Le pitch : alors que la ville de Derry, dans le Maine, subit une vague inquiétante de disparitions d'enfants, un groupe de gamins tente de comprendre ce qui arrivé au petit frère de l'un d'entre eux.

Adapté d'un monstrueux pavé de Stephen King, qui fut un succès littéraire hallucinant dans les années 80 (et dont deux protagonistes feront un retour réussi dans des rôles secondaires du non moins fabuleux 22/11/63) , Ca aurait pu sombrer dans le kitsch à l'instar de la série télévisée de 1990. Sans être ratée, cette série qui bénéficiait de l'excellente interprétation de Tim Curry et d'un scénario plutôt bien fichu était plombée par des effets visuels pas vraiment convaincants, notamment dans le final. En 2017, on pouvait donc espérer une version plus moderne et plus effrayante.

Surprise ! Ca 2017 fonctionne vraiment très bien et ce, sur tous les tableaux. Les scories de la série télévisée ont été éliminées (les effets spéciaux sont très bons), les passages effrayants le sont vraiment et ne lésinent pas sur les classiques pour vous faire sursauter dans le fauteuil (musique, scènes chocs) et les thèmes les plus sombres du roman (morts des enfants, harcèlement, viol incestueux) ne  passent pas à la trappe même si la relation entre Beverly et son père est habilement suggérée et non pas abordée de manière frontale. Notons quand même qu'un aspect essentiel qui permet aux enfants de se retrouver en tant que groupe dans les égouts n'apparait pas. Peut être sera-t-il dans la 2e partie (dans le roman, c'est dans la partie "adulte" qu'on apprenait comment Beverly réunissait le groupe) mais il est évident que la méthode utilisée était impossible à mettre en scène au cinéma.  Enfin, la mise en scène, très classique pour un film d'épouvante, est sacrément efficace.

La deuxième surprise vient du scénario. A la différence du roman qui entremêle la vie adulte des personnages et leur enfance, le film adopte une structure bien plus simple, se focalisant sur la jeunesse de ceux que l'on appelle "Le club des ratés". Cette astuce scénaristique vise deux objectifs : ne pas compliquer le récit et surtout avoir une conclusion au cas où le film n'aurait pas marché. Comme le succès a été au rendez vous, on aura bien droit au pendant des adultes combattant Grippe-sou, mais en cas d'échec commercial, le film se serait suffit à lui même. Une précaution bienvenue dans ces temps où plus aucun film n'est certain de se rembourser en salle. 

Du coup, on se retrouve avec une histoire plus linéaire, mais qui prend le temps de présenter chaque personnage et chaque traumatisme. Et comme le casting est plus que réussi, on va forcément s'attacher à chaque enfant, gage d'identification qui rend plus effrayante chaque scène où le clown apparait.

Ca commence par une scène traumatisante, représentant la mort de Georgies, petit garçon de 6 ans massacré par le clown. Graphiquement épouvantable, cette scène donne le ton et lance l'histoire. Et surtout dit en substance au spectateur (qui ne demande que cela) que rien ne sera vraiment édulcoré. Les passages chocs du roman (le geyser de sang chez Beverly, le chalutage du ventre de Ben, le meurtre du père d'Henry Bowers) sont là et aucunement suggéré. On pourra ergoter que certains aspects de Ca dans le roman (un loup garou, un oiseau préhistorique) sont ici moins spectaculaires, mais n'oublions pas que seulement 35 millions de dollars de budget ont été alloués.

Autre changement par rapport au livre , l'époque où se déroule les évènements "enfantins" de Ca. Dans le livre, les enfants connaissent cet été cauchemardesque dans les années 50 et sont adultes dans les années 80. Là le film se déroule dans les années 80 et la partie adulte sera donc contemporaine de notre époque. Ce changement temporel permet un curieux jeu de miroir avec les productions Amblin de cette époque , comme les Goonies voire avec le récent Super 8 qui, lui aussi, s'ancrait dans les eigthies. La vision du film permet d'ailleurs de se rappeler qu'au niveau vestimentaire, on ne fut pas dans la décennie la plus heureuse.

Réalisateur du plutôt flippant Mama, Andres Muschietti ne cherche pas à renouveler le genre mais s'en sert avec une efficacité redoutable. Si on peut regretter que chaque scène choc est un peu trop annoncée (la musique , les angles de caméra, les changements de perspective), même prévenu, on se fait tout de même avoir. Et c'est là l'une des forces de film : même en étant certain de ce qu'il va se passer, on se surprend à sursauter. Muschietti connaît son job et le fait de manière très professionnel ! Certains diront que le film est trop mécanique, mais comme pour une comédie, un film d'épouvante se doit d'être efficace. Ca l'est de manière redoutable.

Mais la plus grande réussite du film réside dans son casting. Les gamins sont criants de vérité et le club des ratés est formidablement bien croqué. L'alchimie fonctionne à fond et les scènes les plus calmes (comme celle de la baignade) font penser au merveilleux Stand by Me. On sait que chez King, l'horreur se mêle à la réalité de manière fusionnelle et le film respecte cet équilibre, passant de scènes tout à fait anodine, où s'affirme surtout la psychologie des personnages, à des scènes de pur terreur. Et comme le casting est une réussite, les enfants sont aussi à l'aise dans la comédie que dans l'horreur. Sans aucune star à son générique, Ca donne donc sa chance à une bande de jeunes comédiens qui n'hésitent pas à payer de leur personne que cela soit physiquement ou psychologiquement. La jeune actrice qui interprète Beverly a d'ailleurs plusieurs scènes très difficiles, que cela soit dans les rapports avec son père ou quand elle se terre dans les toilettes des filles. Et pour tordre le cou à ceux qui hurlent au "ethniquement correct", dans le roman, Michael est bel et bien afro-américain !

Au delà de l'horreur, la métaphore du roman apparait évidente à savoir les difficultés de ceux qui ne parviennent pas à s'intégrer dans une société finalement très conservatrice. Chaque enfant possède son "défaut" qui ne lui permet pas de se fondre dans la masse. Ben est en surpoid, Beverly est abusée par son père, Bill bégaie, Eddie est asthmatique et trop couvée par une mère énorme, Michael est orphelin et obligé de vivre avec le souvenir de la mort des parents...Même le judaïsme de Stan est une tare aux yeux de Henry Bowers et des voyous de Derry. Le moins "touché" de la bande, Ritchie cache sans aucun doute des blessures profondes sous ses plaisanteries graveleuses. Mais ses énormes lunettes en font de toute façon une cible de choix pour tous ceux qui aiment se moquer des autres.

Dans ce contexte, le clown n'est que la matérialisation de leurs peurs et l'affronter les fera passer à l'âge adulte, même si le prix à payer  sera terrifiant quand ils auront grandi. On peut d'ailleurs regretter que cet aspect soit le moins abouti du film, qui se contente parfois d'enchaîner les scènes chocs, sans toujours retrouver la finesse du livre. Ainsi si le club des ratés est vraiment bien dépeint, la bande d'Harry Bowers est trop caricaturale, alors qu'elle es également superbement bien analysée par King dans le roman.

Si certains détails sont modifiés (par exemple, le bras cassé de Eddie est du à Henry dans le roman), Ca s'avère suffisamment fidèle pour faire oublier l'adaptation de 1990. L'interprète du terrible clown, bien aidé par les effets visuels, est à la hauteur de ce que l'on attend de lui.

Au final, sans prétendre au rang de chef d'oeuvre, Ca est une vraie bonne surprise, un film réussie et sans doute l'une des  meilleures adaptation de Stephen King au cinéma ! Vivement la suite et la conclusion que l'on espère aussi cataclysmique que dans son alter ego de papier.

Le pitch : alors que la lassitude commence à se sentir pour les membres de l'Entreprise, engagés dans une mission de 5 ans afin d'explorer la galaxie, un  SOS émanant d'une étrange jeune femme va les conduire dans un piège dont les fondations remontent d'avant la création de la fédération et qui menacent la gigantesque station spatiale de Yorktown.

Après deux épisodes menés tambour battant par JJ Abrams qui, mine de rien, fit preuve de bien plus d'audace que sur Le réveil de la Force, on attendait avec beaucoup d'impatience comment la série allait continuer à évoluer sur grand écran. Force est de constater que si Sans limite est un bon épisode, il n'a pas la puissance révisionniste du premier opus ni la noirceur affichée de Into Darkness, la faute à un récit éclaté qui s'apparente plus à celui d'une des série télévisée Star Trek qu'à un métrage sur grand écran.

Abrams ayant laissé sa place à Justin Lin, la mise en scène va s'en trouver quelque peu modifiée mais ne perd en rien son côté grandiose. On aurait pu craindre qu'après  les bolides de Fast & Furious (Lin a réalisé les épisodes 3 à 6) , passer à l'espace intersidéral poserait quelques soucis  au réalisateur, mais il n'en n'est rien. Les gigantesques scènes d'action comme la destruction et le crash de l'Enterprise ou l'attaque de la  station Yorktown par un essaim d'engins sont magistrales, sans doute les plus sophistiquées que l'on ait jamais vues sur un Star Trek au cinéma. Parfaitement filmées, elles constituent le point fort du film ! Mention spéciale à la scène d'ouverture, dont l'humour pince sans rire porte bien la marque de Simon Pegg (qui, en sus de son rôle de Scotty, a co-écrit le film) !

Les environnement spatiaux relèvent aussi de l'inédit. Ainsi, la nébuleuse dont émane le SOS est superbe, ainsi que la planète où vont se disperser les membres de l'Entreprise. Quand à la station spatiale Yorktown, elle fait passer celle d'Elysium pour un petit assemblage flottant dans l'espace. Tout le film a été pensé pour en mettre plein la vue et le titre original "Au delà" est bien adapté.

Mais d'où vient ce sentiment d'inachevé. Tout simplement d'un script qui ne s'élève pas à la hauteur du travail technique. Après une première partie de haute volée, les deux scénaristes décident de séparer les personnages principaux après le crash de l'Enterprise. Scotty se taille d'ailleurs un rôle un peu plus conséquent (on n'est jamais si bien servi que par soi même après tout), en rencontrant une guerrière isolée qui vit dans un vieux vaisseau de la fédération. Les autres membres connaissent des fortunes diverses (Spock blessé, Kirk obligé d'admettre la trahison de celle qui lui a demandé de l'aide...) mais cette dispersion nuit à la continuité du récit. On saute d'un groupe à un autre, mais sans jamais trembler pour eux et surtout en subissant quelques longueurs qui ne font pas avancer l'intrigue. Qui plus est, les motivations du méchant , Khal, (pourtant très bien interprété par Sofia Boutella) sont quelque peu confuses voire illogiques, notamment au niveau de son langage. Je n'en dis pas plus pour ne pas spoiler. 

Il est cependant amusant de voir que Justin Lin retrouve ses sensations de Fast&Furious lors d'une superbe séquence où Kirk s'attaque au camp ennemi sur une "antique" moto ! Sans aucun doute, la meilleure scène se situant sur la planète. Les décors construits dans une carrière et prolongés par les effets visuels tranchent agréablement avec les environnements spatiaux. Il est à noter que même Yorktown est basé en grande partie sur des scènes filmées à Dubaï, sans doute l'une des villes les plus étonnantes de notre planète. Bien entendu, par la magie du numérique, les buildings sont démultipliés, modifiés, renversés...pour donner une véritable arche spatiale.

Le film reprend du poil de la bête dans sa conclusion, quand la menace se fait vraiment précise et que l'équipe se trouve à nouveau réuni. Alors, si on peut trouver un peu ridicule qu'un bon vieux tube de rock'n'roll suffise à perturber l'armée du vilain, les scènes finales, y compris un très bon mano à mano entre Kirk et Kahl permettent de finir sur une excellente note et Star Trek sans limite retrouve enfin le souffle des deux premiers épisodes. 

Regrettons aussi que les personnages semblent faire quelque peu du surplace. Spock et Uhura voient leur idylle faire une pause,  Kirk a des états d'âme, Scotty se contente de faire du Scotty... La seule petite audace que se permet le film est que Hikaru Sulu soit en couple avec un autre homme (et encore, j'avoue que je ne l'ai compris qu'en regardant les bonus du Blu-ray). Bref, on aurait aimé un peu plus d'audace.

On notera que le scénario a pris soin d'intégrer, de manière subtile et touchante, la mort de Léonard Nimoy, le premier Spock. Anton Yelchin a eu droit à son hommage dans les bonus du Blu-ray.

Le moindre succès de Sans limite (158 millions aux USA, soit 100 de moins que le premier opus et 70 que Into Darkness , 343 dans le monde entier) s'explique donc par une relative déception des Trekkies. Le film n'étant pas tout du long à la hauteur des espérances lancées par le reboot, son énorme budget de 185 s'est trouvé tout juste en équilibre et il n'est pas certain que les aventures sur grand écran repartent de sitôt, les studios étant de plus en plus frileux, surtout après un été 2017 catastrophique pour la majorité des franchises.

Le Blu-ray, qui m'a servi de base pour cette chronique, présente une image extraordinaire, colorée, d'une grande profondeur et servant à merveille les fabuleuses scènes spatiales. Une véritable perfection technique.

Le pitch : alors qu'il cherche un endroit plus sûr pour son peuple, César se voit confronté à un soldat fanatique qui ne vit désormais plus que pour exterminer les singes.

(Nota  : oui, je mets 5 * à Suprématie comme je l'ai fait pour Spiderman, car, même si les films sont très différents par leur traitement, leur sujet, leur cinématographie, ils sont, à mes yeux, deux représentants parfaits de leur style ! Les internautes qui me jugent pitoyable sont donc prévenus. Je ne me plie pas au politiquement correct ni aux diktats stupides de ceux qui veulent ranger le 7e art dans des cases...)

Matt Reeves conclut donc (provisoirement) le reboot/préquelle par un épisode sombre, âpre, chiche en action mais riche en réflexion et ouvre la voie au classique de 1968. Vendu comme un film de guerre par la bande annonce et son titre US, Suprématie est en fait l'aboutissement du destin de César qui, tel Moïse, guidera son peuple vers la terre promise sans pouvoir l'atteindre. 

En fait, la guerre est bien présente. Mais hormis au tout début du film (deux séquences d'affrontement entre les deux communautés, la première dans la forêt, la deuxième dans les grottes, les deux filmées de main de maître) et la conclusion du 3e acte (je n'en dis pas plus), la guerre se trouve plutôt dans l'esprit de César, tourmenté par ce qu'il a du faire à Koba. Le fantôme de celui-ci revient le hanter et le faire douter de sa détermination à co-exister avec les humains. Et quand la vengeance s'empare de lui, César va comprendre qu'il n'est pas si différent de Koba ni même de l'homme.

Ce qui est remarquable avec ce reboot/préquelle, c'est d'avoir gardé une qualité constante et de s'être ré-inventé à chaque film. A l'heure où chaque séquelle fait souvent du copier/coller du précédent, en augmentant la pyrotechnie , Suprématie ose aller dans le sens inverse et refuse la surenchère. 

Pourtant, Suprématie continue d'ébahir par sa technique incroyable. Les singes sont toujours criant de vérité (la palme revenant à Maurice) à tel point qu'on en vient à oublier que ce ne sont que des pixels habités par des acteurs talentueux. La prestation hallucinée de Woody Harrelson vient en contrepied de la pudeur des singes en général et de Andy Serkis en particulier. Car, tout comme Gary Goldman dans l'opus précédent, il fallait bien un homme pour présenter le versant le plus noir de l'humanité. ici, le colonel (allusion à peine déguisée à Apocalypse Now) est à la fois l'instrument de destruction des hommes et l'ultime espoir d'une humanité mourante, dépassée par sa création.

Cependant, Suprématie laisse filtrer quelques rayons lumineux. Le personnage de Nova est magnifique (la jeune actrice est vraiment très douée) et le singe "comique" permet tout de même quelque saillis amusantes, respiration nécessaire dans un métrage souvent étouffant. La longue partie où les singes se retrouvent sous la domination des hommes, piégés entre deux armés humaine et où César passe de la position de chef incontesté à un symbole christique est sans aucun doute la meilleure de toute la saga. Pourtant, elle ne comporte quasiment aucune scène "spectaculaire", mais de longs tunnels de dialogue, de regards appuyés entre César et le Colonel. Et à travers ces échanges, on devine ce qui amènera l'humanité à sa quasi extinction !

Noir, âpre, pessimiste dans sa description de la nature humaine, mais aussi simiesque - après tout, César en voulant assouvir sa vengeance ne fait qu'emprunter les traits les moins nobles de l'homme -, Suprématie ne cherche pas à caresser le spectateur dans le bon sens, ce qui explique sans doute sa relative contre-performance au BO (138 millions aux USA, 323 dans le monde entier, bien en dessous des autres films), mais répond à la logique de la série : il s'agit de faire le lien avec le film classique. Pourquoi l'homme a perdu son intelligence, sa voix ? pourquoi une telle haine des singes pour ce qui reste de l'humanité ? Pourquoi un tel recul technologique ?

La Fox s'est gardé une porte de sortie car à la fin de Suprématie reste une question en suspens : pourquoi une guerre nucléaire a-t-elle ravagé la planète ? Espérons qu'un 4e film nous en donnera le sens.

En tout cas, la réaction d'une spectatrice présente derrière moi au moment où César est blessé a montré que Matt Reeves et son équipe ont atteint leur but : quand le spectateur éprouve de la crainte pour un personnage qu'il sait au fond de lui n'être qu'un effet visuel, c'est qu'il a accepté de faire tomber la frontière entre fiction et réalité !

Suprématie est bel et bien le chef d'oeuvre que nous attendions. Et si la série doit s'arrêter là, alors la Fox n'aura pas à rougir du travail accompli depuis 6 ans !

Le pitch : alors que les Transformers et les humains qui les aident sur Terre sont traqués par le gouvernement, Optimus Prime se retrouve face à un cruel dilemme.  Dans le même temps, Cade Yager va accéder à des pans entiers de l'histoire des robots géants...

5e épisode d'une franchise qui, à mon humble avis, ne s'essouffle absolument pas , The last Knight reprend l'histoire quelques années après la fin ouverte de L'âge de l'extinction, continuant à approfondir la mythologie et établissant encore plus Michael Bay comme l'un des plus grands réalisateurs de notre époque.

Je sais que j'en indispose quelques un en disant ceci, mais je suis un fan absolu du cinéma de Bay et ceci depuis Bad Boys. Le sieur possède un talent inné pour assembler les images les plus complexes, composer des scènes d'actions délirantes (à cet égard, le dernier acte du film est absolument époustouflant) sans jamais se prendre au sérieux vraiment ! On pourrait lui reprocher son humour parfois lourd (ici, une scène de dialogue à double sens entre Yager et la nouvelle héroïne absolument hilarante) ou sa propension à passer trop brutalement d'une ambiance à une autre. Mais quel autre réalisateur maîtrise à ce point son médium ? Ils se comptent sur les doigts de la main : Scott, Nolan, Fincher, McTierman, Spielberg, Cameron et quelques autres. Mais Bay possède un style encore différent, fait de frimes et de modestie à la fois ! Car qui peut abuser de ralenti sur les superbes carrosseries de ces engins (non, je ne parle pas de ces héroïnes, même s'il y a peu de cinéaste pour filmer aussi bien les femmes) tout en composant des plans absolument magnifiques des endroits les plus inattendus comme la casse où se sont réfugiés Yager Et Blumblebee ?

Le cinéaste n'a absolument rien perdu de sa maestria et chacun des "petits" films qu'il réalise entre chaque blockbusters (No pain no gain, 13 hours) lui permet d'expérimenter ce qu'il fera en  grand sur un Transformers. Ici, ce sont clairement les vues aériennes qui ont bénéficié du travail qu'il avait tenté (et réussi) sur 13 hours. Mais ce qui m'étonne toujours, c'est que les énormes scènes d'action ont l'air d'avoir été facile à filmer,  que n'importe qui peut faire de même. Là est le secret  de Michael Bay : faire croire qu'un long métrage est à la porté de n'importe qui ! Or, il est évident que derrière chaque plan, chaque scène se cache un travail énorme, des milliers d'heures dont le seul but est d'offrir aux spectateurs la meilleur des images possibles. 

A l'instar des grands artistes de la Renaissance, ceux qui touchaient à tout avec un égal talent, Michael Bay domine de la tête et des épaules le 7e art actuel. S'il avait vécu à Florence lors du Quattrocento, Bay aurait ridiculisé ses contemporains et les peintures de Santa Maria del Fiore seraient encore plus grandiose.

Mais quid de l'histoire ? La critique se focalise souvent sur les scripts des Transformers, oubliant que ce sont des histoires destinés à tous. Transformers 5 ne déroge pas à la règle et il est évident qu'on n'y trouvera pas la profondeur d'un Interstellar ou la majesté d'un Exodus. Cependant, et je m'inscris en faux face à ceux qui accusent le maestro de bâcler l'aspect de ses histoires, c'est que comme pour le reste de la saga, le scénario n'est pas simpliste, mais reprend  des éléments de la série animée tout en accentuant la mythologie des Autobots et des Decepticon. Car Bay ne se moque jamais de ses robots, au contraire ! Pour lui, ce sont de véritables personnages, les humains ne faisant que passer.

Commençant par une formidable bataille médiévale (bourrée d'anachronismes, mais qu'importe), l'histoire fait un bon de plusieurs siècles , y compris après les évènements du quatrième film. Il est évident qu'il manque quelques éléments (pourquoi Yaeger est devenu un tel paria , même si l'opus 4 donnait quelques éléments ? ), mais rapidement on plonge dans cette nouvelle aventure avec délice ! En changeant de continent une nouvelle fois, (l'Europe après l'Asie), le scénario permet de jongler avec certains de nos mythes fondateurs (le roi Arthur, Stonehenge) et son aspect carte postale, notamment à Oxford, permet également à Bay d'étaler sa maîtrise de la belle image. Je n'ose imaginer la puissance des documentaires qu'il réaliserait si on lui en donnait les moyens !! Alors, bien sûr, ceux qui connaissent la ville universitaire Oxford s'étonneront de voir que l'héroïne (une prof d'université comme j'en ai rarement vu durant mes études) passe de Magadelene Collège au musée d'histoire naturelle d'Oxford, distant de plusieurs kilomètres, en passant une porte, mais qu'importe là aussi. Là n'est pas le propos.

En redéfinissant le rôle de chacun, y  compris celui d'Optimus Prime, curieusement absent d'une énorme partie du film, le script cherche à ne pas se répéter tout en reprenant des personnages qui n'étaient pas présent dans l'opus 4. En fait, The last Knight est le parfait lien entre les deux trilogies (la fin ouverte laisse espérer une fin apocalyptique) et tant pis pour ceux que Transformers insupportent, estimant que le script mélange tout et n'importe quoi, réécrit l'histoire avec de gros sabots et part dans tous les sens. 

En fait, la saga a toujours procédé ainsi. La mission lunaire Apollo 11, l'extinction des dinosaures, la construction des pyramides... Toute l'histoire humaine est jalonnée par les actions des Transformers. Cela vaut bien toutes les théories du complot dont on nous gave depuis des années. 

Alors, oui, Michael Bay ne fait pas toujours dans la subtilité, use et abuse d'artifices clipesque, filme ses héroïnes très souvent en contre-plongée afin de mettre en valeur leurs atouts physiques et malmène ses héros, n'hésitant à exagérer leur côté beauf ! Sans doute tout ceci est à son image (il suffit de l'écouter pour se rendre compte que sa culture est prodigieuse), mais on ne peut pas lui ôter ceci : il a le don de prendre le meilleur de n'importe quelle histoire et de la transcender sur un écran géant. Et tant pis si Anthony Hopkins dit n'avoir rien compris à l'histoire (ce que je ne crois absolument pas), depuis combien de temps n'a-t-il pas été mis à ce point en valeur ? De même  la plastique de Mark Wahlberg !!

En fait, Bay est né pour faire du cinéma. Mieux encore, le cinéma était fait pour Bay, comme la peinture le fut pour De Vinci ou la sculpture pour Michel-Ange !

Transformers 5 n'est qu'une étape supplémentaire dans une filmographie démentielle commencée il y a 22 ans et qu'on espère admirer pendant encore longtemps !

Le pitch : Alors qu’il se réveille à Florence, sans aucun souvenir des dernières 48 heures, Robert Langdon se retrouve mêlé à une menace de pandémie mondiale et doit fuir avec une mystérieuse jeune femme.

Après la réussite d’Anges et démons et le très bon Da Vinci Code, on attendait avec un interêt certain la 3e adaptation des aventures du héros créé par Dan Brown. Mais si le très complexe Le Symbole perdu (qui se déroule sur le sol américain et prend comme décor la franc-maçonnerie) est passé à la trappe, l’excellent Inferno se voit donc adapté pour le cinéma avec le même équipe devant et derrière la caméra.

Cependant, malgré le soin apporté à cette adaptation, l’ajout de quelques guest stars de prestige (comme notre Omar Sy national), force est de constater que Inferno - le film se révèle inférieur à Inferno - le roman. La faute à une intrigue qui cherche à condenser trop de choses (le livre fourmille de détails érudits, de lieux magiques à explorer et de pistes secondaires) et ajoute une romance entre Langdon et la directrice de l’OMS qui ne sert pas à grand chose.

De ce fait, on a parfois l’impression d’assister à un défilé dans des cartes postales alors que dans le livre, les lieux évoqués font tous avancer l’histoire. Il est clair qu’adapter en film un roman aussi foisonnant et complexe, s’adressant tout autant à l’amateur de thriller qu’à l’amateur d’histoire de l’art est une gageure. Peut être qu’une mini-série aurait été plus judicieuse.

Cela étant dit, les critiques qui se sont abattues sur le film ont quelque chose de très exagéré. Car d’une part, le rythme ne faiblit pas et l’intrigue remplit parfaitement son but : divertir. Et d’autre part, le film a tout de même gardé une bonne partie des sites visitées (à Florence surtout, Venise et Istanbul voyant leur « présence » à l’écran nettement réduite) ainsi que ce qui tourne autour de Dante. Car Inferno traite autant d’une pandémie à venir, même si, ici, elle n’aura pas l’impact dramatique du roman, que de l’oeuvre géniale de l’auteur de La divine comédie.

La mise en scène de Ron Howard se veut également très différente de celles de Da Vinci Code ou Anges et démons. Elle est plus expérimentale, notamment dans les visions de Langdon, ces tentatives de retrouver la mémoire et l’évocation de la pandémie, plutôt effrayante. Les scènes d’actions sont également très bien emballées, le bagage technique du cinéaste permettant une lisibilité parfaite et un suspens constant, même pour qui a lu le livre.

Au niveau forme donc, rien à dire ! Tom Hanks est toujours aussi convaincant dans le rôle de ce professeur d’Harvard plongé malgré lui dans des aventures qui le dépassent et le reste du casting est au diapason. Mais, on regrettera que les modifications et les simplifications de l’intrigue réduisent certains personnages à l’état de silhouette. Omar Sy voit son personnage sacrifié sans que cela ne fasse avancer l’histoire.

A l’inverse, Sienna, interprétée par Félicity Jones (Rogue One) est extrêmement bien cerné. En fait, on sent que le script s’est focalisé sur l’essentiel du roman, mais a laissé un peu trop dans l’ombre les arrières plans, ce qui est bien dommage car on perd en profondeur, ce que Anges et Démons avait parfaitement réussi. C’est d’ailleurs étonnant car David Koep qui a rédigé le scénario nous a habitué à plus de rigueur.

Adapter un livre de Dan Brown n’est pas chose facile. L’écrivain se fait fort de divertir son lecteur tout en le faisant voyager et en l’instruisant. Les références culturelles sont nombreuses et Inferno  n’en reprend qu’une partie, ce qui ne peut que décevoir les lecteurs. 

Mais en l’état, en faisant abstraction du livre, Inferno est un bon thriller, élégant, érudit et très bien mis en scène. Et si son score US est extrêmement décevant (34 millions seulement), son score mondial de 220 millions a largement permis de rembourser les 75 de budget. L’avenir de Langdon au cinéma est sans doute compromis, mais la « trilogie » offerte par Tom Hanks et Ron Howard n’a pas à rougir et les critiques reçues sont, à mes yeux, illégitimes.