène finale) alors que ceux du film original grouillait comme des fourmilières. Mais le climat est toujours aussi déréglé, la brume et la pluie omniprésente et même les décors mégalomaniaques de la Wallace Corporation, qui a pris le relais de la Tyrell Corporation, évoque un monde qui n'est plus tout à fait conçu pour l'homme.

A cela s'ajoute des trouvailles exceptionnelles comme ce programme informatique qui permet à K de s'inventer une vie sentimentale et qui va s'avérer bien plus qu'un simple gadget. Les effets visuels permettant la création de la "compagne" sont également extraordinaires. Mais comme pour l'original, ils sont toujours au service du film.

La musique participe également de la réussite. En s'inspirant du score électronique de Vangelis, Hans Zimmer supervise un score tout en élégance et en longues plages planantes. Les deux musiciens à son service n'ont pas non plus cherché à "moderniser" le travail mais bel et bien à rendre hommage. Certaines scènes sont sublimées par la bande originale, notamment les moments où K survole la ville.

Enfin, il faut parler de la mise en scène de Denis Villeneuve. Il s'inscrit dans les pas de Ridley Scott tout en gardant son propre style, ce qui est tout de même exceptionnel ! Jamais il ne cherche à ré-inventer la roue, mais jamais il ne cherche non plus à renier sa façon de faire. En fait, il se met au service de l'histoire tout en faisant son film. Si Scott avait été aux commandes de cette séquelle (on sait qu'il en parle depuis 1995), le film aurait été sans doute différent.

En soi, Blade Runner 2049 est donc, à mes yeux, une réussite totale, qui place la barre très très haute. S'il est encore trop tôt pour savoir si l'aventure continuera (les résultats mondiaux sont corrects, mais sans doute loin des espérances de Sony), contentons nous de ce que nous avons déjà : deux chefs d'oeuvre réalisés à 35 ans de distance par deux visionnaires ! Franchement, c'est déjà exceptionnel !