Le pitch : emporté par une tornade, un magicien minable se retrouve au pays d’Oz où il va enfin trouver destin à la mesure de ses espérances.

Sam Raimi a le don de brouiller les pistes. Alors qu’il aurait pu se cantonner au gore après le premier Evil Dead, chef d’œuvre dont la modernité étonne encore plus de 30 ans après sa sortie, il s’est rapidement tourné vers d’autres genres. Ainsi son deuxième film, Mort sur le grill, était une sorte d’hommage aux films noirs. Et s’il revenait périodiquement à l’horreur et au fantastique (les autres Evil Dead, Darkman, Jusqu'en enfer), il n’a eu de cesse que d’explorer d’autres territoires comme le western avec Mort ou Vif ou le drame policier avec le sublime Un plan simple avec Bill Baxton voire le film sportif (l'oublié mais pourtant excellent Pour l'amour du jeu).

Cependant, la première trilogie de Spider-Man a changé tout cela. Le monde a découvert un réalisateur au talent indéniable, sachant mêler le pur fantastique, la romance, le drame, la violence graphique et capable d’utiliser comme jamais une icône de la BD US.

Désormais bankable, Raimi peut explorer de nouveaux univers et les budgets auxquels il peut prétendre ne restreignent plus ses ambitions.

Oz est un film ambitieux ! Car non seulement il ré-invente le célèbre et merveilleux pays de Dorothy, mais surtout il se permet d’expliquer ce que sera le pays d’Oz. Certains auraient pu sombrer devant une telle vanité. Raimi se « contente » de faire son travail de conteur, d’exploiter de superbes effets visuels et d’aller au bout de son idée.

Mi film enfantin aux thèmes adultes mi film d’aventure aux thèmes enfantins, Oz se propose donc d’être une vraie préquelle au classique de 1939. L’ouverture magistrale en noir et blanc et écran carré reprend exactement le procédé de l’original. Raimi y présente son magicien, Oz, un être vaniteux et lâche, fuyant les responsabilités doublé d’un goujat (James Franco est prodigieux). Mais dès l’arrivée dans le pays magique, par le même procédé que Dorothy à savoir la tornade, l’écran s’agrandit, la couleur explose et l’inventivité des décors lance le film vers des sommets inédits.

Il est d’ailleurs intéressant qu’une telle prise de risque ait aussi bien marché. On le sait , le public US n’aime pas les héros trop négatifs, même si ici, le personnage va logiquement évoluer. De même l’ambition du film aurait pu le faire passer pour pédant. Il n’en est rien. Vu d’un angle commercial, Oz en donne pour son argent. Vu d’un angle narratif, les multiples personnages féminins permettent de voir l’évolution de Oz, et les personnages secondaires, réalisés en image de synthèse comme le singe volant ou la poupée de porcelaine relancent sans cesse une intrigue relativement simple en apparence.

Mais c’est bien entendu James Franco qui tient le film sur ses épaules. Déjà largement gagnant de la trilogie de Sam Raimi dans son rôle d’Harry Osborn, le comédien s’est lui aussi refusé à se cantonner à des stéréotypes. Son talent avait d’ailleurs éclaté dans 127 heures. Ici, il fait merveille avec ce personnage détestable, mais qui réussira, presque contre sa volonté, à faire ce qu’on demande de lui. La tentation aurait été grande de lui donner de vrais pouvoirs magiques, mais le scénario, au contraire, s’axe sur ses talents de prestigitateur, ancrant finalement le film dans une réalité plus terrestre.

On le sait, Sam Raimi sait s’effacer derrière sa mise en scène, même s’il s’offre toujours quelques plans de virtuose, histoire de rappeler qu’à 20 ans, il montait sa caméra sur une mobylette pour foncer sur Ash dans le premier Evil Dead. Ici, c’est une succession de voyage, dont un inoubliable où les protagonistes, protégés par des bulles de savon survolent le pays d’Oz. L’union entre les effets visuels, la candeur de James Franco et la caméra virevoltant des différents points de vue donnent sans aucun doute une des plus belles scènes du film. Raimi aime filmer ses acteurs et le prouve encore ici.

Mais la plus grande réussite du film, c’est bien de faire un spectacle que tout le monde pourra regarder, l’enfant qui se focalisera sur les petits personnages ou les scènes de batailles et l’adulte qui assistera à la métamorphose des personnages, notamment la naissance de la célèbre sorcièce.

Lointain écho du film classique, cette relecture de Oz version 2013 tient toutes ses promesses et plus encore. Sam Raimi ajoute une pierre à son œuvre déjà considérable, et il le fait en toute modestie. L’homme qui a eu le culot de refuser un Spider-Man 4 qui ne correspondait pas à ce qu’il voulait, peut continuer son chemin sans aucun regret. Oz est une réussite, dépourvue de tout cynisme et surtout pas une œuvre de geek ! Bien au contraire, il prolonge de manière magistrale le film de 1939. Et quand on connaît le nombre de suites ratées ou bâclées de Oz, la performance n’en est que plus remarquable. Il fallait juste un réalisateur mettant en avant l’humanité de ses films plutôt que de calculer les bénéfices à venir. Et un studio capable de lui faire confiance.

Finalement, cela tient à peu la réussite d’un film.

Dans une fête foraine, un jeune garçon rencontre un vieil indien. Celui ci va lui raconter sa rencontre avec un ranger et les aventures qui s’en sont ensuivies.

Echec aux USA, (90 millions de recettes pour un budget de 215), succès moyen dans le monde (à peine 170 millions); Lone Ranger traine une réputation exécrable et sa sortie vidéo s’est quasiment faite en catimini.

Surprise : le film vaut bien plus que sa réputation et son échec n’en apparaît qu’encore plus injuste. Certes sa longueur excessive (près de 2h30) plombe quelque peu le métrage et Gore Verbinksi aurait même pu couper toute la sous-intrigue se déroulant dans la fête foraine, gagnant ainsi un bon quart d’heure (mais cela aurait donné un tout autre film, et le second degré du scénario en aurait souffert).

Mais pour le reste !! Entre des paysages à couper le souffle et qui donne envie de s’envoler immédiatement pour l’Ouest américain, filmés à la perfection et des décors grandioses, Lone Ranger fait souffler un vent de démesure et d’épopée que l’on retrouve de moins en moins au cinéma. Verbinski aime les westerns (il l’avait déjà montré avec Rango) et il lui rend un hommage plus qu’appuyé, s’adossant au cliché du genre, les mixant avec le versant spaghetti tout en s’aventurant dans des contrées peu vues au cinéma, notamment l’aventure ferroviaire qui a construit l’Amérique en reliant ses deux océans.

Rien que pour ces visions extraordinaires d’un pays taillé à la mesure des géants et non des hommes, Lone Ranger mérite une sérieuse réhabilitation.

Mais ce n’est pas tout, car de belles images ne font pas forcément un bon film. Le cinéaste, grandement aidé par Johnny Depp (totalement investi dans son rôle) retrouve sans aucun soucis le cocktail action-humour de Pirates des Caraïbes. Il le saupoudre d’un aspect quelque peu macabre (certains maquillages sont d’un réalisme confondant) et d’une vision parfois très noire. Car si l’Amérique s’est construit avec le chemin de fer, elle n’a pas épargné le sang des innocents et Lone Ranger ne se prive pas pour le dire.

Dans le film, personne n’est vraiment « blanc ». Chacun traîne son lot de tristesse, de deuils inachevés : ainsi le héros convoite ouvertement la femme de son frère, un thème rarement vu dans  le cinéma populaire, même si la mort du dit frère écarte toute immoralité . Tonto traîne le souvenir du massacre de son peuple et le corbeau qu’il porte sur la tête en symbolise le deuil. Même le méchant n’est pas entièrement gris et ses motivations ne sont pas uniquement vénales. Ce refus du manichéisme a sans doute rendu difficile l’acceptation des personnages par le grand public.

Ce qui surprend, c’est que, si on fait abstraction de ces personnages torturés, les monumentales scènes d’action n’aient pas attiré plus de gens dans les salles. Entre duel de locomotives, poursuites et combats à cheval et des scènes de foules monumentales, Lone Ranger en donne pour son argent (215 millions de budget selon certaines sources). Mais jamais, cet argent n’est dépensé en pure perte, comme le montre le petit making of présent sur le Blu-ray. La volonté de tourner en décors naturels, la figuration, les machineries ont forcément grevé le budget, mais l’authenticité est là. Il est vraiment dommage que, à l’instar de John Carter, le bouche à oreille n’ait pas pris.

Parce que, mine de rien, il viendra bien un temps où les studios ne sortiront plus rien d’autres que des formules toutes faites et que le risque, déjà plus très important, aura totalement disparu.

Verbinski et Bruckheimer ont pris des risques. Ils  n’ont pas été récompensé.

Dommage, vraiment dommage !

Le pitch : 4 copains de longue date décident d’acheter une jument afin de gagner, enfin, aux courses hippiques.

Ce qui est rafraîchissant avec les films de Fabien Onteniente, c’est qu’ils gravitent toujours autour de thèmes et de gens simples. Ou alors, ils bombardent une personne simple dans un univers complexe, comme dans Jet Set. Ici, c’est l’univers des turfistes qui est abordé, mais pas de manière aussi approfondie que dans Camping ou Disco. En fait, le turf est un prétexte pour raconter l’histoire, ou plutôt les histoires de 4 amis, légèrement bras cassé et souvent en galère. Et comme dans toutes les histoires d’amitié, il fallait évidemment un casting aux petits oignons afin que le film prenne.

C’est le cas ici. Le quatuor est remarquablement bien choisi, Edouard Baer en tête. Chaque personnage incarne une facette différente du turfiste et le film prend le temps de nous les présenter via la voix-off de Baer. Chabbat est étonnamment sobre (donc bon), Lucien Jean-Baptiste (La première étoile) est excellent dans un rôle de comptable angoissé sur qui pèse un lourd consciencieux footballistique et Philippe Dusquenes rempile dans le style qu’il remplissait déjà à merveille dans les Ch’tis, à savoir un homme simple et généreux. Si l’on ajoute Depardieu en escroc plutôt sympathique et Sergi Lopez excellent en dresseur de chevaux, on a donc les ingrédients d’une bonne comédie.

Une bonne comédie visible par tous, je tiens à le préciser. Ici, point de gags scabreux ou en dessous de la ceinture, ni de grosse farce. Le comique vient, comme souvent chez Oteniente des dialogues et des situations légèrement décalées. L’histoire est simple et la conclusion connue dès le départ (Quand le quatuor achète la jument, le spectateur se doute bien qu’elle gagnera la dernière course), même si un petit accident de parcours relance légèrement le suspens au trois quarts du film. Mais là n’est pas le propos. Turf ne prétend rien révolutionner, mais simplement divertir, faire passer un bon moment. Par rapport à Camping 2, qui brassait trop de thèmes, le film est bien plus épuré, ne s’embarrasse pas de détours tortueux et ne cherche jamais à ce faire passer pour ce qu’il n’est pas.

Ce qui ne veut pas dire qu’il soit bâclé. Excellent technicien, Onteniente soigne ses films, ses décors, sa lumière, ses mouvements de caméra. Le petit making of (trop court, hélas) montre bien son exigence envers ses comédiens, y compris pour des scènes où l’en entendra juste la voix du commentateur des courses. Les quelques effets visuels, notamment les chevaux mécaniques, sont invisibles et la jeune comédienne Vahina Giocante, qui joue le jockey a dû s’astreindre à un entraînement draconien. Le réalisateur offre donc un beau film, léger et frais.

Cependant, l’échec public du film peut s’expliquer par cet apparent manque d’ambition.Ni film social ni film traitant d’un sujet de société comme le fut Intouchable, Turf a le tort de se dérouler dans un univers méprisé par la critique et le politiquement correct. Pourtant l’univers des courses n’a rien de malsain et, je le répète, c’est surtout la trajectoire de ces 4 amis qui priment dans l’histoire. Si on ajoute une sortie bâclée (la promotion s’est limitée à des affiches dans les gares) et une date pas adéquate (février n’est pas vraiment une bonne période pour les comédies), Turf ne pouvait qu’aller au casse-pipe. C’est bien dommage car le public s’est donc passé d’un bon moment qu’il aurait pu vivre en famille. La vidéo permettra peut-être une séance de rattrapage, d’autant que le Blu-Ray délivre une très belle image, que les bonus sont sympathiques et que l’on peut voir plusieurs fois le film sans se lasser.

En ces temps où la moindre comédie se veut assener des vérités et des opinions, parfois discutables, il est bon de voir un film simple, animé par des acteurs qui veulent juste faire plaisir au public sous la houlette d’un réalisateur qui ne cherche pas à réinventer la roue, mais à faire un bon et un beau travail. Un film d’artisan en somme.

Le pitch : Damné par une sorcière qu’il a rejetée, Barnabas se voit transformé en vampire et obligé de passer deux siècles enfermés dans une tombe. Quand il parvient à en sortir, en 1972, le monde a bien changé. Mais sa famille reste sa famille…

Après le succès mondial d’Alice au pays des Merveilles, Tim Burton s’est offert une petite récréation avec cette adaptation d’une série télévisée quasi inconnue en France. Disons le tout de suite, ce n’est pas vraiment son meilleur film.

Non pas que le sujet ne soit pas bien choisi. Au contraire, le thème merveilleusement gothique semble tout indiqué à Tim Burton. Mais c’est surtout l’histoire qui n’est pas vraiment passionnante, avec une galerie de personnages haut en couleur mais insuffisamment exploités et des situations qui finissent par tourner en rond après un départ tonitruant.

Au départ, Dark Shadows est une série télévisée qui a compté plus de 1200 épisodes.  Très populaire aux USA, à la fin des années 60, j’avoue ne jamais en avoir entendu parler avant la sortie du film. Et chose surprenante, le personnage principal du film, Barnabas, n’apparaît dans la série télévisée qu’à partir du 211^e épisode. D’ailleurs, les 70 premiers épisodes ne contenaient pas d’éléments fantastiques. (J’ai bien révisé, hein ?).

Du coup, d’un univers sans doute très riche, Burton a du faire des choix et s’axer sur les lignes les plus fortes. Et comme il hésite entre comédie traditionnelle et comédie macabre, le film avance souvent de manière bancale. Enfin, après un départ franchement génial, notamment le retour à la vie de Barnabas, d’une violence graphique très appréciable, le film va s’endormir quelque peu et ce qui aurait pu faire sa force, à savoir l’affrontement entre le vampire et celle qui lui a jeté ce sort funeste, n’a pas la pêche espérée.

Cependant, comme souvent chez les grands réalisateurs, Dark Shadows n’est pas un film raté. Il contient suffisamment de bons éléments pour être tout à fait regardable. La description de l’ambiance très seventies, Michelle Pfeiffer (que l’on n’avait pas vue dans un rôle pareil depuis…Batman le défi, du même Burton), le choc entre les habitudes de Barnabas et le XXeme siècle, des décors incroyables permettent de sauver le film. Enfin, l'investissement de chaque acteur et actrice (Eva Green excellente, Chloé Moretz qui confirme qu'elle peut tout jouer, des justicières dingues de Kick Ass à la toute jeune fille d'Hugo Cabret, en passant donc, ici, par l'ado en pleine révolte) permet de passer un bon moment.

Dark Shadows se laisse donc regarder gentiment, mais il ne restera pas franchement dans les annales. Son box-office mitigé ne lui laissera pas non plus l’occasion de se rattraper avec une séquelle. Quant à Burton, il fera nettement mieux en 2012 avec Frankenweenie. Comme s’il avait préféré s’axer sur ce projet très personnel que sur ce gros budget qui sentait pas mal la commande.

Le pitch : une ancienne gloire du football est obligée d’accepter le poste d’entraîneur d’une équipe amateur bretonne afin de lui faire passer les 32^e de finales de la coupe de France…

Etant moi-même joueur de football en ligue vétéran depuis pas mal de temps, j’avoue avoir été ravi de voir qu’un cinéaste s’intéresse enfin aux turpitudes des championnats amateurs. Et quand ce cinéaste s’appelle Olivier Dahan, auteur de La Môme ou du Petit poucet, l’intérêt n’a plus que s’en trouver décuplé. Hélas, je n’ai pas vu le film au cinéma. Rattrapage donc en vidéo et bonne surprise à l’arrivée.

Si l’on met de côté le fait que certains acteurs, Gad Elmaleh et Frank Dubosc en particulier, surjouent leur rôle, Les seigneurs est une réussite. Non pas par ses péripéties (quoique la fin évite la démagogie et conclut logiquement le film), mais plutôt par son ambiance. Vivant de l’intérieur ces matchs si particuliers (et encore, à la différence de ceux que l’on voit dans le film, quand nous jouons, il y a à peine une dizaine de spectateurs), il est rafraîchissant de voir que Dahan en a saisi toute la subtilité.

La structure de l’histoire est sans surprise : à la manière des films de groupes, José Garcia recrute ses troupes une à une, chaque scène étant l’occasion de découvrir ce que fut le footballeur. Et c’est plutôt bien vu, du gardien névrosé qui ne veut plus aller dans les cages au milieu défensif dont le cœur est trop fragile pour jouer, en passant par l’avant-centre traumatisé par une panneka ratée, chaque membre de cette équipe traîne de sacrées casseroles. Mention spéciale à Joey Starr, insupportable habituellement, mais qui a ici le physique et l’attitude parfaite pour être un joueur arrogant, superficiel et gâté, bref le cliché (hélas très juste) de certains de nos footballeurs actuels.

A partir de là, Les Seigneurs va se décliner en une série de scènes qui va voir chacun se reconstruire et qui va mener l’équipe vers son destin. Toutes les parties autour de l’entraînement sont bien vues et le petit côté « social » ajouté par les difficultés de la conserverie empêche de sombrer dans la grosse farce. C’est même le contraire car jamais l’histoire ne se moque de ses personnages, même quand elle les confronte à des situations grotesques. Le fait que Jean Pierre Marielle soit l’homme orchestre du film, bien plus que José Garcia, n’est pas étranger à cela. On l’a oublié, mais l’acteur a déjà joué dans pas mal de films comiques franchement hilarants comme On aura tout vu (avec Pierre Richard et Gérard Jugnot) ou Les galettes de Pont-Aven. Il retrouve donc ici un territoire qu’il connaît bien et qu’il maîtrise à la perfection.

On peut, bien entendu, être agacé par la facilité de certaines situations comme le décalage d’une île où l’on vit comme il y a, allez, 30 ans et l’environnement habituel et urbain de personnages pour qui le haut débit est une chose naturel. Ou bien, par la propension qu’ont certains des acteurs à cabotiner. Si Dubosc reste finalement dans son registre habituel , le type un peu niais persuadé d’être un génie (quasiment une copie conforme de son rôle dans Incognito), c’est Gad Elmaleh qui déçoit. On a l’impression de voir Coco avec un ballon et une perruque (horrible). Omar Sy, à l’inverse, joue tout en finesse et José Garcia est sans aucun doute le plus attachant du lot. Une gageure quand on sait qu’il est lui aussi capable de sombrer dans l’auto-parodie la plus pénible. Ceux qui ont vu Rires et châtiments ne me contrediront pas.

La mise en scène est au service du film. Les matchs sont bien filmés, bien rythmés et le dernier, se déroulant dans l’enceinte de Brest (descendu depuis en Ligue 2) où l’équipe de Molène affronte Marseille (une facilité qu’aurait pu éviter le scénario ! Ras le bol que, dès que l’on voit une équipe pro, on nous balance l’OM) dans un match à rebondissement. On sent que les acteurs ont mouillé le maillot pour que le spectateur ait l’impression d’une véritable partie.

Amusant, sans être hilarant, tendre quand il le faut, ne se moquant pas de ses personnages ou alors de manière plutôt sympa, Les seigneurs n’est pas une plongée dans le monde impitoyaaaable du foot, tel qu’une certaine presse veut nous le vendre. C’est au contraire un hommage aux besogneux de ce sport, à ceux que le football a laissés sur le côté (et ils sont nombreux), à tous ceux qui le font vivre le week-end sur des terrains cabossés, devant 3 pelés et 2 tondus, bref à un sport populaire et généreux tel que nous sommes des dizaines de milliers à le pratiquer, dans l’anonymat le plus total.

Et rien que pour cela, on peut remercier Olivier Dahan d’avoir mis son talent au service d’une histoire.

Le Blu-ray rend un bel hommage au film, avec des images très lumineuses de la Bretagne. N’hésitez pas à vous provoquer l’édition qui comprend le T-Shirt du film. Avec le n°10 dans le dos, vous serez forcément dans la peau de Michel Platini !!