Le pitch : destitué du commandement de l’Enterprise, suite à une manœuvre très osée, Kirk doit faire face à la menace d’un homme qui a juré la destruction de Starfleet.

La renaissance de Star Trek en 2009 avait été une des belles surprises de l’année. JJ Abrams avait pris tout le monde à contre-pied et s’était servi des paradoxes temporels pour rajeunir et relancer la franchise. Le film avait alors obtenu les plus grosses recettes de la série.

Après un passage par la case nostalgie avec le magnifique Super 8, JJ Abrams continue donc son travail sur Star Trek, une série dont il était nullement fan, rappelons-le, et il le fait en douceur, amenant tranquillement les protagonistes vers ceux qui les amateurs connaissent depuis les années 60.

Ainsi, s’il continue à présenter Kirk comme une tête brûlée, son évolution dans le film va lui donner un plus grand sens des responsabilités. De même, Spock va également perdre de sa rigidité. Il est clair que si JJ n’avait pas été appelé sur Star Wars, le 3^e film aurait montré le duo quasiment tel qu’on l’a vu dans les séries originales.

C’est là la principale réussite du film : ne pas faire fi du passé et se servir du présent pour préparer le futur. De ce point de vue, la psychologie interne des personnages est indéniablement exceptionnelle et rappelle que le créateur de Star Trek voulait autant explorer l’espace que les sentiments humains.

Mais Abrams n’oublie pas que ce qui a fait le succès de son premier Star Trek, c’est le fait de regarder du côté de Star Wars. En y incluant des thèmes très actuels comme le terrorisme, la vengeance et la tentative de militarisation de la société, le scénario renouvelle totalement l’approche de la série. Et même si, et c’est le gros point noir, les motivations de Khan sont un peu floues et que son potentiel en tant que méchant sont sous-exploitées, le film n’oublie donc jamais les leçons de son prédécesseur : l’action doit aller vite, les personnages doivent se mettre en danger et le film doit en mettre plein la vue. En y incluant des idées inédites, comme cette attaque alors que l’Enterprise est en pleine distorsion ou en renouvelant le look des Klingons, JJ continue donc à imposer sa patte sur une série en pleine renaissance. Et les recettes mondiales suivent puisque Into Darkness a rapporté encore plus son que son prédécesseur.

Cependant, il serait idiot de résumer le film à un simple rollercoaster. Comme dit dans l’introduction de cette chronique, Into Darkness est un film à tiroir : un film d’action mâtiné de SF, mais qui cache en fait une réflexion sur notre société actuelle : peut-on tout accepter pour contrer le terrorisme ? Peut-t-on tuer des innocents pour assouvir une vengeance ? Et ces thèmes, Kirk devra les affronter ! Ivre de colère après la mort de son mentor, il finira par accepter le fait que Khan soit jugé. Ce faisant il remporte une grande victoire sur lui-même.

Spectaculaire, le film n’est pas la symphonie de destruction que laisser présager les affiches ou la bande-annonce. Les dégâts se feront plus dans les cœurs et les âmes des personnages, ce qui n’empêchera pas Starfleet de passer un sale quart d’heure.

Enfin, JJ n’hésite pas à glisser un savoureux clin d’œil quand le vieux Spock (hé oui, il est présent) évoque le sacrifice qu’il a fallu faire pour le battre la première fois. Comme quoi, on peut révolutionner une série tout en la respectant !

Le pitch : un jeune veuf décide de refaire sa vie en achetant un zoo.

Le cinéma de Cameron Crowe est un cinéma délicat et rare (6 films en 20 ans !) Nouveau départ ne déroge pas à la règle et il tutoie souvent le sublime, rejoignant Jerry Maguire et Singles dans le panthéon du cinéaste.

Disons-le de suite, si vous cherchez une comédie romantique, un film d’action ou même un film comique, passez votre chemin. À la manière des Capra de la grande époque, Nouveau départ respire l’optimisme sans jamais tomber dans la mièvrerie. Et la caution « Histoire vraie » ne trompe personne : c’est bel et bien un conte que propose Cameron Crowe, servi par un Matt Damon et une Scarlett Johansson tout en finesse. Bien entendu, ce cinéma n’est pas un cinéma pour cyniques. Il n’est pas fait non plus pour ceux qui aiment tourner les autres en dérision. Ici, les personnages les plus improbables ne sont jamais ridicules, les situations parfois rocambolesques ne sont pas montées artificiellement en épingle et la trame de l’histoire, linéaire, simple, ne se permet pas démagogie.

Si le duo d’acteur est formidable, les deux enfants ne sont pas en reste. La petite fille qui joue le rôle de Rosie est désarmante de naturel. Et l’ado qui joue Dylan, son frère l’interprète avec une subtilité rare les fragilités de cette période charnière de la vie. Si on y ajoute Elle Fanning, tout aussi merveilleuse que dans Super 8, c’est bel et bien l’humanité qui intéresse Crowe. La dernière phrase du film en est même l’aveu.

Au delà de l’aventure humaine que vécut le vrai Benjamin Mee en achetant ce zoo, c’est surtout la réflexion sur le veuvage qui a dû attirer Cameron Crowe. Son héros est un homme qui a du chagrin, mais qui refuse d’endosser la pitié dans le regard des autres. Sa fuite en avant, dans laquelle il va entraîner sa famille, est surtout un combat pour ne plus dépendre de ce passé. À cet égard, la romance qui va s’installer entre lui et la chef gardienne (et qui ne trouvera son dénouement qu’à la toute fin du film) en est presque anecdotique. Le véritable tournant du film intervient quand il va devoir accepter de faire abréger les souffrances d’un vieux tigre. Devant revivre l’agonie de son épouse, il va enfin accepter la mort de celle qu’il a aimée dès le premier jour. Et c’est à ce moment qu’il va comprendre son fils, renouer des liens détruits. Cameron nous parle de la vie à travers la renaissance d’un zoo, les épreuves, les contrôles tatillons, les obstacles financiers… Sa mise en scène n’est jamais grandiloquente. Elle est à hauteur des personnages et de l’histoire. Et même s’il se permet quelques éléments oniriques, jamais il ne trahit la nature même du film : parler de l’humanité qui se cache en chacun de ses personnages.

Et parallèlement à la renaissance du père, on assiste en filigrane à la naissance du fils et à son amour naissant pour Elle Fanning. Un travail tout en douceur également, fait de regards, de non-dits, de quelques paroles échangées. Mais en mettant en parallèle la déclaration de Dylan et l’éblouissement du père quand il rencontre sa future femme, Cameron Crowe met alors en scène la naissance de deux amours, la promesse de deux belles histoires.

Nouveau départ est un film d’un humanisme poignant qui ne rencontra guère de succès en dehors des USA, hélas. Le découvrir en vidéo est la meilleure chose qui puisse lui arriver car, c’est lentement, tranquillement qu’il va développer sa puissance. Et les dernières images effacées, on ressort serein, calme et optimiste. C’est peut-être cela qu’on appelle la puissance du cinéma.

Le pitch : 10 ans après avoir tué le Kraken, Persée doit reprendre du service suite à la trahison d'Arès qui veut libérer le titan Kronos, père de tous les dieux.

Le remake du choc des Titans avait été une excellente surprise en 2010. Non seulement, le film respectait bien l'original, avec de savoureux clins d'oeil, et sa qualité technique était de très haute tenue, si l'on met de côté une vilaine 3D ajoutée à la va-vite pour profiter du succès d'Avatar. Du coup, l'annonce de la séquelle avait de quoi réjouir les amateurs de cinéma pop-corn, d'autant que tout le casting de départ rempilait.

Je l'avoue, après avoir regardé le film en Blu-ray, je suis un peu déçu. Non pas que le film soit mauvais, loin de là. C'est même un excellent spectacle, distrayant, sacrément bien fait (Kronos reprend quelque peu le concept du Balrog mais en le poussant à l'extrême) et bien interprété.

En fait, le soucis vient de l'histoire, bien trop linéaire et prévisible et de son manque d'ampleur. Si les Dieux semblaient puissants dans le premier film, ici, ils ont une envergure bien moindre. Alors certes, le script nous fait bien comprendre que les hommes étant moins "croyants", leur pouvoir ont fortement diminué. Mais là où Le choc des Titans proposait des décors majestueux, des scènes à couper le soufle, ici, on a la nette impression que l'ampleur est moindre. Pourtant le budget est tout aussi imposant (150 millions de dollars). En fait, cette impression vient d'un ralentissement perceptible de l'action à la moitié du film, quand Persée et ses compagnons doivent aller chercher Héphaïstos, dieu déchu, afin de forger une arme succeptible de tuer Kronos. On a certes droit à de superbes cyclopes et à de belles images d'une île boisée à souhait, on s'ennuit un peu.

C'est d'autant plus dommage que le film démarrait très fort, avec la trahison d'Arès, la lutte de Persée contre un chien à deux têtes et le conflit grandissant entre sa volonté protéger à la fois son fils et d'aider son père. Une introduction de très haute volée. Puis l'histoire se déplace du côté de la reine Andromède et l'arrivée d'un nouveau personnage, Agénor, dont le potentiel "comique" est plutôt horripilant ! Et le film ralentit sérieusement, on a même droit à l'évocation de péripéties qui auraient sans doute clouer le spectateur au fauteuil, mais dont nous n'aurons qu'un écho vocal (la lutte de l'armée d'Andromède contre des chimères) et ses conséquences : l'armée a subi des pertes, mais nous n'en verrons rien.

En fait, quand on sait que Jonathan Libesman est derrière la caméra, on comprend mieux ce parti-pris. Si l'évocation, le côté furtif, les images ultra-rapides et le côté "reportage" fonctionnaient à merveille dans World Invasion : Battle Los Angelès, ici, on aurait voulu vraiment voir de l'action du début à la fin, une sorte de roller coaster sans fin où chaque scène surpasse l'autre.

Heureusement, le dernier tiers du film justifie la vision. La descente aux enfers, le labyrinthe changeant sans cesse de forme, la lutte entre Arès et Persée, l'attaque de Kronos, la réconciilation d'Hadès et de Zeus et enfin la victoire finale offrent enfin cette sensation de "toujours plus" que nous adorons dans ce type de film ! On retrouve la folie du premier film, des effets visuels de très haute volée et une sensation de danger absente de la première heure. 

Soyons honnête, sans être un chef d'oeuvre, La colère des Titans permet de passer un bon moment. Mais il ne restera pas dans la mémoire collective. C'est d'autant plus dommage que la fin laisse entrevoir une deuxième séquelle. Les 301 millions de dollars récoltés au cinéma ne seront peut-être pas forcément suffisants pour que Persée continue à défier les Dieux.

Le pitch : L'enterrement d'une vie de garçon à Las Vegas tourne au désastre...

Petite séance de rattrapage pour cette comédie fort bien troussée, que je n'avais pas encore eu le temps de voir. C'est désormais chose faite et je ne regrette pas de mettre laisser tenter par le disque.

L'idée géniale du film est de mettre le spectateur dans la peau des 3 personnages principaux, 3 beaufs qui n'ont pas vraiment l'impression de l'être. Entre un beau-frère que l'on soupçonne d'être gravement atteint sur le plan perversion sexuel, un prof irresponsable et un dentiste tyranisé par sa "fiancée", le futur marié n'a pas vraiment choisi le trio idéal pour passer une soirée pyramide, mais tout à fait dans les cordes pour délirer jusqu'au bout de la nuit.

Seul problème : le trio ne se souvient de rien le lendemain d'une java pas possible, le marié a disparu et le spectateur va donc être le témoin privilégié de la reconstruction des dernières 12 heures... Bien sur, il y a des indices : un bébé dans le placard, un tigre dans la salle de bain, une dent arrachée, un chinois à poil dans le coffre de la voiture... Tout indique que la java a été monstrueuse et le trio va donc remonter le fil des évènements afin de savoir où est passé le marié car, mine de rien, il se marie le lendemain...

C'est avec ce rebrousse-temps que se construit le film. Comme dans un jeu vidéo, le trio reconstitue la nuit, trouve un élément qui les emnène à un autre, revoie des personnages déjà rencontrés la fameuse nuit (le dentiste se découvre ainsi...marié), mais chaque découverte apporte son lot d'épreuve, parfois douloureuses (la visite de Mike Tyson) mais toujours hilarantes. Car à chaque fois, on pense que l'histoire a touché le fond de l'absurde, mais les scénaristes continuent en fait de creuser. 

Si on y ajoute des dialogues tout aussi salés que drôles, Very Bad Trip est calibré pour faire marrer le plus grand nombre (on évitera quand même de montrer le film aux enfants) d'autant que les seconds rôles sont aussi déjantés que le trio principal. Je retiens juste dans la "normalité", la belle Heather Graham (vue dans Austin Powers 2 et Perdu dans l'espace) qui joue ici une stripteaseuse tout ce qu'il y a de plus normale (et qui dévoile sans complexe sa poitrine pour donner le sein à son enfant)...

Very Bad Trip mérite donc tout à fait son succès mondial ! Reste à voir désormais si le 2e volet est à la hauteur.

Le pitch : Steve Rogers est un ardent patriote. Mais sa faible constitution l’empêche de se faire enrôler dans l’armée américaine et aller se battre en Europe. Tandis qu’un mystérieux nazi du nom de Crâne Rouge tente de contrôler la puissance d’un cube cosmique, Rogers accepte de subir une expérience qui doit le transformer en super soldat.

Comics culte depuis les années 40, Captain America a souvent été présenté au cinéma ou à la télévision de manière totalement ridicule. Le pari était donc risqué pour Marvel Studio car il s’agissait de faire oublier les ratés du passé et ne pas tomber dans la ringardise qui est parfois attaché au personnage tout en préparant le futur film des Avengers. Il fallait également tenir compte de 70 ans de Comics, où Steve Rogers a toujours représenté l’Amérique dans ses aspects patriotiques, même si récemment il a effectué un éloignement vis à vis de la politique sécuritaire du crossover Civil War.

L’idée a donc de placer le Captain dans le contexte qui l’a vu naître, la IIe guerre mondiale et de faire du film un film de guerre. Bien entendu, le contexte fantastique n’est pas oublié avec Crâne Rouge, le cube cosmique et tout un ensemble de machine à la fois rétro et très technologique, le tout servi par d’excellents effets visuels.

Joe Johnston (Jurassic Park III, Chérie j’ai rétréci les gosses) connaît bien le monde des super-héros et des années 30-40, ayant déjà réalisé brillamment Rockeeter. Il retrouve donc un univers qu’il maîtrise. Le fait d’avoir travaillé longtemps chez ILM lui permet aussi de ne pas se laisser intimider par des effets spéciaux très présents même si l’on est dans un film « historique ».

L’autre écueil était de ne pas faire du personnage une icône trop américaine sans trahir le comics. Car à cette époque de mondialisation, un film se doit de marcher sur toute la planète et l’on sait que les valeurs patriotiques américaines ne sont pas forcément admises partout. Le scénario le prend en compte et ne fait pas de Captain America un super combattant tout de suite. Au contraire, il passe le premier tiers du film dans la peau d’un type malingre mais volontaire, puis dans le deuxième acte, il devient une sorte de personnage de propagande au service de l’armée. Mais il ne se bat pas, il est juste un acteur musculeux et l’essence même du programme « super soldat »est trahi, au grand dam des vrais soldats. Et ce n’est que dans le 3e acte, quand il doit aller sauver son ami Bucky (une différence majeure avec la BD, puisque Bucky y est son sidekicks plus jeune que lui) qu’il deviendra vraiment le héros de toute une nation.

Cette division en trois parties et la montée en puissance progressive du personnage vers l’icône permet donc d’éviter un pur film de propagande. De plus, situer l’histoire en pleine guerre mondiale et en Europe, ce qui permet d’éviter les polémiques sur les guerres actuelles de l’Amérique, est une vraie bonne idée. Elle empêche une redite par rapport aux autres films Marvel (tout comme Thor qui introduisait un univers différent de Iron Man et Hulk) et montre la richesse de la Maison des idées.

Il fallait un acteur puissant pour incarner Steve Rogers et, à la différence de Thor, incarné par un inconnu du grand public, Joe Johnston est allé chercher Chris Evans que l’on avait déjà vu dans le rôle de la Torche dans les sympathiques mais mineurs Fantastique Four. Là aussi, une petite prise de risque car Evans était déjà « typé » dans un autre rôle de héros. Mais comme il démarre le film avec un physique ingrat et que le FF n’ont pas trop marqué les mémoires, on adhère vite à cette idée. De plus, bien dirigée ici et ayant à sa disposition un bon scénario, l’acteur fait parfaitement illusion.

Dans le rôle du méchant, Hugo Weaving est un excellent Crâne rouge et donne toute sa démesure au créateur de l’Hydra, cette organisation qui va traverser les âges. Johnston n’abat pas tout de suite ses cartes et il faut attendre environ une heure pour voir apparaître son vrai visage.

On a également la bonne surprise de retrouver Tommy Lee Jones dans un rôle bien sympathique de général bourru (mais au grand cœur, dans la tradition des films de guerre US) . Ce qui fait que l’on s’attache rapidement à l’ensemble des personnages et que la partie technique du film (action, effets visuels, explosions et cie) devient finalement secondaire, sans être pour autant négligée. Le travail sur la reconstitution historique est excellent et la rencontre entre les appareils à transistor et le cube cosmique donne un design très intéressant.

Marvel n’a pas oublié les nombreux clins d’oeils destinés à ces fans. Stan Lee fait une petite apparition, Dum Dum, l’un des piliers du Shield dans la BD, a ici un rôle plutôt important dans le commando que monte Captain America et les liens avec les autres films Marvel sont bien rendus comme la présence d’Howard Stark, le père d’Anthony. On a même droit à des images de la Stark Expo, entrevue dans Iron Man 2.

La fin du film s’ouvre directement sur ce que les fans attendent depuis 2008 (et la dernière scène d’Iron Man) à savoir la création des Avengers, dont on murmure qu’il y serait question des Skrulls. En attendant le printemps, dégustons sans modération cet excellent film. Décidément, Marvel nous gâte au cinéma.