Le pitch : alors que la crise de Cuba plonge l'Amérique dans la peur, un cinéma de Floride se prépare à accueillir Mant, un film d'épouvante surfant sur la peur de la bombe atomique.

Joe Dante est un grand cinéaste , mais hélas, le grand public ne le sait pas. Il a pourtant offert Piranha, Hurlement, Gremlins, Explorers, L'aventure intérieure mais n'a jamais réussi à passer le cap du "faiseur de série B" malgré ses collaborations avec Spielberg (la première fut le sketch de La 4e dimension).  Malgré toutes ses qualités, malgré une filmographie suivant l'amour du cinéma, Joe Dante n'a pas réussi à passer ce plafond de verre qui sépare le bon cinéaste du cinéaste qui compte. Et ce n'est pas de sa faute, je le rappelle.

En 1993, Joe Dante est quelque peu au creux de la vague. Les banlieusards n'a pas fonctionné et Gremlins 2 ne parvient pas à réitérer la magie du premier. Il se lance donc  à corps perdu dans un film qui serait presque autobiographique ou en tout cas, qui est une déclaration d'amour à tout un pan de cinéma perdu, celui où les réalisateurs tentaient le tout pour le tout pour ramener le spectateur dans les salles - concurrence de la télévision oblige - et où les films de monstres sentaient bon les costumes en latex et les effets spéciaux à l'ancienne.

En situant son histoire durant la crise de Cuba, Joe Dante désigne clairement une période où l'Amérique a commencé à perdre son innocence. Kennedy était toujours vivant, la guerre au Vietnam n'avait pas encore pris de l'ampleur  et les scandales politiques majeurs n'avaient pas encore éclaté. C'est donc une société quasi idéale qui est montrée, avec des salles de cinémas à deux étages (balcon et orchestre), des jeunes filles en robes blanches, des garçons bien coiffés, même si l'un d'entre eux porte un blouson noir et le mauvais rôle... Bref, toute l'imagerie du début des sixties.

Et à partir d'une trame minimaliste (on va projeter un film d'horreur dans un cinéma de Floride) , Joe Dante entremêle énormément de chose : la crise de Cuba bien sûr, les peurs d'une famille vis à vis du père militaire en poste au large de l'île, la paranoïa atomique du gérant du cinéma qui va jusqu'à se construire un abri anti atomique dans le sous sol de son établissement, mais aussi   les "inventions" délirantes pour marquer le spectateur lors du film, la vie sur une petite base militaire, sans oublier le film Mant, en noir et blanc dont nous pouvons voir de larges extraits en même temps que les spectateurs du film.

Et comme si cela ne suffisait pas,  Joe Dante s'intéresse aussi à la découverte de l'amour par son casting  adolescent. Ainsi la très belle histoire entre Gene et Sandra est finement amenée. Gene est le fils d'un militaire présent au coeur de la crise, Sandra est la fille d'une famille atypique et contestataire. Elle est interprétée par Lisa Jakub qu'on avait pu voir ado dans Mme Doubtfire et ID4. La naissance de leur histoire se fera évidemment lors de la vision de Mant.

En fait, les jeunes acteurs sont les vrais vedettes du film, même si c'est John Goodman, en producteur/réalisateur quelque peu magouilleur qui est mis en avant par la promotion du film dans le rôle de Laurence Woosley, un décalque évident de William Castle. Ce dernier était un as pour assurer la promotion de ses films par des procédés physiques loufoques ou pour la publicité faite autour. Ainsi, il eut l'idée de faire signer une décharge au spectateur s'il venait à mourir de peur durant la vision d'un de ses métrages. Cette anecdote est d'ailleurs repris dans Panic sur Florida Beach.

Joe Dante divise son histoire en deux parties. La première voit la montée en parallèle de la crise (les gens qui pillent les supermarchés, les exercices d'alerte au lycée, les images d'actualités qui passent en boucle à la télé) et l'installation des bricolages qui vont permettre de "surprendre" le spectateur durant le film. On y rencontre tous les protagonistes de l'histoire et les liens qui vont se tisser puis justifier l'action de la 2e partie.

Puis le film oblique sur la vision en salle de Mant et les conséquence que cela va avoir sur la vie de chacun : Woosley tient son triomphe, Howard le gérant du cinéma croit que les multiples interventions physiques (sièges qui vibrent, explosion de sucre...) sont les prémices de la guerre qui démarre, Sandra et Gene vont tomber amoureux et le "voyou" chargé de lancer les animations va, par son incompétence et sa jalousie, faillir mettre en l'air le beau plan marketing de Woosley.

Le film projeté est à lui seul un hommage à tous les monsters movies des années 50. Joe Dante ira jusqu'à employer des acteurs de films de genre de ces années. Naïf, gorgé de dialogues grandiloquents , truffés d'effets visuels physiques (n'oublions pas qu'en 93, la révolution induite par Jurassic Park n'en est qu'à ses début) et très old school, Mant est à la fois une caricature et un tendre regard sur tout un pan de cinéma B (voire Z), jusqu'à l'inévitable chute qui montre que le monstre n'est jamais vraiment mort.

Panic sur Florida Beach fut un échec cuisant  à sa sortie : à peine 10 millions de dollars de recettes aux USA et même pas 50 000 spectateurs en France et malgré des critiques très positives. Le blu-ray qui lui sert désormais de support est donc la seule façon de le découvrir et de se rappeler que , oui,  Joe Dante est un très grand cinéaste et qu'on ne peut que regretter que, tout comme John Landis ou John Carpenter, il se fasse désormais si rare sur nos écrans.

Le pitch : un trader londonien arrogant hérite de la maison et du vignoble français de son oncle, là où il avait passé son enfance.

Entre l'énorme Kingdom of Heaven et le non moins épique American Gangster, Ridley Scott s'offrit une petite récréation avec cette charmante comédie romantique se déroulant en France. Mais on le sait, chez Scott, même un projet intimiste est forcément le dessus du panier d'une production cinématographique souvent trop sage.

Bénéficiant d'un excellent casting français (Marion Cotillard, Didier Bourdon, Valéria Bruni-Tedeshi !! Qui aurait pu croire qu'un des Inconnus jouerait pour le metteur en scène d'Alien et Blade Runner ?) mais surtout d'une très belle histoire, ponctuée de merveilleux flash-backs où l'immense Albert Finney (Wolfen, Annie mais aussi, déjà avec Scott, Les duellistes) va initier un tout jeune Freddie Highmore au monde du vin. 

La trame est très très  classique et rappelle quelque peu celle de Hook !! Oui, car là aussi, on rencontre un adulte devenu cynique et ayant oublié tous ses rêves d'enfants et qui, au  contact de la "vraie" vie va se ré-inventer, redevenir ce qu'il fut. Et pour interpréter ce trader, Scott fit à nouveau appel à Russel Crowe, son acteur de Gladiator , qu'il retrouvera ensuite dans American Gangster, Mensonges d'état et Robin des bois ! Choix judicieux tant Crowe est capable de passer  d'un style à un autre , y compris (et surtout) dans un même film. Ici, même s'il lui faudra du temps pour retrouver son "innocence", il incarne bel et bien les deux facettes d'un homme , le superficiel et l'essentiel.

En fixant son intrigue en France (comme pour Les duellistes ou une partie de Kingdom of Heaven ou Robin des bois), Scott cherche surtout à rendre hommage à la vigne. Et quoi de mieux que notre pays. Mais , si l'on peut y voir quelques clichés, on sent qu'il aime la France et que jamais il ne cherche à la ridiculiser. Alors oui, on a un  Didier Bourdon bien râleur ou une Marion Cotillard trop belle pour n'être que serveuse - cette beauté étant sublimée par la mise en scène de Scott, toujours aussi fine - mais au final, c'est bien la France qui est à l'honneur, son terroir, ses accents, sa façon de vivre.

Une grande année est une comédie qui ne tombe jamais dans la farce - le côté "comique" va venir du décalage entre la vie londonienne de Crowe et la redécouverte des valeurs de son enfance ou des dialogues - mais au contraire qui respecte ses personnages. Ce qui n'empêche pas Scott de filmer une partie de tennis comme il filmait les duels de Duellistes ou les combats de Gladiator. On sent que le réalisateur s'amuse énormément , s'offre une belle récréation mais jamais ne met de côté "son" cinéma, à savoir un subtil mélange d'exigence (une fois de plus, la lumière et les cadrages sont à tomber par terre), de tableaux vivants et d'exploits techniques, même si  ces derniers sont ici très discrets.

En redevenant plus léger, après une série de films âcres (même Les associés comporte une part sombre et un Nicolas Cage souvent inquiétant) , il retrouve le thème de l'innocence ,comme dans Legend ou 1492. Mais à la différence de ces deux films, ici, c'est bien l'innocence qui va triompher du cynisme voir du mal. Et la plus belle scène du film voit une fillette plonger dans une piscine, la traverser et embrasser Freddie Highmore. Cette scène représente en fait la "révélation" de Une grande année et elle permet de voir l'histoire d'amour d'un oeil différent.

Echec aux USA (7 millions de dollars de recette), se remboursant à peine dans le reste du monde (35 pour un budget équivalent), Une grande année ne peut pas être considéré comme un Scott mineur. Car comme tous les films du réalisateur, il a été conçu dans l'amour du cinéma, dans la volonté d'imprimer sur pellicule les plus belles images. En offrant cette touchante histoire de rédemption au public, Ridley Scott a fait plus que se distraire entre deux monstres techniques, il a simplement ouvert son âme.

Le pitch : en cherche d'un sujet pour son nouveau roman, Herman Melville va rencontrer un vieux marin , Thomas Nickerson, dont le premier voyage sur un baleinier a été marqué par un drame : le bateau a été coulé par un cachalot blanc et son équipe a dérivé pendant des semaines avant de retrouver la terre ferme.

Ron Howard n'est jamais là où on l'attend. Après avoir décrit la rivalité entre Nikki Lauda et James Hunt et avant de retracer la carrière US des Beatles, le cinéaste s'est donc à nouveau plongé dans la réalité en soulevant un pan méconnu de la littérature américaine : la naissance de ce très grand classique qu'est Moby Dick.

Ayant lu le roman il y a des années (quand j'étais adolescent), j'étais persuadé que l'histoire était sorti de l'imagination de Melville. Ce film m'a montré le contraire. Du coup, je me suis intéressé aux origines du roman. Cette excellente page Wikipédia les résume parfaitement  ! Et effectivement, Melville a mélangé plusieurs sources pour son roman, dont le récit écrit d'Owen Chase , héros du film et interprété par Chris Hemsworth. A noter que le mousse Thomas Nickerson écrivit également le récit de son aventure, mais celui-ci ne fut découvert que dans les années 1960. 

Melville, qui fut mousse dans la marine marchande rencontra le fils d'Owen Chase qui lui remit le récit de son père.

Un tel sujet ne pouvait qu'inspirer Ron Howard. En effet, le cinéaste adore ses moments d'histoire américaine qui ne sont pas forcément les plus connus ou qui ne représentent pas toujours une réussite. Appolo 13, le duel Nixon/Frost, la vie de John Forbes, la conquête de l'Oklahoma (qui inspira également un album de Lucky Luke) ou les tournées US des Beatles, il s'est souvent plongé dans la re-création d'un petit pan de l'Amérique.

Au coeur de l'océan ne déroge pas à la règle : la reconstitution est minutieuse et les acteurs ont payé de leur personne pour illustrer le lent déclin de leur apparence suite au naufrage de l'Essex, leur amaigrissement, les brûlures du soleil... Le monde des baleiniers de 1820 est également parfaitement rendu et la chronologie du récit permet également à Howard de filmer une scène de chasse où la capture d'un cachalot est décortiqué quasiment minute par minute, y compris dans ses aspects les moins ragoûtants. 

Mais au final, la force n'est pas dans des scènes d'action époustouflantes, même si les attaques du cachalot blanc (dont l'existence autour de l'île de Mocha est attestée) sont sacrément impressionnantes ! Le format utilisé par Howard offre d'ailleurs une image plus carré que le cinémascope, ce qui lui permet de composer de superbes plans de la queue du monstrueux cachalot se dressant à la verticale devant des hommes épouvantés par sa puissance. Autre scène choc, une tempête dantesque qui, symboliquement, annonce la catastrophe à venir.

Non, la force est bel et bien dans le récit du naufrage et des actes qui s'ensuivent, notamment le cannibalisme dont se livrèrent les survivants et qui marqua toute leur vie à venir. Reprenant un thème déjà abordé dans Les Survivants de Frank Marshall, Howard en fait, de manière subtile, le point tournant du récit de Nickerson, celui qui explique que pendant des années il refusa d'en parler, y compris à sa femme et qui le fit sombrer dans l'alcoolisme. De ce voyage inaugural, le jeune mousse a connu une virée en enfer et les attaques du cachalot sont finalement moins terribles pour lui que cette obligation de manger ses ex-compagnons.

Mais le film ne se résume pas qu'à un "survival". Comme je l'ai écrit plus haut, le côté grand spectacle n'est pas oublié et Howard se fend de superbes visions maritimes, même si toutes vont dans le même sens  : l'homme est minuscule sur l'océan. Plusieurs plans montrent le bateau ou, et c'est encore plus impressionnant, les barques dans une immensité d'eau, le Pacifique sud étant un énorme désert. 

Superbes aussi ces scènes sous-marines où évoluent les cétacés. Le "look" du cachalot blanc a été très travaillé et la scène où Chase renonce finalement à le tuer , malgré tous les dégats et morts qu'il a causé, passe uniquement par la force de l'oeil du cétacé. 

Enfin, le réalisateur filme un certain nombre de ces scènes à terre à travers le verre des vitres, des bouteilles que Nickerson remplit de maquettes de bateau. Une manière de prendre une distance avec son sujet, mais également de dire que la fiction n'est qu'un reflet déformé de la réalité.

Comme toujours, Ron Howard a su réunir un casting exceptionnel : Chris Hemsworth en tête bien sûr, mais aussi Cillian Murphy, Benjamin Walker, Tom Holland... Chaque acteur donne le meilleur de soi même et Hemsworth, que l'on aurait tort de réduire au seul rôle de Thor y est aussi bon que  dans Rush. Il incarne l'âme du film, même si ce n'est pas lui qui en raconte l'histoire. Son opposition avec Benjamin Walker, qui incarne le capitaine du navire est extrêmement bien rendue et c'est finalement sur leur dernière scène commune que le Pollard va comprendre les motivations de Chase, ce qui lui donnera le courage de dire la vérité devant la commission baleinière.

Les deux heures du métrage passent sans aucun temps morts et Ron Howard a parfaitement réussi son pari. Il est donc dommage que Au coeur de l'Océan n'ait pas rencontré son public : à peine 93 millions de recettes mondiales pour un budget de 100. Et l'édition vidéo n'a pas été un triomphe non plus. Espérons juste que le temps lui offrira le succès qu'il mérite.

Le pitch : Pour faire passer sa loi interdisant l’esclavage, le président Républicain était prêt à tout, y compris à acheter des voix démocrates.

Lincoln commence par une impressionnante scène de tuerie lors de la guerre de sécession, ce conflit sanglant qui faillit briser l’Amérique entre 1861 et 1865 (et « popularisée » en France par la BD Les tuniques bleues). Et cette première scène est finalement trompeuse car Lincoln n’est en rien un biopic du président ni une histoire de cette guerre.

C’est au contraire, un film politique, où les combats sont verbaux, parfois feutrés lorsqu’ils déroulent dans une petite pièce, parfois outrés quand ils prennent place dans la chambre des représentantes des Etats Unis d’Amérique.

Et c’est sans doute cet aspect qui explique son échec en France. Car notre pays se contrefout de l’histoire américaine, pourtant passionnante. Alors passer deux heures et quelques à analyser les discussions politiques autour de l’esclavage, passer en revue les réticences y compris chez les Républicains, voir comment Lincoln achetait les voix nécessaires et voir comment le Congrès adopta finalement cette loi historique, à part les fanas d’histoire comme moi, personne en France ne s’y intéressa. D’ailleurs, le film fut tellement peu longtemps à l’affiche que je n’eus même pas le temps d’y aller. Je me suis donc rattrapé avec le Blu-Ray (superbe).

Ce qui est amusant, c’est que notre arrogance anti-américaine passe son temps à nous dire que les concitoyens d’Obama sont des ânes incultes. Sauf que ces « ânes » ont fait un triomphe à Lincoln. Pourtant, vous n’y trouverez ni bataille filmée en plan large, ni suspens insoutenable autour d’un affrontement guerrier, ni même  l’assassinat de Lincoln. Vous n’apprendrez rien sur la jeunesse du président, sur ses échecs, sur sa raison qui l’a poussé à déclarer l’esclavage illégal, provoquant la guerre la plus sanglante qui ait jamais eu lieu sur le sol américain (et qui présageait par bien des aspects le suicide européen de 1914). Le public américain si ignare n’en a pas besoin car tout cela il le connaît. Il connaît l’histoire de son président, il connaît les échecs de jeunesse de Lincoln, il sait le déroulement de la guerre, des retournements de situation, de la grandeur d’un soldat comme le général Lee.

Le public américain a donc fait un triomphe au film de Steven Spielberg. Car qui d’autre que le wonder boy du cinéma US pouvait rendre justice au génie de Lincoln. D’ailleurs on peut diviser l’œuvre de Spielberg en deux parties : l’entertainement (Jurassic Park, Minority Report, ET….) et l’histoire (Amistad, Ryan, Empire du Soleil…). Lincoln fait donc partie de cette deuxième veine, sans doute la plus riche au final. Et il trône forcément tout en haut de ce versant.

Car Spielberg sait comme personne filmer des joutes verbales, il sait pénétrer dans les pensées de ses personnages, il n’hésite pas à prendre son temps quand il le faut pour exposer chaque protagoniste. Mieux encore, et c’est ce qui a sans doute déstabilisé en France, il compte sur l’intelligence du public. Il n’explique donc pas tout, se permet des ellipses et amène doucement son histoire vers le vote de la loi. Incroyablement pédagogique pour celui qui sait écouter, Lincoln met donc tout en œuvre pour rendre hommage au président, sans cacher ses zones d’ombres. Alors, oui, on n’a pas droit à un biopic. À la limite, Abraham Lincoln chasseur de vampires vous en apprendra plus sur lui. Mais là n’est pas le propos.

Ce qui intéresse Spielberg, c’est bien ce moment où la constitution va changer, où la loi va faire un premier pas timide vers la liberté des Afro-américains. Alors, il filme calmement, presque sans lumière parfois. Les dialogues sont souvent murmurés, les personnages s’affrontent du regard, mais aucun ne peut soutenir la volonté du président. Le film est une énorme leçon politique, mais aussi une leçon magistrale de cinéma ! Et tant pis pour ceux qui voulaient du spectaculaire, de la bataille de Gettysburg en 3D ou de la charge de cavalerie.

Ces considérations politiciennes n’empêchent pas le réalisateur de donner son avis sur cette guerre. Une scène extraordinaire voit Lincoln tenter d’empêcher son fils d’aller se battre avec l’armée nordiste. Il l’emmène à l’hôpital où l’on ampute les soldats. Et c’est en voyant un monticule de jambes coupées qu’il va commencer à réfléchir. Par ce biais, Spielberg condamne sans ambiguïtés sanglantes du conflit : la lutte pour l’esclavage passait par une boucherie sans nom.

Il n’élude pas non plus les états d’âmes des soldats noirs qui certes se battaient mais qui n’avaient pas le droit de vote. Enfin, les considérations racistes de l’époque ne sont pas du tout sous-estimées, mais Spielberg ose les filmer comme « normales », reflets de la pensée du XIXe siècle. Point d’anachronisme donc, mais une réflexion très poussée sur ce qui est « juste », y compris dans la façon dont on l’exprime.

Après un Cheval de guerre dantesque, Steven Spielberg a donc rendu l’hommage qu’il recherchait depuis des années à Abraham Lincoln. Aidé par  un Daniel Day Lewis absolument incroyable et récompensé par l’Oscar le plus mérité depuis des années, Lincoln est véritablement le film  à redécouvrir en cette fin d’année. C’est une porte ouverte vers un univers bien plus vaste : l’histoire d’un pays vieux de seulement 500 ans, mais qui aura donc été toujours en avance sur le reste du monde libre !!

Strange Days

Le pitch : Ancien policier, Néro est un petit trafiquant de squid, des disques qui permettent d’enregistrer et de revivre les sensations d’un autre. Mais un jour, un disque d’une rare brutalité va le mettre devant ses responsabilités.

Kathryn Bigelow a été reconnue par ses paires avec Démineurs et a connu un succès mondial avec Zero dark Thirty. Mais avant cette doublette d’exception, il y avait eu Aux frontières de l’aube, Point Break et ….Strange Days !! Un film fleuve, produit et écrit par un James Cameron en état de grâce et dont l’impact fut d’une puissance incroyable. Problème : personne n’alla le voir (ou presque !! Votre serviteur eut la chance de le voir en salle et se rua sur le Laserdisc dès sa sortie).

Tout était fait pour que le film soit un triomphe. Ralph Fiennes venait de tourner La liste de Schindler, Cameron avait triomphé avec True Lies et Katryn était à l’apogée de la première phase de sa carrière. Ajoutez à cela un thème puissant et totalement dans l’ère du temps, une mise en scène implacable et un scénario bourré de rebondissement. Bref, le blockbusters calibré pour le succès. Mais rien ne se passa comme prévu.Strange Days s’écrasa dès son premier week-end (3,7 millions seulement) et finit sa carrière à 7,9 ! Il en avait coûté 42 ! La grande Katryn mit 7 ans pour revenir à la mise en scène (la doublette K19 – Le poids de l’eau) et il est clair que cet échec a retardé l’éclatement de son talent sur la scène mondiale.

Mais foin de chiffre ! Strange Days n’est pas seulement le meilleur film d’anticipation de ces 20 dernières années ! C’est surtout une leçon de cinéma qui vous prend à la gorge dès sa première scène (un braquage vécu en temps réel). À partir de là, le film vous aspire et ne vous lâche plus. Construit comme une poupée gigogne avec retour dans le passé, scènes hallucinantes en point de vue subjectif (dont une très éprouvante scène de viol) et atterrissage brutal dans le présent, Strange Days ne cherche jamais à faciliter la tâche du spectateur, l’estimant suffisamment intelligent pour remettre toutes les pièces du puzzle dans l’ordre.

On suit alors les mésaventures de Néro, on le voit s’enfoncer de plus en plus loin dans l’échec et chercher vainement la lumière au bout d’un tunnel cauchemardesque. Car ce qui commence comme un film de Geek va rapidement se transformer en un thriller implacable et une réflexion incroyablement poussée sur le pouvoir de l’image. Un thème gonflé dans un film de cinéma. Car ici, le squid n’est qu’un prétexte pour parler d’amour perdu, de pouvoir et de manipulation. En faisant de son héros, un looser profiteur et paresseux, Cameron brisait le moule classique qu’il avait pourtant édifié durant des années. Mais en faisant d’une femme (magnifique Angela Basset) le personnage fort du film, il renoue avec la tradition des 2 Terminators, d’Abyss ou d’Aliens. Bref, Cameron reprend ses thèmes favoris, notamment la méfiance envers l’autorité, et les entremêle avec des nouveaux. Mais cette opposition entre un homme faible et une femme forte explique sans doute l’échec du film, sans compter le choix du héros : Ralph Fiennes ne sortira de l’image du salaud ultime qu’avec Le patient anglais, un an plus tard.

Côté distribution, Strange Days bénéficie de l’interprétation très ambiguë de Juliette Lewis, à la fois Sainte Nitouche et très sexuée. Très courte vêtue, manipulatrice tout en cachant mal ses sentiments, l’actrice interprète également deux superbes chansons dans le film, parfait mélange entre mélodie tordue et son métallique brutal !! Lewis se donne à fond et est donc l’antithèse d’Angela Basset, cette dernière restant d’une fidélité sans faille à Néro. Michael Wincott joue dans son registre habituel du méchant que l’on aimera détester (même s’il se révèle au final une victime) et parvient sans souci à égaler ses performances de 1492 et The Crow. Il est amusant que les cheveux de l’acteur seront de plus en plus court au fur et à mesure que ses personnages deviennent moins « 100 % Evil » et il finira avec une coupe très courte dans Alien 4. Mais là, il est encore à fond dans le trip heavy, surtout dans cette scène où il joue de la guitare dans son immense loft !

Tom Sizemore interprète également un personnage à la moralité douteuse et lui donne une aura parfois vénéneuse.

Scénario dantesque, personnages extraordinaires, mise en scène au cordeau… À toutes ces qualités, Kathryn Bigelow ajoute un aspect très heavy metal : bande son travaillée très métal, cheveux longs et tatouages en pagailles, culture underground omniprésente… La réalisatrice prolonge son travail entamé dans Point Break en s’intéressant à ce que la société appelle des « marginaux ». Il est clair qu’elle aime cette frange parallèle et remuante de la musique. Et sa façon de filmer lui rend totalement hommage.

Bien sûr, Strange Days n’est pas seulement un film heavy metal ! C’est aussi  un sacré long-métrage d’action, avec des scènes où le talent de sa réalisatrice éclate à l’écran. Le point culminant est, bien entendu, la fiesta de l’an 2000, avec ses milliers de figurants, ses concerts à tous les coins de rue et son émeute qui s’inspire de l’affaire Rodney King. Bigelow et Cameron n’ont pas fait les choses à moitié et la tension, palpable, est le moteur final du film.

Strange Days se finit sur un plan magnifique, où Néro se décide enfin à tourner la page et avouer son amour à son « garde du corps ». Le couple s’embrasse alors que la caméra s’envole et que la foule tout entière autour d’eux danse au son de la nouvelle année. Du début à la fin, le film a tenu toutes ses promesses. Dommage que le spectateur n’ait pas eu envie de tenter l’aventure…