Matrix résurrections étant en salle depuis mercredi - je ne suis pas encore allé le voir et à mon avis, cela ne sera pas avant 2022, emploi du temps de fin d'année bien trop chargé - , l'occasion était trop tentante de faire un retour sur la trilogie originelle , quand Internet n'était pas encore omniprésent et que les soeurs Wachowski étaient deux frères.

Je l'ai revu il y a quelques jours, enchainant Reloaded et Revolutions en une soirée, 3 jours après le premier film et force est de constater que la puissance de cette trilogie est toujours là !

Au risque d'en surprendre certains, plus la série avançait, plus j'aimais les films, à la différence de pas mal de gens qui détestent Revolutions alors que c'est clairement le meilleur de la série.

Explications !

Comme beaucoup de gens, j'ai découvert le film à sa sortie en juin 1999. La plus grosse attente de cette année était La menace fantôme et l'arrivée de ce "sleeper" dont la réputation s'était faite sur sa sortie US a surpris tout le monde. Mais, je n'ai pas été entièrement convaincu lors de sa première vision. En effet, le bullet time avait été sur-vendu et je m'attendais à en voir partout alors que, au final, il n'est pas tant employé que cela. Et puis, les emprunts à d'autres films étaient tellement importants (Terminator, un énorme pan du cinéma asiatique qu'il soit en live ou en animation) que le côté "inédit" était quelque peu mensonger. Enfin, ayant découvert le traitre quasiment dès son apparition , une partie du sel de l'histoire m'avait donc échappé.

Mais, car il y a un mais, force est de reconnaitre que l'ambition du film, la scène où Néo et Trinity délivrent Morpheus, l'univers démentiel déployé et l'inventivité des effets visuels m'avaient épatés. 

Lors de sa sortie en double DVD collector, je me suis donc à nouveau laissé tenter et là, comme cela arrive souvent , j'ai bien mieux apprécié le film.

En 2003, arrive Reloaded ! J'y vais en toute confiance car j'avais hâte de voir comment les deux frères allaient faire évoluer leur univers. On nous promet un  budget démentie qui va transcender l'universl, une histoire coupée en deux totalement  folle, des révélations sur la matrice et surtout des scènes d'action époustouflantes. En bonus, la présence de Lambert Wilson et Monica Belluci ! Sans oublier, des ramifications développées dans une série de films animés sortis en DVD sous le titre Animatrix et que j'ai pu voir avant la sortie du film ! Animatrix étant démentiel, ne serait que pour l'épisode en 3D développé par Square Enix ou le double épisode racontant l'origine de la matrice, l'attente devient insupportable.

A la sortie du film, je suis partagé entre deux émotions : d'un côté les frères ont tenu leur promesse,  l'histoire est à la hauteur et parfaitement compréhensible (il faut juste faire un effort), la scène de l'autoroute vaut à elle seule le prix du ticket. De l'autre, le cliffhanger rend les 6 mois à venir très très long. Seul bémol, quelques tunnels narratifs un peu longuets et une explication sur l'élu quelque peu capillo-tractée par un "architecte" dont on comprendra mieux les intentions dans le trois.

Pourtant, sur les forums, je vois que le film a déçu bon nombre. On fustige le délire ésotérique, la scène de danse de Sion (un peu ridicule, il est vrai), une "inutile" complexité de l'histoire alors que le premier film était plus linéaire et un brouillage des cartes "malvenu".

Ceci explique que Revolutions attirera moitié moins de monde dans les salles, comme si 50% du public se foutait totalement de savoir pourquoi Néo arrêtait une sentinelle dans le monde réel.

La vision de Revolutions à nouveau en salle bien sûr balaye toutes les maigres réticences. Avec ce 3e opus, en fait la 2e partie d'une séquelle, les frères signent un chef d'oeuvre absolu et une fois débarrassés des programmes de la matrice (L'homme du train, le Mérovingien) qui alourdissaient quelque peu l'histoire, nous livre une conclusion dantesque. 

La bataille de Sion ? du jamais vu visuellement !

Le destin tragique de Trinity ? J'en avais les larmes aux yeux !

Néo devant le vrai maitre de la matrice, dont le visage est constitué de milliers de sentinelles ? Une scène hallucinante , d'une inventivité totalement folle !

Le combat final entre Néo et Smith ? Osez dire que vous n'avez pas eu des frissons !!

Les dernières scènes entre l'oracle et l'architecte, puis la petite Sati qui pense que l'on reverra Néo ? Rarement une histoire ne s'est conclue sur une aussi belle note !

Cerise sur le gâteau, le générique final est magnifié par ce mélange techno/musique tribale - au  passage , toute l'OST des 3 films est démentielle, y compris les chansons que l'on n'entend à peine (Rob Zombie, Rage against the Machine et j'en passe .

Bref, je ressors de la salle le sourire aux lèvres et je ne comprendrais pas le déluge de critique qui va s'abattre sur le film ! On vous offre une conclusion cataclysmique , porté par un visuel de dingue, un film qui ose sacrifier ses personnages principaux, faire réfléchir sur le sens de nos vies et porté par l'amour des deux héros, et ça fait la fine bouche ? Mais allez vous faire voir !

Commencée comme un film de SF ambitieux mais quelque peu convenu, Matrix s'achève donc comme l'un des meilleurs spectacle de tous les temps. Et l'ayant revu à de multiples reprises, appréciant à chaque vision des références que je n'avais pas vues la première fois - les films sont bien trop riches - je ne peux qu'être à la fois impatient et inquiet dans l'attente de la ce 4e épisode !

Mais faisant partie de ceux qui estiment que Cloud Atlas est un fabuleux patchwork, que Speed Racer est un vrai délire de geek et un hommage au manga réussi, que Jupiter , le destin de l'univers possède une ambition folle, je me dis que, même su Ressurections n'est pas la réussite espérée, il y aura toujours ces passages qui montreront que celle que l'on appelle désormais Lana possède encore ce don unique de faire voyager le spectateur !!

Le pitch : alors qu'il enquête sur un crime en Alaska, Will Dormer, un inspecteur de police chevronné abat, par accident, son coéquipier. Mais le tir a un témoin : le criminel qu'il cherchait justement à arrêter.

Avant de s'emparer du Caped Crusader en 2005 avec Batman Begins, Christopher Nolan s'était fait un nom dans le thriller, tout d'abord avec Mémento puis avec Insomnia, remake US d'un film finlandais. Steven Soderbergh , producteur, avait eu du mal à imposer Nolan auprès de la Warner, qui espérait un réalisateur plus "aguerri" mais l'auteur de Ocean's Eleven tint bon. Bien lui en a pris car on peut penser que c'est bien Insomnia qui a totalement lancé la carrière de Nolan et le début de sa collaboration avec la Warner ! 

Pour cette nouvelle incursion dans le thriller , il s'offre un casting royal avec Al Pacino , Robin Williams (prodigieux dans un contre emploi implacable), Hillary Swank et Maura Terney (connue pour son merveilleux rôle d'infirmière dans la série Urgences), des décors naturels somptueux (l'Alaska en pleine période où le soleil ne se couche pas) et, évidemment, d'un scénario qui, même en abattant rapidement ses cartes , promène le spectateur d'un bout à l'autre de l'histoire. Les 46 millions de budget sont judicieusement employés et sont à l'écran, comme toujours chez lui !

En 2002, Nolan n'a encore pas les moyens dont il bénéficiera à partir de Batman, mais son cinéma est déjà fait pour le grand écran. Utilisant l'image pour raconter son histoire, même si elle n'est pas de lui, il s'attarde sur les visages, celui blafard et épuisé de Pacino , celui plus troublant et machiavélique de Williams, enfin celui de Hillary Swank qui, petit à petit, va passer de l'admiration envers Dormer, inspecteur qu'elle admire, à un sentiment bien plus trouble, surtout quand elle va comprendre la vérité. Et quand la machine s'accélère comme dans cette course poursuite qui va se terminer sur des troncs flottants, là aussi, la virtuosité de l'auteur d'Interstellar ou Tenet était déjà là.  Certes, ces moments sont rares - seul le duel final entre les deux hommes peut être qualifié de "spectaculaire" - mais c'est surtout l'affrontement psychologique entre deux personnages pas si éloigné que cela qui fait le sel de l'histoire. Et au milieu, tenace, la femme flic qui, comme lui a appris son mentor, fait des "petites" enquêtes, convaincue que quelque chose ne va pas.

En adaptant une histoire européenne, Nolan ne se contente pas de l'américaniser, même si le cadre de l'Alaska participe totalement à l'histoire, il en fait surtout un cauchemar halluciné où les apparences sont tellement trompeuses. La voie sans issue où s'enlise Al Pacino et où Robin Williams le maintient, anticipant toutes les erreurs à venir de l'inspecteur. Et même si la morale finira par l'emporter, il faudra attendre les dernières secondes pour que les différents protagonistes de cette terrible histoire règlent leur compte, non sans que l'on ait cru qu'ils allaient vraiment plonger dans le pire.

Thriller majuscule, ténébreux, dur sur ses personnages - Maura Terney a cette terrible phrase "L'Alaska on y vit parce qu'on y est né, ou parce qu'on y est venu pour fuir quelque chose" - Insomnia porte en lui tout le cinéma à venir de Nolan : les faux semblants, les errances entre le bien et le mal, les décors naturels, la duplicité de certains mais aussi la lumineuse innocence qui refuse de se laisser corrompre ! 

Revoir Insomnia presque 20 ans après sa sortie - je l'avais découvert en DVD en 2005 - permet donc de voir un cinéaste en gestation. Le dire semble une évidence, mais à l'époque, qui pensait vraiment qu'il révolutionnerait le cinéma de manière aussi importante ?

Le pitch : à la veille des jeux olympiques de Paris de 1924, le parcours de deux athlètes anglais , chacun courant pour des raisons bien personnelles.  

Malgré son statut de (très) grand classique, je n'avais jamais vu Les chariots de feu dans son intégralité, juste des extraits et bien entendu la scène magnifiée par la musique de Vangélis. Ayant trouvé le DVD lors d'un vide grenier à un prix défiant toute concurrence , il était temps de réparer cet état de fait.

Le film n'est pas, comme on pourrait le croire, une histoire de rivalité totale entre deux coureurs , vu que les deux protagonistes du film ne participeront pas à la même épreuve lors des JO, mais un parcours croisé.

D'un côté, Harold Abrams , un jeune juif étudiant à Cambrigde et qui entend lutterr par ses qualités athlétiques contre les préjugés antisémites.

De l'autre, Eric Liddell, champion de rugby écossais et fervent catholique qui court pour la gloire de Dieu.

Les deux personnages visent donc le même but, ont la même ambition et iront au bout de leur destin, quitte à mettre en péril leur vie privée. Mais surtout, ils ne renieront pas leurs convictions : ainsi Liddell refuse de courir le 100 m à Paris car les éliminatoires ont lieu le dimanche. Or , pour lui, le dimanche est consacré à l'église, pas au sport. Il participera alors au 400m.

Quand à Abrams, il refuse de se séparer de son entraîneur italien, magistralement joué par Ian Holm (Alien, Brazil, Greystoke , Le 5e élément et j'en passe) au grand dam des doyens de Cambridge. Ceux-ci retourneront d'ailleurs leur veste après la victoire du jeune juif.

Pour son premier film, Hugh Hudson (qui réalisera Greystoke 3 ans plus tard puis en 2000 Je rêvais de l'Afrique) avait opté pour une réalisation audacieuse, usant de ralentis lors des courses, parfois avec plusieurs points de vue et utilisant la musique électronique de Vangélis pour sublimer les scènes les plus importantes. Il ne s'embarrasse que peu de scènes d'exposition et s'intéresse surtout à ce que pensent ses personnages., y compris les secondaires, les autres athlètes qui entourent les héros.  39 après sa sortie, cette mise en scène peut faire sourire, mais elle n'en reste pas moins très belle, collant parfaitement à son sujet et surtout elle amène le film dans une dimension rarement atteinte pour un film "sportif".

Mettant en place une époque totalement disparue (les fameuses "Années folles" qui ont suivi la 1ere guerre mondiale , où l'Europe tentait d'oublier dans l'insouciance l'atroce conflit qui l'avait défigurée) , la reconstitution est parfaite, le souci du détail indéniable, surtout à une époque où le numérique n'existait pas. Chaque décor, chaque costume, chaque lieu respire les années 20 et les scènes en extérieur, d'une luminosité parfaite, rajoute encore  à la beauté du film.

 Le film se pose également en un affrontement entre l'Europe et les USA. Les athlètes américains sont présentés comme les meilleurs et pourtant, ils seront battus dans deux des épreuves reines. A sa manière, le métrage montre ce baroud d'honneur entre une Europe qui ne s'avoue pas vaincue face à la montée en puissance de l'Amérique, une Angleterre quelque peu avide de revanche sur son ancienne colonie. Mais au final, ce triomphe sera de courte durée : 16 ans plus tard, la seconde guerre mondiale ravagera à nouveau l'Europe et l'Amérique en sortira vainqueur.

Bien entendu, Les chariots de feu propose un point de vue sur une histoire, et Hugh Hudson a pris quelques libertés . Ainsi Eric Liddell savait depuis plusieurs mois que les épreuves éliminatoires auraient lieu un dimanche et s'entraîna donc également pour le 400m. Dans le film, il l'apprend sur le bateau qui emmène l'équipe d'Angleterre en France.  Autre point, ce n'est pas un athlète américain qui lui donnera un billet le soutenant dans ses convictions religieuses le jour de la course, mais un masseur.

Mais tout ceci n'est que détail et de toutes façons aucun film historique ne représente la vérité : Les chariots de feu mérite sa réputation, son aura, ses récompenses (4 Oscars, dont meilleur film et musique, 1 Batfa, 2 Golden Globes) et son titre de très très grand film.

Si comme moi , vous ne l'aviez jamais vu, n'hésitez donc pas une seule seconde !!

Le pitch : Woody a été volé par un collectionneur peu scrupuleux lors d'un vide grenier, Buzz va alors entreprendre une mission de sauvetage pour le récupérer avec les autres jouets d'Andy. Mais tout va se compliquer quand Woody va apprendre qu'il fut un jouet célèbre dans les années 50.

5 ans après le premier opus, la donne a changé pour Pixar. 1001 pattes a permis de confirmer que le succès de Toy Story n'était pas un hasard et Disney a donné bien de moyen pour cette suite, qui, au départ, n'était qu'un Direct to Video. Concurrencée par Dreamworks avec Le prince d'Egypte et FourmiZ, la firme de Burbanks décide donc de se lancer à fond dans ce nouveau médium et Toy Story 2 devra en être une étincelante affiche, avant les sorties déjà prévues de Monstres et Cie, Némo et Les Indestructibles qui vont forger la légende de Pixar.

Toy Story 2 aurait pu prendre la formule du 1er à savoir une bonne dose de buddy movie, mais Pixar n'est pas du genre à surfer sur des formules. Mine de rien, toutes les suites qu'elle a faites sont très différentes les unes des autres. Même Le monde de Dory, qui en apparence suit le même schéma que Némo, présente en fait une histoire qui n'a pas tant de chose à voir. Et que dire de la trilogie Cars, où chaque film se focalise sur un personnage différent. Bref, Toy Story 2 ne sera pas un remake du premier.

En inversant les rôles (Woody devient un jouet de collection, Buzz devient un jouet comme les autres) et en séparant les deux protagonistes au début du film, l'histoire prend donc un chemin détourné, permettant un parallèle entre les deux groupes de personnages. L'idée de donner une "famille" à Woody avec Jessie, le cheval Pile-Poil et le chercheur d'or permet d'étendre l'univers des jouets mais aussi de donner un sacré bol d'air à la franchise.  La réflexion sur les enfants qui grandissent et qui abandonnent leurs jouets sera à la base de Toy Story 3, preuve que Pixar voit plus loin que les autres studios. En axant un discours adulte dans un dessin animé à priori destiné aux enfants, Pixar gagne sur les deux tableaux, mais à la différence de Dreamworks avec Shrek, elle le fait sans aucun cynisme. 

S'ouvrir à de nouveaux décors, sortir les jouets dans la rue, introduire de nouveaux personnages et créer des humains moins stylisés que lors du premier film, les challenges ne manquaient pas. Et l'on peut voir que la loi stipulant que l'informatique double sa puissance tous les 18 mois se vérifie ! Toy Story 2 est un bon en avant énorme d'un point de vue technique, que cela soit au niveau de l'animation, de l'éclairage, des décors, des mouvements de caméra, des textures  et du photo-réalisme. La séquence d'ouverture , avec Buzz pris dans une mission vers une planète inconnue (et qui s'avère être en fait un jeu vidéo) donne d'entrée le ton. Cette séquelle sera celle du Toujours plus. Les outils sont plus performants, les techniciens plus nombreux et mieux rodés. Mais chez Pixar, justement, la technique est un outil, pas une fin en soi. Seul compte vraiment l'histoire , elle est le moteur du studio. Sans elle, un film n'a pas d'âme.

Cependant, le studio n'oublie pas les fondamentaux du premier film : il faut de l'action (il va y en avoir), des retournements de situation (le traitre qui se dévoile dans le dernier quart du film), de l'émotion (Jessie qui explique pourquoi elle n'aime plus les enfants, sa situation étant finalement un miroir de ce qu'a failli subir Woody dans le premier film) et de l'humour. En boostant les personnages secondaires comme Mr Patate ou le dinosaure, en rajoutant un 2e Buzz l'éclair (et son père) et en multipliant les gags, le film fait le job également de ce côté. Toy Story 2 est une vraie comédie d'action, avec des scènes d'anthologie à tous les niveaux. Les dialogues sont toujours aussi percutants et ciselés, d'autant plus que tout le casting vocal, Hanks et Allen en tête, est de retour.

Si on ajoute certaines scènes bien flippantes (le cauchemar de Woody), l'apparition d'un personnage issu des court-métrages Pixar, un générique de fin hilarant avec son faux bêtisier, Toy Story 2 surpasse l'original, rejoignant donc la courte liste des séquelles meilleures que le premier opus. Et quand on sait que cette perfection sera encore dépassée par le 3, il est évident que Pixar fait plus que le job : il tire toute l'animation vers le haut !

Le pitch : l'arrivée d'un bateau abandonné  à New York va entraîner un reporter et la fille du propriétaire du navire dans un cauchemar sans non sur une petite île des Caraïbes où une étrange malédiction fait se relever les morts.

Les années 70 ont vu l'émergence d'un nouveau type de film d'épouvante, bien plus sanglant et misant sur une atmosphère poisseuse, à la limite du supportable voire très engagée politiquement.

Le point d'orgue fut évidement Dawn of the Dead, exploité chez nous sous le titre Zombie, de Georges Romero. Et ce coup de maître qui alliait une critique féroce de la société de consommation, une description quasi clinique de la fin du monde et des moments dignes des comédies les plus folles (la fameuse scène de la tarte à la crème dans le centre commercial) a forcément  lancé une horde d'imitateurs .

Lucio Fulci fut sans doute le plus zélé des réalisateurs qui se sont inspirés de Romero. Et son Enfer des zombies, exploités sous le titre de Zombie 2 Italie (alors qu'il est censé en être une prédelle) est un "merveilleux" exemple de ce qu'il pouvait faire quand on ne lui laissait aucune limite et aucune censure.

Tourné à New York et dans les Caraïbes en langue italienne avec un casting anglo-saxon dont la soeur de Mia Farrow, L'enfer des Zombies ne s'embarrasse pas d'une histoire complexe. Le prétexte pour envoyer nos héros sur l'île maudite est assez mince et l'explication de la résurrection des morts est à la fois alambiquée (le vaudou y est cité) et quasiment absente. Mais là n'est pas l'important.

En perte de vitesse dans sa carrière, Lucio Fulci avait besoin d'un succès pour  se relancer. Et comme souvent en Italie, quoi de mieux que de s'inspirer de ce qui marche à l'étranger. Si les années 80 ont vu des ersatz de Mad Max transpalpins déferler sur les écrans, en cette fin 70, ce sont les zombies qui ont la côte.

Mais comme Fulci n'est pas un pitre, mais un professionnel chevronné, ce qui se remarque à la nouvelle vision de ce film, invisible depuis des décennies, sauf pour ceux qui l'avaient découvert en VHS (c'est mon cas), c'est la façon dont il est filmé, cadré et éclairé. Rien à voir avec des bandes filmées à la va vite, mais au contraire, une impression de professionnalisme sans faille. Alors bien sûr, vous ne trouverez pas de caméras sur trapèze ou des scènes composites mélangeant CGI, fond vert et acteurs réels, mais un solide travail d'artisan, magnifié par des maquillages gores exceptionnels qui valu au film une nomination aux Saturn Awards. C'est du solide, c'est kraspec à souhait et l'amateur éclairé ne pourra que se réjouir de cette déferlante de violence dans sa dernière partie.

L'enfer des zombies reprend les codes du chef d'oeuvre de Roméro. Les morts vivants sont lents, marchent sans but apparent, leur point faible reste la tête et les humains leur nourriture favorite. Chaque infecté s'il n'est pas dévoré rejoint quelques heures plus tard la horde sanglante dont l'intelligence n'est pas l'apanage premier.

Mais à la différence de Roméro, qui voyait dans ses films une critique cinglante de l'Amérique (les zombies renvoient clairement à tous les exclus des USA en cette décennie : SDF, immigrés clandestins, minorités...), Fulci préfère un autre terrain : celui de l'horreur pure et dure. Cela commence par une agression brutale sur un bateau au large de New York, puis une scène délirante où un zombie dévore un requin avant de s'achever dans un cimetière où les morts émergent lentement du sable avant de lancer sur les deux couples coupables de s'être arrêté se reposer un instant. La musique synthétique (très datée, mais on s'en tape) se marie de manière intense avec le rythme lancinant de la scène, s'arrêtant au moment où l'un des morts arrache la gorge d'une des héroïnes, avec moult jets de sang !

Avant cela, nous avons eu droit à la scène la plus atroce du film avec cette femme lentement forcée à voir une écharde s'enfoncer dans son oeil ! Lucio Fulci ne cache rien et ces scènes franchement gerbantes vaudront au film de féroces coups de ciseaux de la censure dans plusieurs pays.

Cependant, le réalisateur italien ne peut pas éviter quelques scènes purement gratuites ! Ainsi, l'une des deux héroïnes a-t-elle vraiment besoin de faire de la plongée seins nus ? Et la femme qui va se prendre une écharde dans l'oeil a eu le temps de prendre une douche qui ne laisse rien cacher de son anatomie. Mais bon, on est dans les seventies...

Ce bémol mis à part, L'enfer des zombies reste conforme à mon souvenir : un film d'horreur bien déviant, flippant, sans concession et tellement ancré dans son époque que l'on comprend immédiatement pourquoi il est devenu culte ! La scène finale qui voit les morts marcher sur le pont de Brooklyn fait donc le lien avec le Zombie de Romero !

Cerise sur le gâteau, la copie Blu-ray est superbe, le livre qui l'accompagne fascinant et le digipack franchement beau ! On espère que les autres films du Maestro, à savoir Frayeurs et L'au-delà, tout aussi géniaux bénéficieront du même traitement !