Le pitch : Alors qu’il se réveille à Florence, sans aucun souvenir des dernières 48 heures, Robert Langdon se retrouve mêlé à une menace de pandémie mondiale et doit fuir avec une mystérieuse jeune femme.

Après la réussite d’Anges et démons et le très bon Da Vinci Code, on attendait avec un interêt certain la 3e adaptation des aventures du héros créé par Dan Brown. Mais si le très complexe Le Symbole perdu (qui se déroule sur le sol américain et prend comme décor la franc-maçonnerie) est passé à la trappe, l’excellent Inferno se voit donc adapté pour le cinéma avec le même équipe devant et derrière la caméra.

Cependant, malgré le soin apporté à cette adaptation, l’ajout de quelques guest stars de prestige (comme notre Omar Sy national), force est de constater que Inferno - le film se révèle inférieur à Inferno - le roman. La faute à une intrigue qui cherche à condenser trop de choses (le livre fourmille de détails érudits, de lieux magiques à explorer et de pistes secondaires) et ajoute une romance entre Langdon et la directrice de l’OMS qui ne sert pas à grand chose.

De ce fait, on a parfois l’impression d’assister à un défilé dans des cartes postales alors que dans le livre, les lieux évoqués font tous avancer l’histoire. Il est clair qu’adapter en film un roman aussi foisonnant et complexe, s’adressant tout autant à l’amateur de thriller qu’à l’amateur d’histoire de l’art est une gageure. Peut être qu’une mini-série aurait été plus judicieuse.

Cela étant dit, les critiques qui se sont abattues sur le film ont quelque chose de très exagéré. Car d’une part, le rythme ne faiblit pas et l’intrigue remplit parfaitement son but : divertir. Et d’autre part, le film a tout de même gardé une bonne partie des sites visitées (à Florence surtout, Venise et Istanbul voyant leur « présence » à l’écran nettement réduite) ainsi que ce qui tourne autour de Dante. Car Inferno traite autant d’une pandémie à venir, même si, ici, elle n’aura pas l’impact dramatique du roman, que de l’oeuvre géniale de l’auteur de La divine comédie.

La mise en scène de Ron Howard se veut également très différente de celles de Da Vinci Code ou Anges et démons. Elle est plus expérimentale, notamment dans les visions de Langdon, ces tentatives de retrouver la mémoire et l’évocation de la pandémie, plutôt effrayante. Les scènes d’actions sont également très bien emballées, le bagage technique du cinéaste permettant une lisibilité parfaite et un suspens constant, même pour qui a lu le livre.

Au niveau forme donc, rien à dire ! Tom Hanks est toujours aussi convaincant dans le rôle de ce professeur d’Harvard plongé malgré lui dans des aventures qui le dépassent et le reste du casting est au diapason. Mais, on regrettera que les modifications et les simplifications de l’intrigue réduisent certains personnages à l’état de silhouette. Omar Sy voit son personnage sacrifié sans que cela ne fasse avancer l’histoire.

A l’inverse, Sienna, interprétée par Félicity Jones (Rogue One) est extrêmement bien cerné. En fait, on sent que le script s’est focalisé sur l’essentiel du roman, mais a laissé un peu trop dans l’ombre les arrières plans, ce qui est bien dommage car on perd en profondeur, ce que Anges et Démons avait parfaitement réussi. C’est d’ailleurs étonnant car David Koep qui a rédigé le scénario nous a habitué à plus de rigueur.

Adapter un livre de Dan Brown n’est pas chose facile. L’écrivain se fait fort de divertir son lecteur tout en le faisant voyager et en l’instruisant. Les références culturelles sont nombreuses et Inferno  n’en reprend qu’une partie, ce qui ne peut que décevoir les lecteurs. 

Mais en l’état, en faisant abstraction du livre, Inferno est un bon thriller, élégant, érudit et très bien mis en scène. Et si son score US est extrêmement décevant (34 millions seulement), son score mondial de 220 millions a largement permis de rembourser les 75 de budget. L’avenir de Langdon au cinéma est sans doute compromis, mais la « trilogie » offerte par Tom Hanks et Ron Howard n’a pas à rougir et les critiques reçues sont, à mes yeux, illégitimes.

Le pitch : un homme se prétendant cascadeur attire des jeunes filles pour les tuer dans des accidents spectaculaires. Mais il va tomber sur plus retors que lui.

Dit comme cela, le 6e film de Quentin Tarantino a l'air d'une bêtise sans nom. Pourtant, sous ses atours de film potache et bardé de clichés, Boulevard de la mort (Death Proof en VO) permet aux admirateurs du cinéaste de se régaler de tous les aspects de sa mise en scène : dialogues aux petits oignons, scènes totalement WTF, plans gores souvent gratuits et un amour authentique pour les séries B de tous poils !!

A l'inverse, les détracteurs de Tarantino (et ils sont aussi nombreux) ne pourront que critiquer des tunnels de dialogue parfois trop longs, des scènes parfois sorties de nulle part, une certaine propension à glorifier la médiocrité (les personnages sont loin d'avoir des attitudes de prix Nobel) et des cassures de rythme parfois surprenante.

Par contre, ils ne pourront rien dire sur les faux raccords, accidents de pellicules, bande-son défaillante ou saute d'images !! Initié dans le projet Grindhouse avec Robert Rodriguez, qui réalisait dans le même temps Planète de la terreur, les deux films (qui ont quand même coûté 67 millions de dollars), Death Proof était une tentative de faire revivre ces fameux double-programmes bis qui fleurissaient dans les drive in américains. 

Et comme ces films étaient tout, sauf des chef d'oeuvres ni des métrages techniquement parfaits, les deux cinéastes se sont fait plaisir en accentuant tous les défauts des double-programmes. On n'aime ou on n'aime pas ! Certaines critiques ont même estimé que les deux lascars profitaient de ce gimmick pour cacher leur propre médiocrité, ce qui est quelque peu ridicule car la parodie (on peut voir les deux films ainsi) n'est pas si simple à faire.

Death Proof ne se distingue donc pas par son script (qui tient sur 3 lignes) et qui se contente de meubler une histoire simplette par des scènes de bars où l'on picole et raconte des blagues idiotes. Le film est de plus clairement divisé en deux partie, la première où Kurt Russel (excellent) attire ses proies dans son piège, sans que l'on ne parvienne à savoir où est le loup et qui se conclut par un accident très spectaculaire, délicieusement gore (pour ne rien louper, l'action nous est montré sous plusieurs angles afin que chaque personne tuée bénéficie de "sa" scène) et qui montre qu'à ce moment, Tarantino met de côté l'aspect amateur pour privilégier le choc ! C'est gratuit, très frime, mais ça récompense de l'attente.

Puis dans une deuxième partie, c'est Russel lui même qui va être pris à son propre piège, poursuivie par trois jeunes femmes encore plus dingues que lui ! Le film se termine par une mémorable raclée de la part des membres du sexe faible enfer le macho de service !! Russel achève Death Proof dans une posture que peu d'acteurs accepteraient : humilié, battu, grimaçant. Sa mort dans Les 8 salopards était hautement plus classe, ce qui vous donne tout de suite une idée de cette scène finale.

Comme souvent , Tarantino truffe son film de références à des films quelque peu oubliés. Ici, les 3 filles veulent faire un tour dans une voiture similaire à celle du héros de Point Limite Zéro, excellent métrage où un conducteur doit faire un trajet jusqu'à Los Angeles en un temps record. Durant son voyage (trip ?), il sera aidé par un DJ noir et aveugle, rencontrera une fille qui fait de la moto complètement nue, se frottera à toutes les polices des états qu'il traverse avant de finir dans la tôle broyée. Dit, comme cela, cela a l'air encore plus stupide que Death Proof, mais croyez-moi, Point Limite Zéro est vachement bien, un  parfait exemple de la contre-culture hollywoodienne des 70's !

On sent qu'il s'est fait plaisir, le bougre. Il filme ses actrices dans des tenues très courtes, aligne des dialogues bien corsés, d'autant plus fun quand ils sont déclamés par des cruches en mini-jupe, se donne un rôle de barman sympa et n'hésite pas à faire de ploucs des personnages de haute volée ! En fait, tout ce que les films américaines comptent comme clichés, Tarantino en use et en abuse ! 

Bien entendu, tout n'est pas parfait et on sent que ce qui aurait pu faire un excellent sketch d'un film à plusieurs mains tire sur la corde. Les scènes de bar permettent d'aller faire chauffer son thé ou de passer quelques niveaux à Candy Crush. Mais l'accident et la poursuite finale rattrapent à elles seules un film conçu pour le plaisir des fans.

Sorte de récréation entre les 2 Kill Bill et Unglorious Basterds, Death Proof remplit tout à fait son rôle : faire passer un moment quelque peu honteux  à son spectateur tout en le laissant écouter des dialogues toujours aussi bien écrit. Le plus drôle, à mon sens, est que le film fut sélectionné à Cannes en 2007, comme s'il était du calibre de Pulp Fiction ou Jackie Brown !!

Evidemment, Boulevard de la mort est à voir en VO ! 

Le pitch : Reed Richards, Johnny et Suzan Storm, et Victor Von doom , 4 jeunes brillants étudiants travaillent depuis des années sur la téléportation. Le jour où ils réussissent enfin à envoyer un être vivant dans une autre dimension, ils décident de faire eux même le voyage, entraînant avec eux un ami d'enfance de Reed, Ben Grimm. Mais tout ne va pas se passer comme prévu.

Une précision : si j'ai pu voir le film, c'est parce qu'il était offert dans le menu d'une célèbre chaine de restauration rapide. Et surprise, malgré les trahisons délirantes du comics, on est loin de la catastrophe décrite par certains, si on passe, évidemement, sur les défauts du film.

Les différences entre le comics de Lee et Kirby et cette nouvelle version cinéma sont tellement nombreuses que l'on a parfois l'impression de regarder quelque chose de totalement différent. Passons sur la jeunesse des personnages, sur le fait que Suzan ait été adoptée par un scientifique noir et que son demi-frère soit (logique) noir aussi. Passons aussi sur la famille très "cassos" de Reed, sur ses déboires scolaires. En fait, dans les 20 premières minutes, la seule ressemblance avec le comics réside dans le fait que Ben et Reed sont amis depuis longtemps. Ca fait peu.

L'arrivée de Victor Von Doom dans l'histoire reprend quelques éléments, non pas du comics, mais du film de 2005. Si il est, comme à l'origine, un étudiant brillant, le scénario laisse entendre qu'il a eu une aventure avec Suzan. Or, dans le film de 2005 (qui était finalement plus proche de l'histoire originale) Doom et Suzan étaient carrément en couple. Pour le reste, on s'éloigne à nouveau avec une équipe de teenagers tentant de téléporter de la matière organique dans une autre dimension. Exit donc la course aux étoiles, les rayons cosmiques, l'accident de Fatalis et la naissance de la super équipe, la première du Marvel Universe de 1961.

A la place, on a donc une machine qui va téléporter Ben, Reed, Johnny et Victor sur une planète inconnue et où ils vont acquérir leur pouvoir, même si Victor en restera prisonnier. Suzan aura les siens lors du retour en catastrophe du trio. La suite s'éloigne encore plus du comics : Reed s'enfuit, Ben et Johnny se mettent au service de l'armée tandis que Suzan travaille ses pouvoirs dans la même base secrète que ses 2 compagnons. En fait, à ce niveau de l'histoire, le seul point commun avec le comics est le pouvoir des 4 fantastiques. Vouloir ré-écrire l'histoire des FF n'était pas une mauvaise chose, mais modifier à ce point la structure d'une histoire universelle ne pouvait que faire hurler les fans. L'amateur éclairé aime qu'on le surprenne, mais que l'on casse son jouet. Marvel Studios a merveilleusement compris ce principe : les origines de ses personnages sont proches de ceux des comics, mais elles se permettent une modernisation discrète. Ainsi, Tony Stark devient Iron Man en Afghanistan et non plus au Viet-Nam. Par contre, l'introduction de Captain America est très proche de la version originale.

Une fois ces couleuvres avalées et cette ré-écriture acceptée (et dont les éléments n'ont absolument aucun point commun avec les 55 ans d'histoire des FF), on assiste cependant à un film plutôt agréable, mais très lent. Il est clair que Josh Trank a cherché à moderniser le récit originel et à l'ancrer dans la réalité. Il est évident aussi qu'il a voulu prendre son temps pour présenter les personnages et le concept (la première scène d'action intervient au bout de 45 minutes). Enfin, je ne pense pas qu'il ait cédé aux sirènes du politiquement correct en modifiant ainsi certains personnages, mais plutôt qu'il s'est laissé séduire par l'idée de donner une nouvelle impulsion à une équipe que tout le monde connait. Le souci est que la mayonnaise prend moyennement et que le côté artificiel des relations est trop apparent. Enfin, le charisme des acteurs laissent un peu à désirer. Si Michael B.Jordan est plutôt convaincant, Kate Mara n'a pas le côté espiègle et innocent de la Suzan que l'on connait. Jamie Bell disparait très vite sous un costume de Motion Capture pour devenir la chose (très réussie d'ailleurs) et Miles Teller ne donne pas non plus une image fidèle du Reed Richards dessiné.

Mais le défaut principal du film réside en fait dans son manque d'ambition et il devient clair que le conflit entre le studio et Josh Trank a laissé des traces. On sait que la Fox a mis en chantier ce film pour ne pas perdre les droits, mais le limogeage du réalisateur a montré que tout ne tournait pas rond. La durée déjà : à peine 1H30. Sachant qu'il faut une bonne heure pour que les éléments entre les FF et Fatalis se mettent en place, il reste très peu de temps pour l'affrontement final. Le film a coûté 120 millions de dollars, mais très honnêtement, on ne les voit pas à l'écran. Il y a peu de décors en durs (le petit making of du DVD montre énormément d'écrans verts), la bataille finale est expédiée en un coup de poing de la chose et on ne peut pas dire qu'il y ait des milliers de figurants à gérer. Les coupes ont dû être drastiques pour arriver à uné longueur aussi courte et la mauvaise communication de la Fox , qui ne croyait plus au film, ont fait le reste : Les 4 fantastiques est un projet vidé d'une partie de son contenu, pas assez emballant pour concurrencer les films Marvel ou DC.

Maintenant, malgré les défauts cités, on ne peut pas dire que l'on soit en face d'un mauvais film. on peut être déçu par les trahisons multiples, le rythme pépère, les raccourcis scénaristiques ou la sobritété de l'action, mais il faut admettre que cette relecture tient plutôt bien la route si on met de côté les 55 ans de Comics. La mise en scène est excellente, prenant le temps de bien présenter ses plans (le montage est à l'image du film : lent, mais très pro) et les personnages secondaires sont plutôt attachants.

L'échec commercial du film (167 millions de recette en tout et pour tout contre 330 et 289 pour les films de Tim Story - qui avait coûté 100 et 130 millions) s'explique aisément et montre qu'il n'est pas si simple de faire un long métrage de super héros, qu'il faut mettre un minimum d'atout de son côté. Paradoxalement, cette version rehausse le souvenir des 2 films de 2005 et 2007 qui n'étaient pas trop mal, plus proche du matériel d'origine, mais plombé par un second degré parfois pesant. Mais dans l'état, ce FF 2015 reste un métrage sympathique, prompt à passer une bonne soirée. Reste que l'échec a condamné définitivement les personnages (et poussé Marvel a supprimé le comics après le crossover Secret Wars, même si l'éditeur s'en défend) et qu'on n'est pas prêt de revoir la famille Storm à l'écran. A moins que, comme pour Spider-Man, Marvel Studios réussit à récupérer les personnages.

Le ptich : A travers 6 périodes séparées de plusieurs siècles, le destin de personnages dont chaque action influe sur leur alter égo passé ou futur.

Tiré d’un roman de SF peu connu en France (Cartographie du ciel), le film des désormais soeurs Wachowski contient, en creux, toutes leurs idées, qu’elles soient cinématographiques, sociétales ou philosophiques.

Depuis leur début, les deux cinéastes n’ont eu de cesse de montrer un monde où le faux-semblant est la règle. Que la Terre soit en fait sous la domination de machines et l’humanité vivant dans une réalité virtuelle (Matrix) ou que la forme cinématographique fasse l’objet de trucage sur chaque plan (Speed Racer, Jupiter Ascending), la réalité n’est jamais ce qu’elle doit être chez les Wachowski. Dans Cloud Atlas, le mélange des époques, mais surtout l’utilisation des mêmes acteurs, maquillés selon le moment de l’histoire (un point qui fut très critiqué, mais qui est l’essence même de l’histoire, permettant de relier justement chaque personnage à ses alter-égo) donne l’impression que ce que l’on voit ne correspond pas vraiment à ce que l’on pense être. L’utilisation d’effets visuels grandioses (la marque de fabrique du duo), notamment dans la reconstitution de New Séoul ou de la Terre dévastée du dernier segment temporel participe également de cette impression. Dans Cloud Atlas, que l’on soit au 19eme siècle, dans les années 70 , 2010 ou le futur, c’est bien une réalité fantasmée qui est dépeinte. Paradoxalement, le souci de réalisme du duo est forcément entamée par la réalité. Il suffit de comparer le San Francisco des années 70 tel que recréer par le film et les long-métrages tournées durant cette décennie aux USA et dans cette ville pour s’apercevoir que les images présentent une vision « idéale » de la ville. Le choix de San Francisco n’est d’ailleurs pas innocent tant cette ville est le berceau du combat des homosexuels américains, mais aussi du mouvement hippie.

L’autre grand thème du duo est la lutte contre un ennemi implacable, invisible et omniprésent. Le choix d’Hugo Weaving qui symbolise dans toutes les époques du film le danger et l’oppression est évidemment dicté par son rôle de l’agent Smith dans Matrix. Ici, il sera tour à tour un tueur à gage, une infirmière sadique, le visage de l’oppression en Corée ou la conscience maléfique de Tom Hanks dans le futur le plus lointain. Et chaque époque verra ses combattants qui luttent contre cette menace. A petite échelle (l’esclave noir du segment du XIXe siècle, le duo journaliste-homme d’action des années 70) ou grande échelle (la résistance de New Séoul), ceux qui s’opposent à la « matrice » découvrent peu à peu une autre réalité. On leur ôte leurs illusions , on enlève le mensonge devant leurs yeux (le segment de New Séoul reprend une grande partie de Matrix, citant même la trilogie dans le discours que tient le symbole nouveau de la résistance) et si échec il y a, il ne peut être que provisoire.

Ce qui est sûr, c’est que chaque époque a ses héros et ses vilains. Hugh Grant est d’ailleurs étonnant dans un double rôle de crapule

Mais Cloud Atlas ne se limite pas à des interprétations toutes simples. Ainsi, Tom Hanks partagera ses rôles entre les « méchants » (le XIXe siècle, les années 30, les années 2010) et les « gentils » (les années 70, le futur). Halle Berry, elle, est la version lumineuse d’Hugo Weaving : elle est du bon côté, mais elle va soit diriger l’action (les années 70) soit la subir quelque peu (le futur). Tous les autres personnages, parfois totalement méconnaissables sous leur maquillage (le travail à ce sujet est incroyable) naviguent entre les tourments, les qualités, les défauts de leur personnage selon les époque. Cloud Atlas aligne donc un compositeur vénal exploitant sans vergogne le talent d’un jeune homme dont il ruinera la carrière, un médecin pour qui la quête d’aventure lui fera ouvrir les yeux sur la réalité de l’esclavage, une journaliste qui va comprendre que les lobbys dirigent l’Amérique, un éditeur pas très courageux qui va devoir prendre son destin en main après qu’on l’ait enfermé dans une maison de retraite, une jeune femme créé génétiquement qui, tel Néo, prendra conscience que sa vie n’est qu’une farce et enfin un homme survivant sur une Terre revenue à la barbarie.

Tous ces destins s’emmêlent, chaque segment répond à l’autre grâce à un montage proprement prodigieux, souvent lié par la lecture d’une lettre ou les réflexions d’un personnage. Si l’on a parfois l’impression d’être perdu (le film est clairement à voir plusieurs fois pour en saisir toutes les nuances), la dernière partie donnera une bonne partie des clés. Pas toute évidemment, les Wachovski estimant que le public est assez intelligent pour combler les trous de leur narration.

Enfin, Cloud Atlas est un manifeste clair des orientations sexuelles du duo. On se rappelle que leur premier film , Bound, traitait de deux lesbiennes. Ici, c’est la passion amoureuse de deux hommes qui va être le film conducteur d’une partie de l’histoire. L’usage de travestissement (Hugo Weaving en femme, mais aussi Halle Berry en jeune garçon) fait finalement partie du destin des frères devenues soeurs par la chirurgie. Les Wachovski filment cependant des scènes d’amour hétérosexuels (c’était déjà le cas dans Matrix) et ne portent aucun jugement sur les différentes orientations de chacun. Leur vie se confond avec leurs films mais ce ne sont pas des brûlots politiques. Les idées du duo y sont présentes, mais jamais assénées. 

Que l’on soit d’accord ou pas avec le fait que des personnes changent de sexe (personnellement, j’estime que chacun est libre de faire ce qu’il veut de son corps et que si un homme se sent plus vivant étant femme, et vice-versa, nul ne peut s’opposer à ce qu’il aille au bout de son destin), la transformation physique des 2 frères va de paire avec leur cinéma. Car le thème de la renaissance était présent dès Matrix. Le succès mondial de la trilogie leur a donné les moyens de faire des films encore plus personnels, que certains jugeront hermétiques, d’une richesse visuelle incroyable (peut être trop car, comme dans Jupiter Ascending, il faut plusieurs visions pour en apprécier tous les détails, d’autant que Cloud Atlas est très long) et où le duo n’hésite pas à briser les tabous. Mais sans jamais se poser en dictateur. Après tout, chacune de leur histoire traite de la lutte contre l’oppression et il serait malvenue qu’ils (elles) deviennent à leur tour des censeurs !!

Il est évident qu’entrer dans un tel film demande un gros effort. La première demie-heure qui présente toutes les époques donne le tournis. Puis petit à petit, le puzzle se met en place, d’autant plus que le script a l’audace supplémentaire d’utiliser des flashbacks. Exigeant du spectateur une concentration de tous les instants, il est remarquable de voir que le film a été en fait tourné par 3 réalisateurs, Lana et Andy Wachowski bien sûr, mais aussi Tom Tykwer (qui réalise les segments des années 30, 70 et 2012) sans que l’on voie une différence de style. Le soin apporté aux images, aux effets visuels, au montage, à la musique et aux détails (énormément d’objets, de phrases ou la fameuse marque en forme d’étoile sont communs à tous les segments) permettent de donner une unité de ton formidable. Tykwer s’est aussi occupé de la musique, élément essentiel du segment des années 30 et qui donne d’ailleurs son titre au film.

Les 130 millions récoltés de par le monde (pour un budget de 100, dont 7 qui furent apportés directement par les Wachowski)) ne rendent évidemment pas justice à Cloud Atlas. En France, ce ne sont que 439 000 personnes qui se sont déplacés. Le montage financier complexe(plusieurs investisseurs ont mis la main à la poche, rassurés d’ailleurs par la présence de Tom Hanks), en dehors des studios (la Warner ne fera que le distribuer) et la sortie vidéo a sans doute limité la casse, mais il est clair que l’échec en salle du film, qui précédait les résultats mitigés de Jupiter Ascending ont écorné la stature du duo.

Mais qu’importe. Quand on regarde la filmographie de Wachowski, on ne peut qu’être étourdi par leur volonté de proposer autre chose que des blockbusters « classiques » ! Leur amour du cinéma et de l’image, leur jusqu’au boutisme et leur refus de se soumettre, comme leurs héros, à la dictature des studios, des exécutifs, du public même leur permet de construire une oeuvre riche, incroyable, intelligente. 

On peut détester Cloud Atlas, mais on ne peut pas lui dénier son ambition. Or, je serai toujours du côté des ambitieux dans le domaine du cinéma.

Le pitch : après avoir sauvé sa fille à Paris et échappé une terrible vengeance à Istambul, Bryan Mills va se trouver confronté à la mort de son ex-femme. Problème : tout le désigne comme coupable. Habitué à traquer ses proies, Mills va devenir le chassé.

Le danger qui guette toute franchise est la répétition. Dans les années 80, quand les séquelles sont devenues la norme, c’était d’ailleurs un des reproches que l’on pouvait faire. De nombreux succès voyaient leurs séquelles n’être qu’une simple redite, avec quelques aménagements, mais guère plus. Pour un Retour vers le Futur 2 qui proposait une histoire très différente, combien de Maman j’ai sauvé l’avion 2 qui se contentait de raconter la même histoire en changeant juste le lieu ?

L’arrivée en masse des films pensés comme des trilogies a changé la donne. Désormais, une histoire peut se raconter en plusieurs fois. Ce procédé peut parfois se retourner contre le film lui même, surtout si le succès n’est pas au rendez vous. Des années après leurs sorties, Jumper, Eragon ou La boussole d’or n’ont toujours pas connu leur conclusion, malgré des fins très ouvertes.

Pour Taken, Luc Besson a opté pour une solution médiane. On garde la même structure (un homme seul contre une organisation qui s’en prend à sa famille), mais on change le lieux, la personne en danger, la nature de la menace… Chaque film pourrait être vu de manière indépendante d’ailleurs. 

Ce troisième épisode ne déroge pas à cette règle, mais en y ajoutant un inspecteur de police dont l’intelligence est supérieure à celle de ces collègues, le scénario donne plus de corps à ce jeu de chat et de souris. Cependant, le procédé n’est pas nouveau : dans les années 60, cela a donné la série Le fugitif, brillamment remaké en 1993 avec Harrison Ford et dont la séquelle, US Marshall, parvenait aussi à prendre le concept à l’envers, le héros devenant le chasseur du premier film.

Ici, Brian Mills se trouve donc confronté à la police de son pays (alors que les autres films se passaient en France et en Turquie), mais il a toujours un coup d’avance sur elle. Dans Taken 1, il cherchait, dans Taken 2, il devait se sauver soi même. Dans celui-ci, il doit à la fois se justifier et trouver les coupables de la mort de sa femme. Il est d’ailleurs un peu dommage que le scénario dévoile trop vite le véritable instigateur de l’assassinat. 

Comme il aurait été surprenant qu’il doive à nouveau faire cavalier seul, Mills fait équipe à son équipe d’amis. Il reste bien évidemment le héros du film, mais subtilement, les tierces rôles prennent plus d’importance. Après tout, un 4e film basé sur l’équipe de Miles serait tout à fait possible. Cette astuce scénaristique permet de justifier qu’il dispose de moyens supplémentaires pour échapper à la police américaine.

Au delà de l’histoire, bien ficelée, nous pouvons analyser la mise en scène. Olivier Megaton a pris le relais de Pierre Morel et, même si certaines scènes sont sur-découpées (un exemple : l’explosion de la voiture de Mills est filmée sous tellement d’angles différents qu’on a l’impression que plusieurs sont détruites), le style est toujours aussi nerveux. Les bagarres à mains nues passent toujours aussi bien à l’écran et les voir se dérouler dans un milieu urbain différent des épisodes 1 et 2 permet à Megaton de tenter une autre approche. Ainsi, le gunfight dans le magasin d’alcool est sans cesse relancé par des jeux de miroir.

Bien entendu, certains pourront s’agacer de quelques plans aériens superflus. Ils permettent cependant de donner à Los Angeles un cachet certain. La skyline de cette ville étant plutôt réduite (rien à voir avec celle de New York ou Chicago), les vues des différents building permet de savoir immédiatement où l’on se trouve. Cependant, il ne faudrait pas qu’Olivier Megaton abuse de ces plans « à l’esbrouffe » dans le futur. Ici, le sujet s’y prête, mais cela ne sera pas forcément tout le temps le cas.

En intégrant Forest Whitaker à ce jeu de cache-cache, la franchise gagne un autre grand acteur qui semble ravi de participer au film. Là aussi, on pose peut être des jalons pour une autre direction de la franchise. Liam Neeson a déclaré qu’il ne reprendrait pas le rôle, mais un film avec Whitaker traquant de véritables criminels pourrait être tout à fait possible.

Le gros défaut du film réside tout de même dans ses personnages féminins. Si la fille et la femme de Mills avaient réussi à gagner une certaine épaisseur et surtout dépasser leur rôle de victime dans Taken 2, ici, elles redeviennent de simples silhouette. Famke Janssen meurt dans les premières minutes, Maggie Grace, malgré une tentative du scénario à la faire participer à l’action, est somme toute très passive. Rien d’étonnant alors que sa meilleure scène soit celle où elle fait face à la police.

Bien rythmé (on ne s’ennuie pas une seule seconde), plutôt bien filmé, avec de bons rebondissements, ce 3e épisode ne décevra pas les fans de la série. Cependant, si on le compare avec Non Stop, toujours avec Neeson (un film où le suspens est bien plus présent), on peut quand même dire que la franchise marque le pas. Taken 3 n’a d’ailleurs pas passé la barre des 100 millions aux USA, preuve que le public a été quelque peu déçu.

Attention donc à Europacorps de ne pas faire l’épisode de trop.